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Peineta de oro y joyas, Valencia

Peineta de oro y joyas, Valencia


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Vintage Culver Glassware Mardi Gras Pattern 22K Gold Jester Jeweled vasos para beber Vintage Culver Barware Mid Century Bar

Cristalería Vintage Culver. Patrón de Mardi Gras. Incluyendo el historial de Culver Glassware y la información de reconocimiento de patrones de amplificador.

Patrón de Mardi Gras Culver Glassware: 22k vasos con temática de Nueva Orleans. Estos magníficos y raros anteojos con joyas de diamantes de imitación de bufón de oro de los años 60, tienen un patrón de oro plano, con diamantes de imitación reales, que se considera el más raro de este patrón.

Historia del patrón de Mardi Gras: La primera serie de cristalería con patrón de Mardi Gras de The Culver Glass Company # 039 fue alrededor de 1959 - 1962. El diseño consistía en pan de oro plano y joyas de vidrio. Parece que se hicieron muy pocos de estos, sin embargo, se vendieron en enormes juegos de servir con 24 a 48 vasos. Las variaciones de este patrón incluyen las figuras respaldadas en azul, dorado o negro.

1962 -? Vio la segunda edición, hecha de joyas de vidrio y oro grueso, texturado / realzado y brillante de 22 quilates. (estos son mis favoritos)

1969 - 1983 ?: Esta última edición fue la más ornamentada, realizada con bolas de esmalte de colores en lugar de las joyas de cristal. Parece que las fechas de producción de estas diversas versiones o el patrón de Mardi Gras, se superpusieron, sin embargo, la última versión permaneció en producción, a principios de los 80 en pequeños conjuntos de producción de 4.

Hay algunas variaciones en este patrón donde puede ver el respaldo azul, dorado, negro o incluso verde en las figuras doradas. Todavía tengo que discernir cómo esto se correlaciona con las citas, pero es un problema para mí cuando colecciono piezas para vender como conjuntos y debería ser algo a tener en cuenta si está coleccionando y desea que sus piezas coincidan.

La historia de Culver Glassware: Curiosamente envuelta en misterio, Culver fue fundada en Brooklyn, NY a finales de los años 30 por Irving Rothenberg. En la década de 1980, Culver terminó su propia producción de vidrio y comenzó a imprimir a partir de espacios en blanco de vidrio, principalmente fabricados en China, pero también proporcionados por empresas estadounidenses como Libbey. Al finalizar su producción de vidrio, la empresa se mudó a Nueva Jersey y permaneció allí hasta que cerró a principios de los 90.

El proceso secreto de calentar oro 22k a vidrio murió junto con el último miembro conocido de la familia que había estado involucrado en el negocio, en esa fatídica fecha ahora conocida como 9/11.

En su mayor parte, Culver no comenzó a producir vidrio adornado con oro hasta finales de los años 50 y # 039 y muchas de sus piezas hechas antes de esta época no están firmadas, sin etiquetas y, a menudo, son difíciles de identificar.

A principios de la década de los 60, Culver Glassware perfeccionó el (todavía) secreto proceso de cocción de oro de 22k a alta temperatura sobre cristalería, lo que permitió exhibiciones gruesas, texturizadas, doradas y con diamantes de imitación, que manejaron mejor la prueba del tiempo.

La riqueza era abundante en los Estados Unidos desde finales de la década de 1950 hasta la de 1960, y el momento del almuerzo de "dos martinis" estaba muy cerca. El brillo excesivamente romántico de Hollywood y el glamour de Las Vegas crearon una nueva era de buena comida, tanto en casa como fuera de ella.

Culver, así como algunos otros diseñadores de patrones de vidrio como Georges Briard (quien, por cierto, no es una persona sino el nombre de una empresa) crearon patrones de barware ornamentados y "barrocos", emulando la arquitectura gótica y medieval del "Viejo Mundo" y los negocios se dispararon.

Con el lanzamiento del patrón de Valencia, la popularidad se disparó y pronto Culver fue considerado EL regalo de bodas de & quot; Up and coming & quot; y estuvo disponible en los mejores grandes almacenes. La familia y los empleados mantuvieron cerca del chaleco el proceso de cocción de oro de 22k a alta temperatura sobre el vidrio para su permanencia.

En la década de 1970, cuando las salas de estar hundidas y las alfombras de pelo largo eran el rey, la demanda de un servicio de cócteles opulento llevó a la demanda de juegos de barware igualmente opulentos. Los martinis en casa y en el trabajo eran algo común. incluso esperado, y un fenómeno menos documentado en el diseño de mediados de siglo y principios de los 70 del estilo lujoso & quot; Renacimiento gótico & quot y & quot; Viejo mundo & quot; fue igualmente acogido con los elegantes estilos de la era atómica moderna / futurista de mediados de siglo, más comúnmente asociados con la época.

Identificación de patrones y cristalería Culver: Los datos sobre la identificación del vidrio Culver por marca, con el fin de indicar la fecha de fabricación, son muy imprecisos en Internet. Las piezas se firmaron en un script de desplazamiento desde los años 30 hasta finales de los 70, pero no todas y, a menudo, solo una pieza clave si se vendía en un conjunto enorme (que la mayoría de los conjuntos más recopilados en la actualidad se vendieron originalmente en conjuntos grandes).

En los años 80, las letras en bloque se hicieron comunes, pero también he visto piezas de los 80 con la antigua firma de desplazamiento. También he enviado la firma de desplazamiento con INC al final. Un indicador más preciso es la adición de INC a las letras de la marca (ya sea en bloque o en escritura), que se encuentra solo en piezas de los años 80 a 90. Las etiquetas de papel también entraron en juego a mediados y finales de los 80, por lo que es más o menos una tontería en lo que respecta a la firma, si me preguntas.

Cristalería Culver firmada o sin firmar: aunque algunos coleccionistas prefieren su cristalería firmada. No parece que la firma de Culver en una pieza, de ninguna manera aumente su valor o coleccionabilidad. De hecho, la mayoría de las piezas de cristalería Culver con patrón de Mard Gras y otras de las más raras y coleccionables no están firmadas, ya que se vendieron con mayor frecuencia en colecciones enormes, como Martini Pitcher y Ice Bucket, con solo estas dos piezas clave firmadas. (malditamente difícil de encontrar estos, agárralo si ves uno)

Citas con cristalería Culver: como nota al margen, considero que la fecha en que entró en juego un patrón, más importante que cuando se creó realmente el artículo. Patrones como Cranberry Scroll o Emerald Scroll se diseñaron inicialmente en la década de 1960 y, por lo tanto, los considero como vidrio de mediados de siglo de la década de 1960, independientemente de si se imprimieron en la década de 1960 o en la de 1980.

