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Escena de caza helenística

Escena de caza helenística



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Cómo la belleza natural de la escultura helenística ha cautivado al mundo durante siglos

La escultura helenística es una de las prácticas más preciadas de la historia del arte. Celebrado por su naturalismo sin precedentes, este movimiento introdujo un hábil enfoque escultórico que los artistas emularían en los años venideros.

Hoy en día, las antigüedades helenísticas se pueden encontrar en las mejores colecciones de todo el mundo, con obras de fama mundial como el Victoria alada de Samotracia liderando el camino. Si bien es posible que esté familiarizado con estas impresionantes esculturas de mármol, es posible que no sepa mucho sobre el movimiento que dieron forma.


Un mural de 44.000 años es ahora el ejemplo más antiguo de seres humanos que cuentan historias con imágenes. Echa un vistazo a la caza épica que muestra.

En la jungla de Indonesia en la isla de Sulawesi, el arqueólogo y espeleólogo Pak Hamrullah vio un enorme agujero en lo alto del suelo en una pared de piedra caliza hace dos años.

Se deslizó por la roca y asomó la cabeza dentro.

Una exploración más profunda reveló que el agujero conducía a una cueva, ahora conocida como Leang Bulu 'Sipong 4. Había permanecido oculta e intacta durante casi 50.000 años, albergando arte rupestre pintado por antiguos antepasados ​​humanos.

En una sección de 14 pies de largo de la pared de la cueva, una escena de caza está salpicada de pigmento ocre rojo oscuro. Hamrullah pudo ver que las imágenes contaban una historia: se mostraban ocho diminutas figuras que parecían híbridos entre humanos y animales portando armas y persiguiendo cerdos y búfalos de agua.

Según un nuevo estudio sobre el mural publicado en la revista Nature esta semana, un análisis más detallado ha revelado que esta escena de caza es la más antigua de su tipo y el primer "libro de cuentos" humano con imágenes.

"Esta elaborada escena de arte rupestre, que se remonta al menos a 44.000 años, es el primer registro pictórico de narración descubierto hasta ahora", dijo a Business Insider Adam Brumm, coautor del estudio.

Antes de este descubrimiento, la obra de arte más antigua que representaba la caza humana era probablemente una pintura en la pared de una cueva francesa que mostraba una persecución de bisontes. Fue pintado entre hace 19.000 y 17.000 años.


Van Sant: Era temprano en la mañana y estábamos en el hotel Bowery, y por alguna razón nos habíamos quedado despiertos hasta muy tarde, así que estábamos en un estado vulnerable. Y ella era realmente buena. Me refiero a que es una gran actriz, así que nos dejó boquiabiertos.

Juerga: El otro papel realmente difícil fue el que interpretó Stellan Skarsgard, Gerry Lambeau. Fue un papel fundamental y no pudimos encontrar a la persona adecuada.

Stellan Skarsgard (Gerald Lambeau): Estaba en Rhode Island rodando Amistad con Spielberg, y me enviaron el guión. Nunca consideré rechazarlo. Tenía que ir a Boston y ver a los chicos y a Gus. Salimos a unos bares en el sur de Boston. El conductor tenía tanto miedo de que su coche negro fuera destruido allí. Entonces era bastante peligroso.

Damon: Y luego, una noche, llevamos a Robin a L Street Tavern….

Affleck: Robin quería probar Boston. Recuerdo haber pensado Este es un puto error. Quiero decir, debes recordar que Whitey Bulger todavía estaba por ahí y dirigiendo las cosas. Y luego simplemente se convierte en una escena de mafia. Los chicos se emborracharon mucho y querían pelear conmigo porque tenía mi sombrero al revés.

Williams: Recuerdo que a este tipo se le ocurrió un fuerte acento irlandés, no podía entender una palabra de lo que decía, y otro tipo, un tipo de Southie, dijo: "Quiere saber dónde está tu avión privado".

Charlie Harrington (explorador de locaciones de Boston): Todo el vecindario se enteró, y como que nos asaltaron y nos fuimos. Recuerdo que Matt y Ben lo miraron y pensaron: Me pregunto si esto me sucederá alguna vez.

Damon: Cuando Robin tuvo una idea de ese lugar, llamó a Harvey y dijo: "Tenemos que filmar este bar", aunque no estaba en ninguna de esas escenas. Entonces recibimos un mensaje de Harvey y me dijo: "¡NO LLEVES A ROBIN A MÁS LUGARES!" Fue por Robin que pudimos rodar en L Street.

El rodaje comenzó el 14 de abril de 1997 y se completó en solo nueve semanas.

Missy Stewart (diseñadora de producción): Hablaríamos sobre lo que lo haría más "Boston".

Moore: Tuvimos esta diseñadora de vestuario, Beatrix, que vino de Europa del Este. El guardarropa que eligió para el primer día para los cuatro chicos nos asustó tanto que tuvimos este mini colapso. Eran de clase trabajadora, pero ella los vestía casi como personas sin hogar. Casey y Ben estaban tratando de convencerla, Mira, estos tipos son pobres, pero la forma en que muestran lo que hacen es que compran mierda de marca. Llevan el chándal Nike o el chándal Adidas. En una de esas llamadas de productores en pánico, llamé a Reebok y dije: "Mira, necesito unos pantalones de chándal". Eran las cinco de la mañana porque estábamos tratando de disparar cuando salió el sol y esta señora de Reebok se levantó de la cama, apareció, trajo todas las cosas. Luego estaba la gente de marketing, que esperaba que usáramos cadenas de restaurantes para que tal vez pudieran obtener un vínculo de marketing. Matt y Ben seguían diciendo: “No. Tenemos que ir a Kelly's Roast Beef. Tenemos que comer en el Tasty ".

Juerga: Nunca olvidaré el primer día de rodaje. Después de eso, Matt, Ben y Gus entraron en este gran abrazo. Este era su bebé, más que nadie.

Damon: El primer día, recuerdo que empezamos a llorar, porque era una escena entre Robin y Stellan. Y cuando Gus llamó a la acción y vimos a estos chicos, me refiero a actores consumados, hacer nuestra escena literalmente, habíamos esperado tanto tiempo para que esto sucediera. Recuerdo estar sentada junto a Ben y tenía lágrimas rodando por mis mejillas porque estaba muy feliz y aliviada de que realmente estuviera sucediendo.