La única vez que puede entrar en juego una diferencia obvia entre el mismo patrón hecho en los años 60 u 80 es si un patrón originalmente impreso en vidrio hecho por Culver Glass se rodó hasta finales de los 80 cuando Culver comenzó a usar espacios en blanco prefabricados. Muchos de los espacios en blanco hechos con Libbey Glass no son de la misma calidad y se notan inmediatamente a primera vista. Las piezas de Libbey Glass están todas estampadas en el fondo de la copa con la muy reconocible Libbey L. Independientemente de este hecho, las piezas de Libbey son muy raras, pocas y distantes entre sí, lo que las hace muy codiciadas por el coleccionista purista.


Matriz de piedras en una exposición de joyería - Foto de stefano tinti - Shutterstock.com

Una tienda de oro en el Ponte Vecchio de Florencia - Foto de Brendan Howard - Shutterstock.com

Fabricación de oro y engaste de gemas

Creaciones artesanales en oro - Foto de claudio zaccherini - Shutterstock.com

Sello conmemorativo del año 2000 - Aniversario de la casa de joyería italiana - Foto de Neftali - Shutterstock.com

Feria y Expo OroArezzo

Surtido de perlas y otros diseños

Orfebrería italiana es Made in Italy en su máxima expresión. Una alquimia del pasado y el presente, es solo una representación del amor italiano por la belleza y el saber hacer artesanal que se remonta a siglos atrás. No es de extrañar en absoluto que Italia sea líder mundial en joyería y orfebrería.

Este nicho del lujo italiano florece en algunos “distritos auríferos” de la Península: el primero de ellos es el de Valenza, uno de los nombres que se destacan internacionalmente. No lejos de las principales ciudades del norte de Italia (es decir, Génova, Milán y Turín), el Valenza distrito comprende ocho municipios contiguos donde se produce y vende una amplia gama de joyas y oro. La propia Valenza, también ciudad de interés para la Expo de Milán 2015, inaugurará su Museo del Gioiello o Museo de la Joyería en 2015.

Valenza, una pequeña ciudad de la Región del Piamonte, en realidad cuenta con el mayor número de negocios artesanales de oro y joyería en el país, así como una sólida tradición artesanal de alta calidad y un avance significativo en el camino de la innovación técnica, estilística y material. El elevado nivel de diseño local, ferviente producción, una feria y expo conocida a nivel mundial, y las academias de formación y los institutos de estudio arraigados en el territorio y la tradición circundante hacen de Valenza un destino privilegiado para los turistas, curiosos y apasionados que buscan este hilo diferente y bastante particular del Made in Italy.

Por supuesto, la orfebrería es una profesión importante en todo el mundo. Bel Paese cada Región tiene sus propios rasgos y especializaciones, donde a menudo las empresas son de gestión familiar.

Otro distrito similar al de Valenza es Vicenza con sus trabajos en plata y oro (como casi todos los joyeros de Italia, esto incluye creaciones hechas a medida), y joyas finas, chapado en oro, porcelana, decoración del hogar, grabados y esculturas. El treinta por ciento de las exportaciones del área de Vicenza llegan a Rusia, Turquía y los Emiratos Árabes Unidos. Luego, Arezzo, conocida por su importancia desde hace mucho tiempo en la orfebrería, y por sus escuelas y centros de investigación, históricamente suministró sus piezas a los joyeros más grandes de Florencia.
La ciudad toscana alberga la feria y exposición anual de & quotOro Arezzo, & quot con la participación de miles de operadores de Italia y del extranjero. No se puede descartar Nápoles, con un Distrito de 2.000 años que va desde la antigua Neapolis hasta la Torre del Greco.

Otros eventos feriales del sector incluyen Vicenza Oro y Orogemma en Arezzo. Mientras tanto, entre las marcas de joyería y oro más famosas de Italia se encuentran Damiani, Roberto Coin y Miluna (también patrocinador de Miss Italia 1997).


Joyero

¿Hay algo más encantador que una caja forrada de terciopelo llena de adornos brillantes? Desde los que tocan una melodía hasta el icónico azul de la versión de cuero de Tiffany, un joyero es uno de los pocos objetos decorativos que casi todas las mujeres tienen en común.

Lo más probable es que el joyero surgiera tan pronto como hubo joyas para poner dentro. Pero retomemos la historia de la Edad Media. Antes de las cajas fuertes y de las cajas de seguridad (o incluso las cerraduras de las puertas), la seguridad del hogar era de suma importancia y, en ese momento, el hierro era el material más a prueba de robos para proteger los objetos de valor. Desafortunadamente, no era la opción más práctica si necesitaba mudarse. Debido a que la portabilidad era esencial para el estilo de vida medieval, la mayoría de las cajas de seguridad estaban hechas de madera, cubiertas con cuero y atadas con hierro para un poco más de seguridad.

Durante este período, un novio a menudo le regalaba a su prometida un joyero lleno de joyas (o quizás vacío con promesas de gemas por venir). Para enfatizar el punto de la caja, el cuero podría estar estampado con inscripciones apropiadas y escenas de cortejo. Una de las opciones favoritas fue una cita de las historias de Chrétien de Troyes, el poeta del siglo XII: "Señora, usted lleva la llave / y tiene el ataúd en el que está encerrada mi felicidad /".

Un futuro novio podría comprar cajas con blasones vacíos que, después de la compra, podrían pintarse a mano con los suyos.

La costumbre de presentar a una dama con un joyero en su compromiso continuó en el Renacimiento. En Florencia, la tendencia fue utilizar una caja rectangular con aroma a almizcle, decorada con escenas de caza con hojas de oro. Un ciervo herido simbolizaba la pasión carnal, por lo que era un regalo con un poco de vroom-vroom extra.

Ilustración de Alice Pattulo (cortesía de Chronicle Books)

Las mujeres del Renacimiento no necesariamente esperaban a que un hombre les proporcionara las joyas (¡o la caja!). Muchas mujeres tenían cajas que colgaban de la pared de su dormitorio junto a un pequeño espejo. Un pie de alto, contendría una caja más pequeña para joyas, así como otros artículos necesarios para el tocador de una dama: maquillaje, polvos, esponjas y alfileres.

Durante el siglo XVIII, cuanto más grande, mejor. Como regalo de bodas, Luis XVI le obsequió a María Antonieta un joyero del tamaño de una mesa pequeña.

Hecho de madera de tulipán, estaba equilibrado sobre patas cabriolé delicadamente curvadas, adornado con placas de porcelana floral y pintado a mano con flores. Pero ni siquiera un joyero del tamaño de una mesa era suficiente para contener las joyas de la futura reina de Francia. Por tradición, la familia real francesa obsequió a la nueva novia con todas las joyas de reinas pasadas, como un par de brazaletes de diamantes que cuestan tanto como una mansión de París. Para acomodar los tesoros, María Antonieta encargó un enorme "gabinete de diamantes". Dos metros y medio de alto y dos metros de ancho, con nácar, mármol verde mar y detalles dorados, el gabinete era tan brillante por fuera como las joyas por dentro.

María Antonieta tenía su gabinete y las mujeres mexicanas tenían sus secretas. Estas cajas cuadradas y bajas sobre patas redondas de moño estaban decoradas con caparazón de tortuga, hueso y espejos con incrustaciones de patrones geométricos. Aunque eran lo suficientemente hermosos como para exhibirlos, a menudo se guardaban debajo de las camas o se escondían en cubículos secretos para protegerse contra robos.

Y no solo las damas que tenían un elaborado almacenamiento para sus chucherías, los jóvenes también quedaron deslumbrados por un pequeño destello. Después de una temporada en Europa para agregar un poco de brillo continental a su educación, el duque escocés de Atholl encargó una pequeña caja con la forma del templo romano Septimio. Construida para abrirse hasta la mitad para revelar pequeñas bandejas, la caja albergaba la colección de monedas y medallas del duque. Su actividad favorita después de la cena fue mostrar la colección que la caja era parte del espectáculo. Con su elaborado joyero, el duque estaba tomando una página del linaje del más deslumbrante de los reyes, el francés Luis. Luis XV tenía un joyero que era lo suficientemente grande como para llamarlo un gabinete con cajones forrados de terciopelo azul para almacenar una colección numismática que celebraba los grandes eventos de su reinado. Su nieto, Luis XVI, tenía un asombroso medallón decorado con una versión de caoba que rivalizaba con el de su esposa, María Antonieta, en tamaño y decoración.

Cada medallón estaba hecho de cera, plumas y alas dispuestas para parecerse a pájaros, mariposas y plantas. En 1796, un invento del relojero suizo Antoine Favre añadió otra dimensión a los joyeros. Favre ya había desarrollado un peine de acero afinado que hacía que las cajas de música antes voluminosas fueran portátiles y de bolsillo. Se incorporó a los joyeros en el siglo XIX. Para atraer aún más a los compradores con dinero para gastar, se agregaron figuras mecánicas, como una bailarina que hace piruetas o un pájaro cantor, para que se muevan cuando se abrió la tapa de la caja.

Las ventas de joyeros, tanto musicales como silenciosos, disminuyeron durante la Primera Guerra Mundial, cuando la ostentación estaba mal vista. Luego, en la década de 1920, Coco Chanel puso de moda la bisutería y comenzó una época dorada de adornos asequibles. Un armario de joyería estaba al alcance de todas las mujeres, y lo sigue siendo hoy.

Si los diamantes (reales o falsos) son el mejor amigo de una chica, ¿no necesita un lugar para guardarlos?

(Reimpreso de Elementos de una casa por Amy Azzarito con permiso de Chronicle Books, 2020)

Arriba: Un joyero forrado de terciopelo que la autora Amy Azzarito analiza en su nuevo libro. Elementos de un hogar: historias curiosas detrás de los objetos domésticos cotidianos, desde almohadas hasta tenedores (Chronicle Books, $ 19.95). Imagen vía: picspree.com.

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¿Cómo se hace un sari kasavu y cuánto dura el proceso?

El tiempo de producción depende totalmente del recuento. Un sari sencillo con solo un borde y una raya en la pieza del final tomará de tres a cinco días. Pero si presenta motivos, se necesitará mucho más que eso. Cuando hay motivos extremadamente elaborados (como los de un sari de boda), puede tardar hasta un mes porque todo se hace a mano. El precio también varía en consecuencia. Si compra en un grupo, puede obtener un sari de algodón básico por 3.000 rupias (que, en mi opinión, tiene un precio muy bajo), pero con el zari puede llegar a un lakh y medio rupias, dependiendo de la cantidad de oro y el trabajo ha entrado en ello.

Un tejedor trabaja en el telar

El hilo debe haber sido hilado a mano de forma tradicional, pero en estos días se utiliza hilo hecho en fábrica (el hilado a mano es caro y difícil de producir en masa). Pusieron este hilo a través de un largo proceso de pre-tejido, y especialmente en Chendamangalam, es este proceso el que les dio la etiqueta GI. Una vez que obtienen el hilo, se empapa en agua durante siete u ocho días, y se estampa todos los días (los artesanos hacen esto con los pies) mientras está en remojo, para quitar la suciedad y el almidón y asegurarse de que esté completamente suave.

El hilo se saca después de una semana y parte de él se tiñe (si es necesario). Luego, hacen la urdimbre y estiran el hilo. Pero según la tradición, este estiramiento debe realizarse entre las cuatro y las siete de la mañana, la temperatura y la atmósfera durante esas horas se consideró apta para este proceso. Técnicamente, el hilo tiene que estirarse en un área abierta, pero en estos días es difícil encontrar ese tipo de espacio.

Antes de colocar la urdimbre en el telar, los artesanos la vuelven a almidonar por la mañana y la dejan secar. Luego lo almidonan una vez más y se cepillan con un peine de fibra de coco. Se seca hasta las 7 de la mañana y luego se coloca en el telar. Este hilo estirado es limpio y absorbente, y se agrega el almidón para que no se rompa en el telar. Más allá de esto, realmente no existe un proceso de post-tejido. Simplemente lo sacan del telar y lo ponen en el estante.