Affleck: Lloramos un poco. Pero, ¿por qué Matt está diciendo esta mierda? Como, se muerde la maldita lengua durante 15 años y ahora porque es Bostón revista, dice que empezó a llorar? Su carrera no ha terminado, ¿sabes a qué me refiero? ¡Necesita que la gente crea que es como Jason Bourne o lo que sea!

La película se centró en la relación entre Will Hunting, interpretado por Damon, y el terapeuta Sean Maguire, el personaje de Robin Williams.

Van Sant: La escena principal para mí en la película es la primera vez que Will conoce a Sean, esa siempre fue la mejor escena. Y también fue la escena original que escribió Matt. Sean era un personaje triste y Will descubre que tiene este talón de Aquiles.

Williams: Fue reaccionar ante él y escucharlo, como terapeuta y también como terapeuta que tiene una historia, y él me presionó los botones y yo tratando de evitar que hiciera eso y, literalmente, dije: "Sé lo que estás haciendo". aquí." Y finalmente presiona el botón equivocado y lo siguiente, Sean simplemente chasquea.

Su Armstrong (productor ejecutivo): Creo que la escena que me recuerda mucho (fue una gran sorpresa cuando estábamos filmando) es cuando Will ataca a Sean por su esposa y Sean simplemente lo golpea contra la pared y básicamente dice: "No hables de algo no lo sabes ". Me sorprendió tanto que el televisor no se cayera, porque era muy violento.

Williams: ¿Conoces esa línea, "Te terminaré"? Matt o Ben dijeron que estaban en un bar cuando vieron a este grandullón metiéndose con este pequeño y diciendo: "Oye, te patearé el trasero", y de repente el pequeño se le acercó a la cara y dijo , "Voy a acabar contigo".

Moore: Cuando Robin y Matt estaban filmando la escena en el banco del Public Garden, en la película parece que son las únicas personas en el parque. Y Robin en este momento es una estrella masiva. La policía de Boston merece mucho crédito por ayudarnos con esto porque no era parte de nuestro trato con ellos. Terminamos en un momento con más de 3.000 personas mirando esa escena.

Williams: Mientras filmaba la escena ese día, le preguntaba a Gus qué hacer y él decía: "Sigue hablando con él, sigue escuchándolo". Fue íntimo, sencillo. Estoy sentada con él en este hermoso lugar en el Jardín Público, y fue algo surrealista con estos botes cisne.

Damon: La mejor adición de Robin es la última línea de la película. No había nada escrito allí. Abre el buzón y lee la nota que le había escrito. Gus y yo estábamos al lado de la cámara, porque cada vez que salía para una nueva toma, le leía la carta porque es una voz en off. Salió diciendo diferentes líneas cada vez. Cuando dijo: "El hijo de puta se robó mi línea", agarré a Gus. Fue como un rayo, fue solo uno de esos momentos de mierda sagrada en los que, como, eso es todo.

La escena más famosa de la película involucra a Will en defensa de su mejor amigo, Chuckie, quien está siendo objeto de burlas por parte de un engreído estudiante graduado de Harvard en un bar de Cambridge. Después de que Will se viste como el estudiante de posgrado, gana a Skylar.

Affleck: Rodar en Harvard Square fue muy importante para mí. Está a un cuarto de milla de nuestra escuela secundaria, Rindge & amp Latin, y íbamos allí después de la escuela y salíamos a beber cuando crecíamos. Fue una especie de nexo de nuestra vida social en muchos sentidos. Así que llevar el circo a casa fue algo muy divertido.

Chris Moore: La escena de los bares de Harvard tiene mucho que ver. Tiene que conocer a la chica, tenemos que aprender que odia a la gente inteligente, que estos chicos son pueblerinos y que sus chicos le respaldan. Luego termina con el famoso "¿Cómo te gustan las manzanas?" Es, en cuanto al entretenimiento, una de mis escenas favoritas.


Kitsch de brujas e historia oscura en Alemania y montañas de Harz # 8217

Hexentanzplatz (brujas y pista de baile n. ° 39)

Alemania

Esta historia está extraída y adaptada de Kristen J. Soll & # 233e & # 8217s Caza de brujas: una guía para viajeros y # 8217 sobre el poder y la persecución de la bruja, publicado en octubre de 2020 por Red Wheel Weiser.

A las brujas alemanas & # 8212 hexen & # 8212las tierras altas de Harz en el norte de Alemania son el hogar, una cadena montañosa impregnada de tradiciones paganas. Aquí, Quedlinburg, una deslumbrante ciudad medieval que no fue tocada por la Segunda Guerra Mundial, es un lugar de caprichosas calles sinuosas y más de mil casas con entramado de madera totalmente conservadas. La ciudad tiene una inclinación bastante feminista a su historia, ya que las mujeres ejercieron una gran influencia política aquí durante más de 800 años. En 936, la viuda del rey sajón Heinrich I, llamada Matilde, fundó un convento, y la abadesa de ese convento continuaría teniendo un poder considerable en la ciudad y las regiones circundantes hasta que Napoleón invadió en 1802.

La mayoría de las descripciones de Quedlinburg en la literatura de viajes incluyen la frase & # 8220fairy tale, & # 8221 y fiel a los Grimms & # 8217 clásicos cuentos de hadas alemanes & # 8212 no sus versiones americanas suavizadas & # 8212 este sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO tiene un lado oscuro.

Durante un paseo, no vi ni una sola pieza de basura, pero noté símbolos apotropaicos, como hexagramas y cruces, tallados en las vigas de los edificios antiguos para protegerse de las enfermedades y mantener a raya a los demonios y las brujas. Como muchas ciudades alemanas, Quedlinburg tenía sus propias cacerías de brujas modernas tempranas. Pero no tuvieron el impacto que tendría la propaganda que luego surgió de ellos, ya que Quedlinburg es también el lugar de nacimiento de una de las afirmaciones más mal informadas sobre las primeras cazas de brujas modernas.

Quedlinburg es rico en encanto, atmósfera y símbolos apotropaicos para protegerse de enfermedades, demonios y brujas. Michael Schelhorn / EyeEm / Getty Images

Entre académicos, feministas y brujas practicantes, ha habido opiniones divergentes sobre cuántas personas fueron acusadas y ejecutadas por brujería en los primeros tiempos de la era moderna. La historiadora estadounidense Anne Barstow estima que hay 200.000 personas acusadas y 100.000 condenadas a muerte, pero admite la dificultad de llegar a esas cifras. En Witchcraze: Una nueva historia de la caza de brujas europea, Escribe Barstow: & # 8220 Trabajar con las estadísticas de brujería es como trabajar con arenas movedizas. & # 8221

El historiador australiano Lyndal Roper estima que la mitad del número de Barstow & # 8217s en Witch Craze: Terror y fantasía en la Alemania barroca. & # 8220 En el transcurso de la caza de brujas, más de 50.000 personas murieron, & # 8221, escribe. & # 8220Nunca sabremos la cifra exacta porque en muchos lugares los registros de sus interrogatorios simplemente han sido destruidos, con alusiones hechas solo a & # 8216 cientos & # 8217 de brujas asesinadas & # 8221.