Peine de oro y joyas, Valencia - Historia


El término '' bárbaro '' define vagamente una amplia gama de pueblos y estilos artísticos que existían
junto con las culturas "civilizadas" del Mediterráneo, China y Oriente Próximo. Barbaras es griego para & quot; extranjero & quot, pero literalmente significa & quot; tartamudeo & quot ;, después del sonido familiar de lenguas distintas del griego. Como las culturas bárbaras eran fundamentalmente analfabetas, las conocemos principalmente a través de la rica cultura material y el arte que produjeron.

La influencia y el intercambio de ideas y estilos artísticos entre culturas & quot; bárbaras & quot y & quot; civilizadas & quot; fue un proceso continuo. Los griegos y los etruscos estaban en contacto con tres grupos principales de "bárbaros": los celtas, los escitas y los tracios. El conocimiento moderno de estas culturas se deriva en gran medida de las investigaciones arqueológicas, aunque una fuente literaria, Herodoto, el geógrafo e historiador griego que escribió a mediados del siglo V aC, describe vívidamente la cultura escita. El vasto Imperio Romano se ocupó de diferentes grupos de "bárbaros" que sustituyeron a los anteriores: las últimas poblaciones celtas, los sármatas y grupos de pueblos de habla germánica que habían emigrado del norte al sur de Rusia y Europa del Este. A finales del siglo IV d.C., las tribus hunas del Asia interior, los "bárbaros últimos", llegaron al sur de Rusia. Esto forzó a las poblaciones germánicas y sármatas hacia el oeste e inició el proceso histórico conocido como el Período de Migración, que transformó el Imperio Romano en la Europa medieval.

Los `` Keltoi '' para los griegos o `` Gali '' para los romanos eran pueblos de habla indoeuropea cuya cultura se extendió desde el Alto Danubio y el este de Francia al sur hasta el norte de Italia, la península Ibérica y el norte de África al oeste de los Países Bajos y las Islas Británicas y al este de los Balcanes y Asia Menor. La primera manifestación del arte celta aparece en los objetos encontrados en más de mil tumbas excavadas en Halstatt, un asentamiento minero de sal en los Alpes, cerca de Salzburgo en Austria. En esta fase de la Edad del Bronce, que comenzó a finales del segundo milenio y continuó hasta mediados del siglo VI a. C., el & quotart & quot consistía en gran parte en una obra de metal funcional pero muy sofisticada diseñada para adorno personal y para adornar armas, y herrajes para caballos y carros. Probablemente fue producido bajo el patrocinio principesco y es principalmente de naturaleza geométrica y no representativa. La segunda, la fase de la Edad del Hierro, duró aproximadamente desde el 500 a. C. hasta las conquistas romanas a finales del siglo II y principios del I a. C. y se llama La Tene, en honor a un asentamiento y depósito votivo a orillas del lago Neuchâtel en Suiza. Los primeros estilos de La Tene se derivan de motivos decorativos y vegetales clásicos, como palmeras y volutas. pero estos incorporan figuras de animales y cabezas humanas en su estructura curvilínea. Dependiendo de la región, estos estilos evolucionaron de diferentes maneras con los elementos de representación a menudo volviéndose más crípticos y abstractos, y los diseños geométricos continuos más fluidos, a menudo respaldados por patrones complejos basados ​​en brújulas. Algunas variantes estilísticas eran completamente lineales, grabadas en superficies planas, mientras que otras eran más plásticas y naturalistas. Los artistas todavía trabajaron principalmente en metal, favoreciendo el oro, las aleaciones de cobre y el hierro, agregando a veces incrustaciones de coral, ámbar o esmalte. Las joyas personales para hombres y mujeres, armas, armaduras y adornos de caballos estaban decoradas de manera elaborada, al igual que artículos de uso cotidiano como espejos y accesorios para vasijas. Torques o collares eran símbolos de estatus en muchas sociedades celtas, que junto con el pelo largo, la barba y los pantalones, llegaron a significar "bárbaro" en las representaciones griegas y romanas. Los artistas celtas también trabajaron en madera y piedra, produciendo grandes esculturas representativas de humanos y animales, muchas de las cuales parecen haber sido utilizadas en templos de culto o como lápidas. Después de la conquista romana, las variantes abstractas del estilo celta sobrevivieron principalmente en las remotas islas británicas, para ser investidas con nuevo vigor por los artesanos en la segunda mitad del primer milenio d.C.

IMPULSOS CLÁSICOS Y BÁRBAROS

Los territorios más allá de las ciudades griegas alrededor del Mar Negro fueron ocupados por tracios en el oeste y escitas en el norte y el este. Este último comerciaba con trigo, pieles. esclavos, oro y ámbar del norte. Los túmulos funerarios escitas en el sur de Rusia eran almacenes de cerámica griega cotidiana enterrados uno al lado del otro con impresionantes joyas de oro, vasijas y accesorios que reflejaban las tradiciones clásicas y bárbaras. Algunos elementos, como collares, aretes y vasijas rituales eran puramente griegos tanto en estilo como en función, otros adornos, como grandes pectorales y peines, eran formas escitas decoradas en estilo griego, pero otros objetos eran puramente escita tanto en decoración como en función. Algunos objetos de la segunda categoría, que deben haber sido hechos por artesanos griegos para clientes escitas, contienen imágenes naturalistas de los propios escitas, enzarzados en batalla, ordeñando yeguas y herrando caballos. Estos contrastan con las representaciones abstractas y estilizadas de animales utilizadas para decorar los arneses de los caballos y con las representaciones del combate de animales, que derivan en última instancia de fuentes antiguas del Cercano Oriente. Una mezcla similar de tradiciones griegas, persas y bárbaras también caracteriza los objetos de las tumbas tracias en las costas occidentales del Mar Negro, concentrados en Bulgaria.En contraste con los hallazgos escitas, muchos de estos fueron hechos en plata, probablemente reflejando minerales locales. recursos. La gran cantidad de metales preciosos y su exuberante decoración pueden haber reflejado el gusto "bárbaro", pero en general la decoración de todos estos artículos de lujo es del más alto nivel.

Phalera dorada con un felino atacando a un ciervo, Ol'gino Mound,
siglo V a. C.
Museo de Arqueología de la Academia Nacional de Ciencias de Ucrania, Kiev

Peine de oro mostrando una batalla, Solokha kurgan, Ucrania
principios del siglo IV a. C.
El Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

Funda de fieltro para silla de montar con aplique que representa un alce, Kurgan 2, Pazyryk, Altai, Siberia, siglo V a. C. El Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. Los arcos que encierran puntos utilizados en las ancas son un motivo típico de estepa derivado del arte iraní.

La estepa, las vastas praderas que se extienden a lo largo de Eurasia, fue en la antigüedad, como lo es ahora, el hogar de pueblos pastores nómadas y seminómadas de raza caucásica y mongol. Estaban en contacto, tanto pacífica como agresivamente, con las grandes civilizaciones asentadas del mundo antiguo - los asirios y persas, los griegos y romanos, los indios y los chinos - y su arte era una rica mezcla de sus propios símbolos culturales con aquellos. tradiciones clásicas. Gran parte de las obras de arte que producían eran pequeñas piezas metálicas portátiles y latas de madera, adaptadas a su estilo de vida y estilísticamente conservadoras durante muchos siglos. Las principales tribus que conocieron las civilizaciones occidentales fueron los escitas, sus sucesores los sármatas y, finalmente, en el período medieval temprano, los hunos. Los escitas de habla iraní se mencionan por primera vez en fuentes asirias a mediados del siglo VII a. C. En dos siglos, sus territorios se extendían desde el Danubio hasta el Don y al norte hasta el límite entre el bosque y la estepa, pero su influencia cultural se extendía hacia el sureste hasta el Cáucaso y hacia el oeste hasta Dobruja con una rama más al este en Siberia. Herodoto describió la vida cotidiana de los escitas, que bebían leche de yegua y enterraban a sus muertos bajo enormes montículos de tierra, acompañados de sacrificios humanos y animales. Sus observaciones han sido confirmadas por las excavaciones de estos montículos o kurgans, cuyas cámaras subterráneas estaban llenas no solo de sacrificios sino de espléndidos ajuares de oro. En el este, se descubrió un grupo espectacular de entierros escitas en cámaras de madera en las montañas de Altai en Siberia. El permafrost conservó cuerpos humanos, incluido un hombre completamente tatuado, y caballos que todavía llevaban sus elaboradas bridas de madera y tocados. Los textiles de fieltro de colores, como los cisnes de peluche tridimensionales diseñados para colgar de la parte superior de una tienda, ilustran la riqueza del estilo de vida nómada, mientras que una alfombra de lana anudada, la más antigua que existe, atestigua los contactos comerciales a larga distancia entre los escitas. y persas aqueménidas. El estilo animal desarrollado por los escitas era poderoso y estilizado, representando animales y pájaros con sus atributos más importantes (cuernos, patas y picos) exagerados. Se aplicó a símbolos de estatus personal como hebillas de cinturones, adornos de caballos y armas como Akinakes (espadas cortas), hachas de batalla y estuches para arcos. Los sármatas iraníes continuaron con una versión estilizada de este adorno animal, a menudo ejecutado en láminas de oro repujado acentuadas con incrustaciones de turquesa. Se han encontrado ornamentos de este estilo, que datan del siglo II a. C. hasta el siglo II d. C., en una gran región que se extiende desde Afganistán hasta el Cáucaso y el sur de Rusia. Los grafitis, que datan de la época romana, representan a los sármatas como jinetes montados que llevan largas lanzas y tanto ellos como sus caballos encerrados en armaduras. Como los escitas, sus líderes fueron enterrados bajo enormes montículos. Las excavaciones recientes en Ucrania en el complejo kurgan llamado & quotDatschi & quot, cerca de Azov, han desenterrado grandes cantidades de adornos de oro y vasijas tachonadas con piedras semipreciosas en un estilo policromático que influyó en el arte posterior del Período de Migración.
Los hunos, que aparecieron sin previo aviso en el mar de Azov en el año 369 d. C., fueron considerados tradicionalmente como los bárbaros más brutales y físicamente feos. Probablemente hablaban una lengua proto-turca y, aunque sus orígenes siguen siendo oscuros, no puede haber duda de que uno de sus artefactos principales, calderos de bronce de patas grandes con asas de bucle, se puede rastrear a través de la estepa hasta las fronteras del norte de China. A finales del siglo IV y principios del V, formaron alianzas con tribus sármatas y germánicas y, a menudo, lucharon con los romanos contra otros bárbaros. Lograron obtener grandes subsidios en oro del gobierno romano, tanto en pago por sus servicios como para mantenerlos a raya. Una vez que su base de poder se estableció en Panonia, la federación húnica bajo Atila (murió en el 452 d.C.) comenzó a saquear y asaltar más hacia el oeste, permaneciendo invicta hasta una desastrosa batalla en los Campos Catalanes en Francia, donde estaban los hunos aliados. Los ostrogodos y los borgoñones sufrieron grandes pérdidas. Sabemos casi más sobre ellos por fuentes históricas que por arqueología, ya que incineraron a sus muertos y no fundaron asentamientos. Sus adornos más espléndidos estaban hechos de láminas de oro tachonadas con granates cabujón. Muchos de estos tomaron formas no clásicas, como diademas, colgantes de templo y mangos de látigo.

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Contenido

Goddess Pathini y God Dademunne fueron los primeros en usar estos diseños de joyería. Más tarde, los miembros de las familias reales recibieron artículos de joyería similares que llevaron al origen de los juegos de joyas de Kandy. Hay un dibujo de la última reina de Kandy en 1815 con joyas de Kandy. Ella era la esposa del rey Rajasinghe.

Esta tradición todavía prevalece hasta cierto punto a través de la práctica de las familias nobles de Kandy que transmiten sus joyas de una generación a otra, de madre a hija en las bodas como parte de la dote. Las bodas de Kandy son ceremonias extravagantes en las que las joyas toman un lugar central para resaltar el linaje de Kandy de esa familia. Esta práctica aseguró que los juegos de joyas de Kandy permanecieran en círculos seleccionados de familias de Kandy sin ser liberados al mundo exterior. De vez en cuando, una familia decidía crear un nuevo conjunto con diseños y metales modernos, momento en el que informaban a otras familias del lanzamiento del conjunto antiguo y se presentaban las nuevas tendencias entre sí.