El historiador alemán Wolfgang Behringer coincide con Roper en Brujas y cacerías de brujas: & # 8220 Para brujería y hechicería entre 1400 y 1800, en total, estimamos algo así como 50.000 penas de muerte legales, & # 8221, escribe, y agrega que probablemente hubo el doble de personas que fueron castigadas con & # 8220 destierro, multas, o penitencia de la iglesia. & # 8221

El sábado de las brujas, en la noche de Walpurgis, está representado en un grabado del siglo XVII. bildagentur-online / uig via getty images

Pero otras, incluidas las escritoras feministas que comenzaron con Matilda Joslyn Gage a finales del siglo XIX y continuaron con Margaret Murray y Mary Daly en el siglo XX, han hablado sobre la absurda gran cantidad de nueve millones. ¿Me pregunto de dónde vino eso? No busque más allá del pintoresco casco antiguo de Quedlinburg.

Ronald Hutton explica en Brujas, Druidas y el Rey Arturo que el historiador alemán del siglo XVIII Gottfried Christian Voigt supuso que más de nueve millones de brujas fueron asesinadas en Europa basándose en el número de muertos en la caza de brujas en su ciudad natal. Voigt había llegado a esto simplemente descubriendo registros de la quema de treinta brujas en Quedlinburg entre 1569 y 1583 y asumiendo que eran normativas para cada período de tiempo equivalente mientras estuvieran en vigor las leyes contra la brujería, & # 8221 Escribe Hutton. A partir de ahí, & # 8220 simplemente siguió multiplicando la cifra en relación con la presunta población de otros países cristianos & # 8221.

Hay un método para la locura de esta figura astronómica, aunque está completamente equivocado. Ahora que los historiadores han refutado rotundamente el número de Voigt & # 8217, centrarse demasiado en el número exacto de muertos puede desviar la atención de desentrañar el legado duradero de la caza de brujas en Occidente.

Mientras contemplaba las calles milenarias de Quedlinburg, vagué sin un mapa. Los ancianos se sentaban fuera de sus moradas marrones y blancas, tomando el sol. Un pequeño gato negro emergió de los arbustos para maullar dulcemente cuando pasé. Pero por mucho que intenté perderme en Quedlinburg, he descubierto que las ciudades europeas medievales siempre parecen depositarte en la plaza del pueblo.

Allí, el ayuntamiento o Rathaus se ha asentado desde principios de 1300, su cara de piedra ahora enmascarada con un espeso velo de enredaderas y flores. Los restaurantes y las tiendas se alinean en todos los lados de la plaza, y estaba sorprendentemente tranquilo a pesar de que la gente estaba sentada afuera, bebiendo cerveza, enfrascada en una conversación. Renovado por un tranquilo paseo por el paraíso medieval de Quedlinburg, estaba listo para continuar mi búsqueda de la historia de las primeras brujas modernas en Thale, un viaje en tren de 10 minutos desde el pasado encantador hasta el presente kitsch y brujo.

Thale es un viaje de cornezuelo de centeno de una ciudad. Un parque temático de brujas, museos repletos de dispositivos de tortura y drama psicosexual, y una meseta notoria lo convierten en un lugar fascinante y absurdo.

Las imágenes clásicas de brujas modernas tempranas son un atractivo turístico popular en Thale. Matthias Bein / Picture Alliance a través de Getty Images

Recién salido del tren, me sentí abrumado por las ofertas comerciales en la pequeña estación. Cristales, velas, licor con temática de brujas, alfileres y postales, y camisas de neón impresas con brujas volando en palos de escoba estaban por todos lados. Me aparté de la fascinante llamada del merchandising solo para descubrir el Obscurum Thale justo al lado. El exterior parece sacado de una Party City en Halloween, pero tras una inspección más cercana, se reveló mucho más atractivo. Un esqueleto con un sudario negro apuntaba hacia las escaleras de entrada de Obscurum, y en la pared colgaba una impresión de John William Waterhouse & # 8217s los Circulo mágico. Se despertó mi interés.

Dentro de este museo de rarezas, un bricolaje ahistórico de realidad y ficción se codea en cada habitación. Un panel sobre el tratado de brujería del siglo XV. Malleus Maleficarum, a befragungsstuhl (silla de interrogación con púas), hierbas asociadas con la brujería y troncos ensamblados en una pira ardiente de brujas estaban cerca de exhibiciones con vampiros, hombres lobo y zombis. Había tantas habitaciones repletas de parafernalia oculta que apenas podía verlo todo. Era un presagio adecuado de lo que estaba por venir.

Un paseo soleado a través de una zona boscosa frente al Obscurum me llevó al Funpark, donde mi doppelg & # 228nger & # 8212 una estatua de bruja rubia sonriente con un vestido y sombrero fucsia & # 8212 me dio la bienvenida. Pasé junto a un puñado de paseos para niños antes de unirme a las familias en la fila de la góndola que nos llevaría a Hexentanzplatz, The Witches & # 8217 Dance Floor. Cientos de pies en el aire solo en mi propio auto de vidrio tenía una vista panorámica de la densa naturaleza salvaje de las montañas de Harz. Siniestras formaciones rocosas asomaban como brujas & # 8217 dedos llamándome desde el bosque de abajo.

Un teleférico lleva a los visitantes desde Thale hasta Hexentanzplatz, o The Witches & # 8217 Dance Floor. Arterra / Universal Images Group a través de Getty Images

Ubicado en lo alto de Bode Gorge, Hexentanzplatz es una meseta rocosa con fuertes raíces sajonas. El claro fue supuestamente donde los sajones una vez celebraron rituales y sacrificios a sus dioses y diosas de la montaña, y por lo tanto conserva un tenor pagano, atrayendo a innumerables juerguistas cada año para la Noche de Walpurgis.

& # 8220 Sabemos que en toda Alemania se coloca una gran excursión anual de brujas en el fiprimera noche de mayo (Walpurgis), es decir, en la fecha de una fiesta de sacrificio y la antigua reunión de mayo de la gente, & # 8221 escribe el folclorista Jacob Grimm en su exploración de 1835 de los mitos germánicos, Deutsche Mythologie. & # 8220Las brujas recurren invariablemente a lugares donde antes se administraba justicia o se ofrecían sacrificios & # 8221, prosigue. & # 8220Casi todas las montañas de las brujas fueron una vez colinas de sacrificio, colinas de límites o colinas de sal. & # 8221

La región del Alto Harz fue descrita una vez como & # 8220wilder, su paisaje rocoso más grotesco & # 8221 que el Bajo Harz, en una guía de viajes de 1880 publicada en Sociedad de Londres. Mucho antes de la comercialización de la zona, mucho antes de que se construyera un parque temático, Thale tenía & # 8220 las mejores, pero también las más queridas posadas del Harz & # 8221. El escritor de viajes inglés del siglo XIX continúa describiendo la Hexentanzplatz como & # 8220un acantilado perpendicular & # 8230 que ofrece una vista aún más fina de toda la cadena montañosa. & # 8221

Los demonios míticos y los diablos son elementos fijos en Thale. Matthias Bein / Picture Alliance a través de Getty Images

Una vez en la cima, me sentí abrumado por los carteles alemanes que apuntaban en todas direcciones a diferentes atracciones. La Hexentanzplatz es ahora parte de una reserva natural, parte de un parque temático de brujas, con un teatro al aire libre, un zoológico, un museo de varias partes y muchos puestos de refrescos y tiendas de regalos con temática de brujas. Mi primer instinto fue seguir a la multitud, lo que me llevó a un área central con estatuas de un diablo y una bruja desnudos que los niños trataban como gimnasios en la jungla.

Una joven se sentó a horcajadas sobre una figura de bruja encorvada cuyo trasero sobresaliente albergaba una gran araña. Ella estabilizó a su hermanito frente a ella mientras los dos reían. Otro niño estudió a un demonio animal al lado de la bruja, mientras que otros niños posaron con el hombre diablo extendiéndose (¿demonios extendiéndose?) Sobre una gran roca. Los genitales del Señor Oscuro # 8217 están tallados con gran detalle de bronce, frotados hasta obtener un brillo brillante, presumiblemente por los visitantes que los manosean para tener buena suerte.

Cerca estaba el Hexenbufett (Buffet de brujas), donde la gente se atiborraba de comida rápida, cerca del borde de un saliente rocoso por encima de una caída de 300 metros. Dejando de lado el ruido, me concentré en el atractivo y premonitorio terreno montañoso. (Solo escuché alemán en Thale, y nadie trató de hablarme en inglés cuando lo hice torpemente.) Alejándome de la multitud de niños que gritaban y sus padres, entré en la sección Walpurgisgrotte del Harzeum. Estaba inquietantemente vacío y ofrecía una mezcla de material aún más extraña que el Obscurum. En cada rincón oscuro y húmedo, los estereotipos de brujas cobraron vida a través de espeluznantes maniquíes contra elaborados cuadros.

En el Harzeum, las exhibiciones muestran una variedad de estereotipos relacionados con las brujas. Kristen J. Soll & # 233e

Una hechicera solitaria posó en una habitación llena de pociones y manojos de hierbas secas. Una madre bruja y un padre diablo vieron a sus engendros del infierno tumbados en el suelo de la sala de estar, jugando con un juego de mesa de pentagramas cubierto de caracoles. Una mujer en lencería llamó desde una casa cubierta de corazones y radiante luz roja. Una bruja arrugada con cabello largo y gris sonrió frente a una cabaña mientras un gato negro se posaba en su hombro y un demonio se asomaba por la ventana detrás de ella. Se representaron todas las formas más vilipendiadas de feminidad asociadas con brujas & # 8212 mujeres sin hijos, madres monstruosas, ancianas, mujeres promiscuas & # 8212.

En medio de más dispositivos de tortura de brujas, vi objetos efímeros de brujería contemporánea & # 8212tarot, runas y tableros de espíritus & # 8212 # 8212, rodeados de candelabros y cráneos cubiertos de telarañas. Vi lo que parecían ser máscaras mortuorias en la pared, además de un niño pequeño que llevaba un caparazón de tortuga como sombrero. Justo antes de irme, pasé por una escena con una mujer con un vestido de novia que abría sus tarjetas de crédito y sostenía la correa de un hombre a cuatro patas, porque cada mujer ¿Es una bruja a los ojos de su marido, supongo?

La iconografía de las brujas en las tierras altas de Harz es omnipresente y ha subsumido la historia de la caza de brujas en Alemania. Ronny Hartmann / Picture Alliance a través de Getty Images

De humor oscuro y extraordinariamente extraño, el Walpurgisgrotte me dejó un poco tambaleante cuando regresé a un hermoso día soleado en la cima de una montaña. El epítome del mítico bosque alemán se encontraba debajo, ya mi alrededor, las familias con niños pequeños parecían no pensar dos veces en el exceso de brujas y demonios que acechaban.

La bruja moderna temprana & # 8212particularmente en Alemania & # 8212 era fascinante pero igualmente, si no más, repulsiva. Si tenía belleza, solo ocultaba la carne de bruja podrida debajo. Sentí visceralmente esta inquietante yuxtaposición en el Harz cuando me enfrenté con un comercialismo calvo compensado por una belleza natural impresionante y los horrores reales de la historia de la caza de brujas enmascarados por el júbilo macabro de las atracciones de brujas kitsch.

Estaba constantemente en shock, boquiabierta, sin nadie con quien compartir mi sorpresa. Horrorizado en un momento, asombrado al siguiente y superado por carcajadas demoníacas ante lo absurdo de todo.