Los conjuntos nupciales son las piezas más importantes de la joyería de Kandy. Están hechos a mano y constan de 26 joyas que adornarán a la novia de la cabeza a la cintura. El conjunto normalmente consta de luna y sol, cadena de cabeza, collar de karapati, aretes, 3 colgantes con cadenas, collar de pethi, collar de agasti, brazaletes de sarri (gruesos), brazaletes de gedi y hawadiya (cadena de cadera). La mayoría de estos artículos de joyería se fabricaron con cinco tipos de metales, como oro, plata, cobre, plomo y latón. Todos estos artículos están bañados en oro. El número "5" se consideró un número auspicioso y se consideró que lo hacía 5 veces más fuerte. Estos artículos están incrustados con piedras indias rojas y blancas diseñadas especialmente para combinar con los diseños espectaculares.

Los conjuntos nupciales son raros y solo un número seleccionado de familias poseen el conjunto completo. Estos son artículos de colección.

Un conjunto de bisutería se compone de collar, tocado y tres gargantillas.

  • Las tres gargantas son:
    • (Primero) Cisne blanco que muestra pureza para las doncellas solteras,
    • (Medio) Colgante Makara rojo para las mujeres casadas.
    • (Tercero) Cisne rojo para la novia del baile.
    • Colgantes de 3 hermanas conocidos como padakam, colgantes de la suerte, diseño elaborado para la noche.
    • Colgantes de Makara con cadenas y aretes, siendo tres un número auspicioso para traer buena suerte.
    • Conjunto de Agasti, una piedra rara en oro para usar durante el día con sari o vestidos.

    Estas piedras solo se encuentran en Sri Lanka usadas por jóvenes y mayores, ambos exhibiendo la piedra Agasti en copas de oro. Un juego consta de un collar Agasti, pendientes y dos brazaletes.

    Los kandianos son personas que provienen de la capital de la colina de Kandy y descendientes del reino de Kandy. Their customs and traditional habits are still preserved to a great extent with families giving parents and their elders an important role to play. In many ways their lives are unaffected by the rest of the world as they continue to follow Avurudu and prehera (king's parade) in August where you can see these jewellery items being displayed.

    Kandy city stands apart from the rest of the country in many aspects. Even today the royal palace, now a Buddhist center, performs its rituals according to the royal decrees issued by the last king, Rajasinghe II of Kandy, and does not follow regulations issued by the state.

    Due to its historical importance, Kandyan jewellery is highly priced and is at the heart of Ceylonese culture representing the glorious times of the Raja (Kings).

    In 1815 when the British entered the citadel, Kandyan jewelry caught the attention of the British officials resulting in some of the sets being shipped off to the Royal family in England as gifts, later becoming popular amongst women in high society in England.

    Even today Kandyan jewellery sets are auctioned off at the best auction houses in the United Kingdom and Europe with a throatlet and necklaces being valued at £5000 to £8000 and the entire sets being sold for prices ranging from £50,000 to £200,000 depending on the design and antiquity of the sets. In Sri Lanka these sets are available on a seasonal basis for a dollar rate for outsiders.

    Some of the noble Kandyan families still living today include Ellwela, Nugawela, Nugapitiya, Ratwatta, Halangoda, Weragama, Menikdiwela, Delpitiya, Palipane,Kobbekaduwe Molamure Muttettuwegama Aluvihare, Hulangamuwa, Tenne, Galagoda, Lenawala, Mampitiya, Rambukwelle, Mediwake, Meegastenne, Amunugama, Mollagoda, Molligoda, Panebokke, Dunuwilla and Madugalle.

    There is much information about the Kandyan Kingdom and culture in the book Kandyan Kingdom, then and now by P. B. Alahakoon.


    A Trove of Medieval Art Turns Up in Texas

    A hoard of medieval artworks and illuminated manuscripts missing since they disappeared from an ancient castle town in Germany in the final weeks of World War II, appears to have surfaced in this small farm town in north-central Texas, 15 miles from the Oklahoma border.

    Evidence from interviews with art experts, lawyers and rural neighbors points to a former Army officer, Joe T. Meador, a reclusive art lover and orchid fancier who was stationed in Germany at the end of the war and who died here in 1980, as the man who carried off one of the biggest art thefts of the century.

    The artworks that disappeared in the theft were kept for centuries in the cathedral of Quedlinburg, a medieval town in Saxony-Anhalt State, now in East Germany. In 1945, shortly before the German surrender, the treasures were hidden in a mine shaft southwest of town. They disappeared a few days after American troops occupied the area, on April 18, 1945.

    One missing artwork, a sumptuously illustrated and illuminated ninth-century version of the Four Gospels in a jewel-encrusted gold and silver binding, was recovered in April by a private West German foundation. Representatives of the organization, the Cultural Foundation of the States, paid what they called a finder's fee of $3 million to a lawyer for an American seller. Part of the deal - concluded in Switzerland, where such transactions are protected by law - was that the American's name would never be revealed.

    Dietrich Kotzsche, a leading specialist in medieval decorative art at the State Museum of West Berlin, said the Quedlinburg treasures are worth ''perhaps more than a van Gogh painting.''

    In addition to the Four Gospels manuscript, the treasures include a small silver reliquary, inlaid with enamels and precious stones, with side panels of carved ivory a liturgical ivory comb a second manuscript, dated 1513 several rock crystal flasks, and gold and silver crucifixes and other gifts from the kings and emperors who ruled various German states in the 9th and 10th centuries.

    The loss of the artworks was investigated by the United States Army, but the effort was dropped in 1949, when Quedlinburg became part of East Germany.

    ''It is one of the world's greatest art thefts,'' said Florentina Mutherich, former deputy director of the Institute for Art History in Munich and co-author of a study of imperial medieval art.

    Richard M. Camber, a London medieval art expert, said yesterday that the missing artworks were ''rare beyond belief'' and that it was ''impossible to estimate their value since no such objects have ever been offered on the market.''

    A participant in the purchase of the Four Gospels said in a telephone interview that a number of the missing Quedlinburg treasures are in the vault of the First National Bank here in Whitewright, a town (population 1,760) whose most conspicuous features in the years since a shopping mall went up nearby are empty storefronts and caved-in roofs.

    The treasures, said the participant, who insisted on anonymity, have been used by the bank as collateral for a loan.

    John R. Farley, president of the First National Bank of Whitewright, said he had no comment about the matter. Details of how the Quedlinburg treasures were stolen and brought to the United States may have died with Joe Meador. Connections Reports of Efforts To Sell Manuscripts In April 1945, when the treasures disappeared, First Lieut. Joe T. Meador was assigned to the 87th Armored Field Artillery, the unit that occupied Quedlinburg and guarded the mine shaft after the treasures had been discovered there.