Valcamonica, cultura prehistórica camuniana

En el valle de Camonica, sobre el lago de Garda, en el este de Lombardía en Italia, se descubrieron esculturas de piedra hechas por humanos prehistóricos a principios del siglo XX. Los científicos consideraron el sitio arqueológico de Valcamonica como uno de los archivos más completos e importantes de la historia humana antes de las escrituras. Aproximadamente 300.000 o incluso más grabados rupestres en Valcamonica constituyeron una de las bases de datos más extensas de la historia humana europea desde la Edad del Hielo hasta la época de la República Romana y más allá, en algunos casos hasta principios de la Edad Media. En 1979, los únicos dibujos rupestres prehistóricos de Valcamonica se agregaron como la primera entrada italiana en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. De hecho, el primer descubrimiento de este sitio ocurrió en 1909 por el alpinista y estudiante de geología, ciencias químicas y naturales Walther Laeng de Brescia. Los círculos científicos en Italia en ese momento no estaban particularmente interesados ​​en el descubrimiento, pero el antropólogo italiano Giovanni Marro inició una investigación más intensiva en la década de 1930. Posteriormente, la investigación en este sitio fue continuada por otros científicos: Raffaello Battaglia, Franz Altheim, Gualtiero Laeng, Piero Leonardi, Emmanuel Anati y otros.

Al final de la Edad de Hielo, los glaciares se habían retirado dejando atrás la pizarra y la arenisca finamente granulada, losas de roca bien trabajadas en Valcamonica. Las tablillas de roca pulida dentro de dibujos hechos por los humanos prehistóricos, crearon la base para los únicos & # 8220World Archives of Rock Art & # 8221 como lo llamó Emmanuel Anati en su artículo científico. De acuerdo con los descubrimientos de la cultura prehistórica en el Valle de Camonica, fundó en 1964 & # 8220Centro Camuno di Studi Preistorici & # 8221 o & # 8220El Centro de Estudios Prehistóricos Camuno & # 8221 en Capo di Ponte. Durante mucho tiempo, el valle de Camonica y sus habitantes prehistóricos permanecieron aislados del resto del mundo. Este fue el mejor requisito previo para que los humanos desarrollaran su sociedad sin interrupciones, desde el Paleolítico y el Neolítico hasta la antigüedad. En el 16 a. C., los romanos liderados por Publius Silo durante el período del emperador romano Octavio Augusto conquistaron esta región. Los romanos sometieron a esos habitantes y los llamaron & # 8220Camuni & # 8221. Con la invasión de los romanos, el período de los grabados rupestres en el & # 8220Valley of the Camuni & # 8221, terminó inicialmente.

A lo largo de diferentes períodos, las artes rupestres de la cultura camuniana reflejan las condiciones de vida, la economía, las creencias, las relaciones sociales y las relaciones con los vecinos de los humanos prehistóricos. Según el trabajo de investigación actualizado de Emmanuel Anati # 8217, el Período proto-camuniano duró desde hace 12.000 a 7.500 años. Este período coincide con la primera fase del Holoceno con inicio del período Epipaleolítico (era entre el Paleolítico Superior y el Neolítico). Los primeros grabados rupestres en el estilo típico de los cazadores primitivos se originaron aquí en el X milenio antes de Cristo, en el período Epipaleolítico y se trataba de escenas de la caza de animales sin arco y flecha. Las representaciones más antiguas de Valcamonica se encuentran en Luine, a la entrada del valle. Cerca del Castillo de Breno, Nadro y Cividate Camuno se desenterraron restos de los asentamientos del período proto-camuniano. En este período, los pueblos prehistóricos produjeron sus herramientas y armas de piedra conocidas como microlitos. Los microlitos generalmente se fijaban al mango hecho con huesos o madera. La supervivencia de los humanos prehistóricos dependía (además de recolectar alimentos del medio natural) del éxito de la caza. Esta fue una de las razones por las que esos humanos grabaron escenas de caza de alces o ciervos. Esto también fue una especie de rituales hechos por humanos prehistóricos para una caza más exitosa porque la carne de los animales era la base para la supervivencia económica. Los investigadores asumen que el valle de Camonica al comienzo del período proto-camuniano para los humanos paleolíticos inicialmente sirvió para la caza y se establecieron en el valle en un gran número más tarde porque sirvió como un lugar para el culto y la creencia de la caza. Así, los artistas prehistóricos perpetuaron, en estilo naturalista, un animal de presa, atravesado por dos lanzas, en la Roca núm. 6 en Luine.

Herramientas de picoteo de cuarzo de diferente color utilizadas por pueblos prehistóricos con el propósito de grabar en Roca en el Valle Calcamonica. Sugiere que la escena del grabado probablemente estaba coloreada en ese momento. Foto: Emmanuel Anati, Records WARA Documents (Ver referencia No 2 abajo).

Esta escena de caza representa el cuerpo macizo del animal que promete ricas porciones de carne en contraste con las delgadas patas del animal. Probablemente el collar con el que está representado el ciervo represente la domesticación del primer animal salvaje. Los habitantes del valle de Camonica también se dedicaban a la pesca, lo que se puede ver en las escenas de talla de piedra ubicadas en la colina de Luine. Este no es el único caso en Europa cuando se trata de este tipo de arte prehistórico. Era una especie de componente de la vida de los humanos prehistóricos, pero la mayor similitud en comparación con los grabados rupestres de Valcamonica se puede ver en los sitios arqueológicos en el norte de Escandinavia, Sicilia, Austria, España y Portugal.

El primer y segundo período Camuniano corresponden a la era prehistórica de la Piedra Nueva (Neolítico) de 7.500-5300 años antes del presente o 5.500-5.300 aC. El tercer período de la cultura Valcamonica duró desde el 3.300 al 1.200 aC e incluyó el inicio de la metalurgia del cobre (período Calcolítico), Edad del Bronce Temprano y Medio. Sobre la base del grabado en las rocas, la vida de los pueblos prehistóricos en el primer y segundo período Camuniano comenzó a cambiar, típico de la forma de vida neolítica. Los cambios también fueron visibles sobre la base de hallazgos arqueológicos como restos de cerámica, herramientas y armas. Durante este período, los humanos indígenas comenzaron a asimilarse dentro de la nueva población que buscaba un lugar adecuado para su asentamiento. En este período, el arte ya no se centró en la caza de animales, ya que la población neolítica comenzó cada vez más a domesticar animales salvajes. Los primeros animales domesticados a principios del primer período Camuniano fueron perros, bueyes y cabras. Las escenas talladas en una roca contenían figuras antropomórficas en la mayoría de los casos con las manos en alto conocidas como “postura de oración”. Con el crecimiento de la economía, los pueblos neolíticos del valle de Camonica han introducido innovaciones en la agricultura, la cría de animales, la producción de cerámica, herramientas (azadas y arado) y armas (lanzas, bumeranes, arco y flecha).

Escena de grabado en Camonica Valley (Capo di Ponte) que muestra un carro de cuatro ruedas, tirado por dos caballos. Imagen: E. Anati, WARA
W07626 Rastreo CCSP WARA W00601), ver referencia No 2.