    A longtime neighbor of Mr. Meador, who worked in a hardware and farm equipment store that Mr. Meador and his brother Jack ran and who spoke on the condition that he not be identified, said that on occasion Mr. Meador had shown employees of the store elaborate and richly bound gold and silver manuscripts and other unusual items.

    Three years after Mr. Meador's death in 1980, his brother-in-law, Dr. Don H. Cook, a dentist who was raised in Whitewright but who practices in Mesquite, Tex., sought professional evaluation of two medieval manuscripts, one bearing the date of the more recent Quedlinburg manuscript, said John Carroll Collins, a Dallas estate appraiser who was retained by Dr. Cook.

    Decherd H. Turner, director of the Humanities Research Center, a research library at the University of Texas in Austin, said Jack Meador had at one point shown him slides of two medieval manuscripts similar to those from Quedlinburg and tried to sell them to him.

    When asked by Mr. Turner how he had acquired the manuscripts, Jack Meador replied that he had inherited them from his brother, who had 'ɿound them in the gutter'' in Germany during the war, Mr. Turner said.

    Later, John S. Torigian, a Dallas lawyer who represents Jack Meador, tried to sell the Quedlinburg manuscripts to Mr. Turner at the research center and to a Paris rare book dealer, Paul-Louis Couailhac, said Mr. Turner and Mr. Couailhac.

    Mr. Torigian is believed by manuscript experts to have been the agent who sold the Quedlinburg Gospels to Heribert Tenschert, a Bavarian art dealer who in turn sold them to the West German foundation in April in Switzerland.

    Mr. and Mrs. Cook declined to discuss the matter, and Jack Meador referred all questions to Mr. Torigian. Mr. Torigian did not return repeated telephone calls.

    Ely Maurer, assistant legal adviser for cultural property at the State Department, said those who knowingly transport stolen art across international or state borders may be in violation of the National Stolen Property Act. Interests Texas to Europe, A Student of Art Joe Tom Meador was born in 1916, the oldest of four children of Claude and Mabel Meador of Arkadelphia, Ark. When he was a year old, his family moved here and his father established a hardware and farm equipment store. In 1938, Mr. Meador received a bachelor of arts degree from North Texas State University at Denton, Tex., having majored in art.

    Mr. Meador then went to Biarritz, France, and studied art. Those who knew him well said his interest in art was inspired by his mother, who studied at the Art Institute in Chicago and in Kansas City, and who taught art at Ouachita Baptist College in Arkadelphia before her marriage. In Whitewright, she taught classes in ceramics, oil and china painting.

    Two days after the Japanese attack on Pearl Harbor, Joe Meador enlisted in the Army. As a member of the 87th Armored Field Artillery Battalion, he took part in the Normandy invasion, and fought his way across France and Germany. He was frequently a forward observer directing fire from his unit.

    On April 19, 1945, three weeks before the war's end, his unit occupied Quedlinburg. An unofficial history of the 87th Armored Field Artillery Battalion states that Lieutenant Meador was assigned to Headquarters Battery, one of three units that organized teams to search the town for weapons, radio transmitters and other contraband.

    It was 'ɺn intoxicated soldier,'' the unit history says, who accidentally discovered 'ɺ cave on the outskirts of the city'' filled with ''valuables, art treasures, precious gems and records of all sorts.'' Guarding this ''Nazi loot,'' the history states, became an ''important'' task for the 87th.

    It is not known how the treasures may have came into the hands of Lieutenant Meador or found their way to Texas.

    After Joe Meador's discharge in 1946, he taught art at a school in New London, Tex. When his father became ill, he moved back into his family's home at 407 South Bond Street here, and joined his brother Jack in running Meador Inc., the hardware and farm equipment business founded by their father.

    Meador Inc. and the town of Whitewright flourished, until a few years ago when a shopping mall opened nearby. Recollections A Reclusive Life Amid the Orchids Friends and neighbors recall that the war years had changed Joe Meador from an outgoing, friendly young man to a secretive one. ''He was a mystery,'' said the Rev. Dale Gore, the Meador family minister who was the pastor of the First Baptist Church. ''He was a loner, reclusive. He put part of his life behind him.''

    Avery Chisholm, who lived next door to the Meadors for many years, said, ''He was different, real strange.''

    Marshall Hasty, a former Chevrolet dealer who served as one of Joe Meador's pallbearers, said: ''Joe wanted to be an artist, but somehow he couldn't. He just didn't have anything in common with most people here, so he had to turn to other things.''

    One of the things he turned to was growing orchids. Mr. Meador built three greenhouses on a vacant lot behind the family residence. Within a few years, according to a local newspaper interview in 1960, he was cultivating more than 6,200 orchids representing 129 varieties.

    Merritt W. Huntington, who used to judge orchid shows with Mr. Meador, said: ''He was intellectual and witty. Joe used to say, 'Whitewright is the biggest city in Texas, but it hasn't been developed yet.' ''

    The few individuals who were invited to his home were impressed by ''the antiques, beautiful rugs and paintings,'' Mr. Gore recalled.

    On at least some occasions, Mr. Meador displayed treasures he said he had collected in Europe at the war's end, said a former neighbor who spoke on condition of anonymity. Mr. Meador displayed ancient-looking manuscripts written in gold to employees at the family store, said a former employee, who wished to remain anonymous.

    ''It was all Greek to me,'' said the former employee. ''I never did know what happened to that stuff after he died.'' The Trail Two Old Books And a Box Joe Meador died of cancer on Feb. 1, 1980, at the Whitewright Nursing Home.

    His sister, Jane Meador Cook, who served as executor of his estate, signed a statement on Sept 19, 1980, that the estate consisted of local real estate valued at $24,331 and stocks worth $81,225.57. In accordance with the will of Joe Meador, who never married, this property was distributed to Mrs. Cook and their brother Jack. A third brother, James Pat, had died in 1971. Mr. Meador's will also specified that his personal ''silver, china and crystal'' was to be divided among his nieces and a nephew. There was no mention of the Quedlinburg artworks.

    In January 1983, Mr. Collins, the Dallas estate appraiser, was asked by a Dallas lawyer to come to his office to evaluate ''two old books.'' Although in his usual appraisals he almost never encounters rare books or manuscripts, Mr. Collins had for two years studied medieval manuscripts as a graduate student at North Texas State University and was knowledgeable about the subject.