El cuarto período Camuniano duró desde el 1.200 al 16 a.C. y coincidió con la Edad del Bronce Medio (1.200-1.000) y la Edad del Bronce Tardío (1.000-800 a.C.), la Edad del Bronce Final y la Edad del Hierro. En comparación con el período Neolítico, la producción de armas y herramientas a principios del IV período Camuniano ha alcanzado un gran progreso tecnológico. Había numerosas figuras de estructuras, chozas, graneros, santuarios y templos. También hubo representaciones de actividades artesanales, como trabajos en metal y construcción de ruedas. Las actividades económicas esenciales del pueblo Camuniano durante la Edad del Bronce y del Hierro fueron el comercio, la extracción de minerales, la metalurgia, la cría de animales, la agricultura y la caza. También han aprendido a escribir, porque en el y del IV período Camuniano se ha incrementado la influencia de los etruscos, celtas y romanos. Por ejemplo, en & # 8220The National Rock Engravings Park & ​​# 8221 en Capo di Ponte on the Rock número 99 había grabado en roca dentro de la inscripción latina. Durante la Edad del Hierro, esas personas también usaban vagones (probablemente para ceremonias y funerales importantes) que se puede ver en un sorteo en la Roca número 23 en el mismo Parque Nacional en Capo di Ponte.


Escena de caza helenística - Historia

El reino de Pérgamo disfrutó de una gran riqueza y poder durante cien años o más antes de ser absorbido por el Imperio Romano en 133 a. C. Durante este tiempo, la ciudad de Pérgamo se embelleció con dos importantes monumentos que conmemoran la derrota de los galos invasores: un grupo de estatuas establecido en la acrópolis de la ciudad y un enorme altar jónico con un friso que muestra la batalla de los dioses y los gigantes.

Pergamum had been a kingdom of minor importance until 230 BCE, when its king Attalus I (ruler from 241 to 197 BCE, with the title of king after about 230) defeated an invading force of Gauls from the north and briefly made himself master of Asia Minor. The event was celebrated in a series of statues of dead or dying Gauls, now known only from later copies which reveal the emergence of a distinctive Pergamene style responsive to the highly "civilized" demands of its patrons.


The Attalid group of Gauls at Pergamon (reconstruction)


Gaul and his wife
Roman copy from the Attalid group of c. 220 BCE
Height 6' 11"
(Terme Museum, Rome)


Dying Gaul (Trumpeter)
Roman copy from the Attalid group of c. 220 BCE
Height 36 1/2 "
(Capitoline Museum, Rome)

los Great Altar was by far the largest sculptural complex created in the ancient world, a work so grandiose and imposing that the author of the Biblical Book of Revelation later called it "Satan's seat." It was erected as a memorial to the war against the Gauls.

The Altar was erected some 50 years after the Attalid Group. It stood on a 20-foot-high platform, surrounded by an Ionic colonnade. It originally stood within the elaborate enclosure in the open air.


Present remains of the Great Altar of Zeus, Pergamon
Most of the material excavated by Carl Humann (1839-96) in the late 1870s and early 1880s was transported to Berlin

The approach was from the back, so that only after walking round the building did the great flight of steps leading up to the altar come into view.

Running round the base was a sculptural frieze (only part of which survives) some 7.5 feet high and, in all, more than 300 feet long. (The remains of the building were dismantled after excavation in the late nineteenth century and re-erected in the Berlin Museum in about 1900.)

The first and larger frieze is devoted to a battle between gods and giants, the gods being the full height of the relief slabs and the giants even bigger, only their huge menacing torsos being visible. Muscles swell in great hard knots, eyes bulge beneath puckered brows, teeth are clenched in agony. The writhing, overpowering figures seem contorted, stretched, almost racked, into an apparently endless, uncontrolled (in fact, very carefully calculated) variety of strenuous, coiling postures to which the dynamic integration of the whole composition is due. Rhythmic sense is felt very strongly a plastic rhythm so compelling that the individual figures and complex groups are all fused into a single system of correspondences throughout the whole design. Deep cutting and under-cutting produce strong contrasts of light and dark which heighten the drama. The naturalism is extreme and is taken to such lengths that some of the figures break out of their architectural frame altogether and into the spectator's space.


Altar of Zeus, from Pergamon
C. 175 BCE
Marble, reconstructed and restored
(Staatliche Museen, Berlin)

The great frieze shows how the Hellenistic taste for emotion, energetic movement, and exaggerated musculature could be translated into relief sculpture. In a detail illustrating Athena's destruction of a son of Gaia, the Titan earth goddess, the energy of the juxtaposed diagonal planes seems barely contained. Athena spreads out both arms, the left bearing her shield.


Athena Battling with Alcyoneus
from the East Frieze, Altar of Zeus, Pergamon
C. 175-150 BCE Marble, height (of frieze) 7' 7"
(Staatliche Museen, Berlin)

Athena's right hand grasps the luxuriant hair of her adversary Alcyoneus. He is perfectly human except for big wings. Alcyoneus stretches out his left arm in a gesture of supplication, while with his right hand he tries to tear the hand of Athena away from his hair. The long winding strands surround his face like snakes. His features reflect deep anxiety. His mouth is open as if shouting for mercy., the nostrils are dilated, the eyes look up imploringly, full of deep anguish. The eyebrows are drawn, the forehead is wrinkled. His supplication is supported by his mother Ge (or Gaia), the earth, whose upper body appears both hands are lifted to Athena. Her pleading, however, is in vain. The figure of Nike has appeared at the right to give Athena the crown of victory.


Description and Significance

The Hellenistic period begins in 323 with the death of Alexander the Great and ends with the battle of Actio in 31 BC.

While Philip of Macedon conquered and united the Greek city-states, his son Alexander the Great embraced on a campaign that found him the conqueror of a vast empire which included Greece, Persia, the Near East, and Egypt.

During this period the city-states begin to give way to a more global culture, and the entire Mediterranean sea and the Middle East flourish in a background of conflict, commerce, and cross-cultural influence, with the Greek ideals and language dominating the scene.

During the Hellenistic period art underwent dramatic transformations and evolved on the road paved previously by the Classical artist.

While the Classical Greek concepts were not entirely abandoned, the artist of the Hellenistic era expanded his formal horizons with dramatic posing, sweeping lines, and high contrast of light, shadow and emotions.

The conventions and rules of the classical period gave way to the experimentation and a sense of freedom that allowed the artist to explore his subjects from different unique points of view.

During this period, the Idealism of classical art gave way to a higher degree of naturalism which comes as a logical conclusion to the efforts of the great fourth century sculptors (Praxitelis, Skopas, and Lysipos) who worked towards a more realistic way of expressing the human figure.

The subtle implications of greatness and humility of the high Classical era (see the Charioteer of Delphi) are replaced with bold expressions of energy and power during the moments of tension as evident in the Boy Jockey.

While the interest in deities and heroic themes was still of importance, the emphasis of Hellenistic art shifted from religious and naturalistic themes towards more dramatic human expression, psychological and spiritual preoccupation, and theatrical settings.

The sculpture of this period abandons the self-containment of the earlier styles and appears to embrace its physical surroundings with dramatic groupings and creative landscaping of its context.

The Nike of Samothrace for instance was posed at a sanctuary built high at the edge of a cliff with a reflective water pool and rocks as part of the landscape.

Nike of Samothrace is a rare example of the mastery over the rigid materials and deep understanding of the world as expressed through aesthetic conventions and techniques.

The winged goddess appears to be in a process of suspended animation as her outstretched wings labor gracefully to prevent the force of gravity from anchoring the heavy stone to the ground.

The twists and deep undercuts of the drapery conform faithfully to the nude body underneath , and in the process, they reveal the physical human presence they contain as is struggles to resist an invisible external force.

This imaginary wind that shapes the drapery becomes a physical presence and an intricate part of the sculpture itself in a playful interdependence of physical and imagined entities. In this process it is the wind that gives form to the figure and breathes life into the human presence of Nike.

The human condition and state of mind became a popular subject and inconsequential moments of life were transcended into universal signs and immortalized in stone.

The sleepy satyr, the old woman, the swing of Aphrodite’s sandal, a twist of the torso, a humorous grin or a surprised expression gave life to cold marble and bronze.

In the Venus, Eros, and Pan, statue the voluptuous Aphrodite (Venus) contrasts sharply with the grotesque appearance of Pan who tries to seduce her as she attempts to repel him with a smile and a swing of her sandal.

Her immense erotic power personified by Eros has a firm grasp of the creature’s horns playfuly guiding the theatrical setting towards an impossible conlcusion that we are left to create ourselves.

Eroticism gained popularity during this period and statues of Aphrodite, Eros, Satyrs, Dionysus, Pan, and even hermaphrodites are depicted in a multitude of configurations and styles.

Statues of female nudes became popular in Hellenistic art and statues of Venus in various poses and attitudes adorn the halls of many museums around the world.

Venus de Milo (Aphrodite of Melos) is still admired today as the personification of Beauty itself with its ideal proportions, the high waste, the sharp twist of the leg, and the seductive Praxitelean “S” curve of the torso.

Often the Hellenistic sculptor is not satisfied to only depict his subjects in true outward appearance, but he further strives to express their inner world, by the depiction of physical characteristics and postures that betray inner feelings, thoughts, and attitudes.

In portraiture, the imperfections of the subject are often included in an effort to instill individual personality into the statues, or sometimes as a means of betraying the subject’s qualities and attitudes.

The statue of Hygea of which only the head survives, is a good example of how Hellenistic art evolved to carve its own niche into the flow of history without breaking with the traditional values that made its existence possible.

Hygea, the goddess of health, is created with all the subtleties of Classical aesthetic ideals, but her face manages to reveal an expression of concern and understanding towards a peson or a condition that seems to appear before her.

Thus the viewer becomes the subject of her attention in a moment of self-consciousness and role reversal between observer and observed.


Paintings from the Tomb-chapel of Nebamun

The fragments from the wall painting in the tomb-chapel of Nebamun are keenly observed vignettes of Nebamun and his family enjoying both work and play. Some concern the provision of the funerary cult that was celebrated in the tomb-chapel, some show scenes of Nebamun’s life as an elite official, and others show him and his family enjoying life for all eternity, as in the famous scene of the family hunting in the marshes. Together they decorated the small tomb-chapel with vibrant and engaging images of an elite lifestyle that Nebamun hoped would continue in the afterlife.

Hunting in the marshes

Nebamun fowling in the marshes, Tomb-chapel of Nebamun, c. 1350 B.C.E., 18th Dynasty, paint on plaster, 83 x 98 cm, Thebes © Trustees of the British Museum

Nebamun is shown hunting birds from a small boat in the marshes of the Nile with his wife Hatshepsut and their young daughter. Such scenes had already been traditional parts of tomb-chapel decoration for hundreds of years and show the dead tomb-owner “enjoying himself and seeing beauty,” as the hieroglyphic caption here says.

This is more than a simple image of recreation. Fertile marshes were seen as a place of rebirth and eroticism. Hunting animals could represent Nebamun’s triumph over the forces of nature as he was reborn. The huge striding figure of Nebamun dominates the scene, forever happy and forever young, surrounded by the rich and varied life of the marsh.

There was originally another half of the scene which showed Nebamun spearing fish. This half of the wall is lost, apart from two old photographs of small fragments of Nebamun and his young son. The painters have captured the scaly and shiny quality of the fish.

Cat catching birds in the papyrus clump (detail), from the Fowling in the Marshes, 18th Dynasty, Tomb of Nebamun, from the tomb of Nebanum, c. 1350 B.C.E., 18th Dynasty, paint on plaster, Thebes © The Trustees of the British Museum

A tawny cat catches birds among the papyrus stems. Cats were family pets, but in artistic depictions like this they could also represent the Sun-god hunting the enemies of light and order. His unusual gilded eye hints at the religious meanings of this scene.

The artists have filled every space with lively details. The marsh is full of lotus flowers and Plain Tiger butterflies. They are freely and delicately painted, suggesting the pattern and texture of their wings.


An introduction to quilting and patchwork

The quilts in the V&A's collection span the domestic and the professionally made, reflecting different uses and associations over the centuries in which they were created and collected. Whether revealing exquisite needlework techniques or a glimpse into the lives of those who made and used them, these are objects that reward a closer look.

As a technique, quilting has been used for a diverse range of objects, from clothing to intricate objects such as pincushions. Along with patchwork, quilting is most often associated with its use for bedding. But quilts are not only practical objects. The quilts in our collection have been preserved for many different reasons, whether sentimental or commemorative, as examples of needlework skills and techniques, or even because of the specific fabrics used in their designs.

Quilting is a method of stitching layers of material together. Although there are some variations, a quilt usually means a bed cover made of two layers of fabric with a layer of padding (wadding) in between, held together by lines of stitching. The stitches are usually based on a pattern or design.

The history of quilting can be traced back at least to medieval times. The V&A has early examples in its collection from Europe, India and the Far East. The word 'quilt' – linked to the Latin word 'culcita', meaning a bolster or cushion – seems to have first been used in England in the 13th century.

The earliest quilting was used to make bed covers: very fine quilts are often mentioned in medieval inventories and frequently became family heirlooms. Throughout their history, many superior examples of the technique have survived by being passed down through generations. Now in our collection, the Tristan Quilt survives from 13th-century Sicily. It depicts 14 scenes from the medieval legend of Tristan and Isolde – lively depictions of battles, ships and castles – and is one of the earliest surviving examples of 'trapunto', or stuffed quilting, (from the Italian 'trapuntare', to quilt).

The Tristan Quilt, unknown, about 1360 – 1400, Sicily. Museum no. 1391-1904. © Victoria and Albert Museum, London

During the medieval period, quilting was also used to produce clothing that was light as well as warm. Padded wear could be put on under armour to make it more comfortable, or even as a top layer for those who couldn't afford metal armour.

One fine example of quilted clothing in our collection is an Indian hunting coat, made in the 17th century, when the Mughal dynasty ruled South Asia. The exquisite 'tambour' chained stitch (worked from the top surface with a special needle called an 'ari', similar to a crochet hook) suggests that it was probably the work of a specialist craft workshop that would produce work for export to the West as well as for the Mughal court.

Hunting coat, about 1620 – 30, India. Museum no. IS.18-1847. © Victoria and Albert Museum, London

Although quilting can just use basic running stitch or backstitch, each stitch has to be made individually to ensure it catches all the layers within the quilt. Where the stitching is laid down in decorative patterns, it can be extremely fine work. Popular stitching patterns have been given names such as 'Broken Plaid', 'Hanging Diamond', 'Twisted Rope' or 'True Lovers' Knot'.

Because items such as bed covers typically involve large surface areas, quilt making is often associated with social occasions where many people share the sewing. Particularly in north America, where early settlers from England and Holland established quilting as a popular craft, there is a tradition of a quilt-making 'bee' for a girl about to get married, with the aim of stitching a whole quilt in one day. One American 'Bride's Quilt' in the collection was created for the marriage of John Haldeman and Anna Reigart in 1846. It uses a pattern known as 'sunburst' or 'rising sun', popular for its symbolic associations with the dawning of a new day.

Bed cover created for the marriage of John Haldeman and Anna Reigart, 1846 – 7, US. Museum no. T.299-1999. © Victoria and Albert Museum, London

In Britain, quilting was most popular in the 17th century, when it was used for quilted silk doublets and breeches worn by the wealthy and later for petticoats, jackets and waistcoats. Quilts were produced professionally in major towns and cities – London, Canterbury and Exeter are all linked with sumptuous examples in our collection. Quilts were also imported. Quilted Indian bed covers made from chintz fabric (Indian painted and dyed cotton) were very popular export items for both the British and Dutch markets in the late 17th and 18th centuries.

Quilt, about 1700 – 1750, India. Museum no. IS.17-1976. © Victoria and Albert Museum, London

Quilting also has a domestic history. Many of the English quilted items in the Museum's collection are the work of women sewing domestically for their own use. While some were made by necessity, others were made to mark specific life occasions, such as a birth or wedding, or, like the Chapman quilt, were perhaps made for a dowry.

Bed cover, probably Elisabeth Chapman, 1829, England. Museum no. T.428&A-1985. © Victoria and Albert Museum, London

Although closely linked to quilting, patchwork is a different needlework technique, with its own distinct history. Patchwork or 'pierced work' involves sewing together pieces of fabric to form a flat design. In Britain, the most enduring method is known as 'piecing over paper'. In this method, the pattern is first drawn onto paper and then accurately cut. Small pieces of fabric are folded around each of the paper shapes and tacked into place (also known as basting, this uses long, temporary stitches that will eventually be removed). The shapes are then joined together from the back using small stitches called whipstitches.

Bed cover, unknown, 1850 – 75, England. Museum no. T.76-1937. © Victoria and Albert Museum, London

If quilting is often associated with warmth and protection, patchwork is more closely associated with domestic economy – a way of using up scraps of fabrics or of extending the working life of clothing. Unlike quilting, patchwork remained a predominantly domestic, rather than professional, undertaking. Not all patchwork was produced for reasons of economy, however. There's evidence that some of the patchwork quilts in our collection used significant amounts of specially bought fabrics and these quilts have been attributed to middle-class women making these objects for pleasure rather than necessity. There was also a tradition of military quilts, sewn by male soldiers while posted overseas in the second half of the 19th century.

Bed cover, unknown, 1860 – 1870, England. Museum no. T.427-1980. © Victoria and Albert Museum, London

The Museum initially collected examples of patchwork because of the significance of the fragments of textiles, rather than the works as a whole. As a result, our collection charts the use of the fine silks and velvets of the 17th and 18th centuries through to the cheap cottons manufactured during the Industrial Revolution. The largest number of patchwork quilts in our collection date from the 19th century. During this period, intricate designs were used to portray a number of different motifs – from scripture and biblical scenes, as seen in Ann West's coverlet, to scenes of world events and even playing-card designs, as seen in a bed cover dated to 1875 – 85. This kind of patchwork was so popular that several examples were displayed at the Great Exhibition of 1851.

Cover, unknown, 1875 – 85, England. Museum no. T.200-1969. © Victoria and Albert Museum, London

During the same period, patchwork was promoted by the likes of prison reformer Elizabeth Fry as a skill that should be taught to female inmates – a means of providing the prisoners both employment and allowing time for reflection. This tradition has recently been resurrected by social enterprise Fine Cell Work in a collaboration with the V&A and the inmates of the HMP Wandsworth Quilt.

Patchwork saw a broad decline over the 20th century, but was adopted by the fashion industry in the 1960s as a 'look' associated with hippie culture, not just a technique. By the end of the century, both patchwork and quilting – as crafts so closely associated with women – became techniques used by artists such as Tracey Emin and Michelle Walker to explore notions of 'women's art' and work. Memoriam by Michele Walker is one example in our collection. You can also watch interviews with contemporary artists and quilt makers Jo Budd and Natasha Kerr who draw on the long tradition of quilting and patchwork for their contemporary art practice.


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