    When he arrived at the lawyer's office, Mr. Collins said after consulting his diary, ''three lawyers and two women'' gave him a large cardboard box to examine.

    ''I could immediately see that the box contained very fine and rare manuscripts in jeweled bindings,'' he said. ''I was furious at the way they were being treated, with the heavier one dumped on top of the other. In one of the relief sculptures on the cover of one manuscript, I could see that a figure's nose had been flattened. I scolded them for treating such objects as if they were last year's telephone directories.

    ''When I examined the manuscripts, according to the notes I made at the time, I thought the older was perhaps 9th or 10th century. There was elaborate filigree on the front cover and jewels. Inside were the Four Gospels. Everything was in gold - gold letters and gold portraits of the four Gospel writers. For me, handling such things was one of the fantasies of a lifetime.''

    Mr. Collins also made note of a date he discovered on the back of the more recent of the two manuscripts, which, he said, was 1513. That is the date on the still-missing Quedlinburg manuscript.

    ''They behaved very secretively,'' Mr. Collins said, 'ɺnd wouldn't allow me to take photographs or to measure the manuscripts.

    ''I asked where the manuscripts came from, and they would only say that they had been inherited. They asked how much they were worth. I told them they were probably stolen from Germany or somewhere in Europe at the end of the war, and that although they might be worth $2 million, they were worth almost nothing to them because they couldn't sell them legitimately. They just looked at me.''

    Under United States law, no one may gain legal title to stolen property.

    Mr. Collins said he was ''haunted'' by the manuscripts but heard nothing about them for three years. In March 1986, he recalled, he was summoned to a second meeting and introduced to five or six people who were said to be members of the family that inherited the manuscripts.

    ''I read them the law about stolen property,'' Mr. Collins said, 'ɺnd this time they agreed to let me have the manuscripts photographed.'' An appointment with a photographer was set up, but suddenly canceled, Mr. Collins said, and he heard no more.

    He wrote 'ɼook estate'' in his notes, and, as directed, sent his bill to Don H. Cook of Mesquite, who had given him his card. He received a check from Dr. Cook in payment.

    Meanwhile, there was a steady flow of rumors in the small world of bibliophiles that some very unusual medieval manuscripts were on the market.

    ''I wouldn't be surprised if every major dealer didn't have a nibble at them,'' said Christopher de Hamel, the manuscript specialist at Sotheby's in London. He added that no reputable dealers would have had anything to do with them once they realized the manuscripts had been stolen.

    In late 1985 or early 1986, Mr. Turner, who was then the director of the Humanities Research Center in Austin, was visited by Jack Meador and his son Jeff, who is an accountant in Austin, Mr. Turner said. They showed him slides of medieval manuscripts, which they offered to sell, he recalled.

    ''I thought I might faint,'' Mr. Turner said. ''I immediately told them these are probably the most valuable books ever to have entered the State of Texas. When I asked where they got them, the older man said his brother had found them in the gutter at the end of the war in Germany and had liberated them. They said he had died, and Mr. Meador was now the owner.''

    Mr. Turner said the Meadors arranged to have him fly to Dallas, where they said he could inspect the manuscripts and make an offer. But the day before the arranged flight, Mr. Turner said, Jeff Meador called to cancel the trip without explanation.

    When Mr. Turner described what he had seen to Mr. de Hamel, both men became convinced he had been shown slides of the Quedlinburg manuscripts. Mr. Turner said he then called Jeff Meador at his home, and was told by Mr. Meador that he and his father had sold the manuscripts and that he should speak to Mr. Torigian.

    Accordingly, Mr. Turner said, he met with Mr. Torigian and offered to raise $1 million privately so the manuscripts could be restored to their rightful place.

    ''Torigian made light of my offer,'' Mr. Turner said. Availability The Fate Of the Works Rumors about the availability of the manuscripts quickened in 1988. At the center of the talk was Hans P. Kraus, then the dean of rare book and manuscript dealers in New York, who had arranged the sale of a Romanesque manuscript called ''The Gospels of Henry the Lion'' to a West German consortium for $11.7 million at Sotheby's in London in 1983.

    He began to spread the word that ''something extraordinary'' would soon be available, said a museum curator who insisted on anonymity.

    'ɿrom the way he described it,'' the curator said, ''I now know he was talking about the Quedlinburg Gospels.'' Mr. Kraus died in November 1988. Thomas Kren, curator of manuscripts at the J. Paul Getty Museum in Mailibu, Calif., said that earlier this year he had been approached by a dealer to buy a medieval manuscript but that, as soon as he realized it was from the Quedlinburg hoard, he broke off the discussion.

    Mr. Couailhac, the Paris book dealer, who spoke through his lawyer, said he had been approached by Mr. Torigian and had agreed to try to sell the older of the two manuscripts for $9 million.

    Mr. Couailhac said he had been angered when he learned that Mr. Torigian had suddenly sold the manuscript to the West German foundation for $3 million through another dealer. He said he was considering suing Mr. Torigian.

    West German cultural officials are hopeful of recovering the remaining Quedlinburg artworks.

    ''When all the treasures are finally returned,'' said Klaus C. Maurice, secretary general of the Cultural Foundation of the States in West Germany, which negotiated the return of the Quedlinburg Gospels in April, ''we must view them not only as a sign of our ancient past, but also as a reminder of what happens when a state goes out of control, as we did in the Nazi period, and suffers invasion.''


    Delaware

    Delawares were developed in 1940, in Delaware, by George Ellis. The were originally known as “Indian Rivers.” The breed originated from crosses of Barred Plymouth Rock roosters and New Hampshire hens. Although originally intended as a meat bird, Delawares make an excellent dual purpose bird. They are known to have a calm and friendly disposition, and lay jumbo brown eggs – about 4 per week in ideal conditions. Plus, let’s not forget to mention their beautiful plumage!


    Ancient Greeks were sometimes buried on wooden or bronze beds. [1]

    A number of early Anglo-Saxon bed burials, almost all dating to the 7th century, have been found in England, predominantly in the southern counties of Cambridgeshire, Suffolk and Wiltshire, but single examples have also been found in Derbyshire and North Yorkshire. The beds used in these burials were made of wood, and although none have been fully preserved, their presence can be inferred from the presence of iron fixtures and fittings, such as nails, cleats, grommets, brackets, headboard mounts and railings, that outline the rectangular shape of the bed in the grave. [2] [3] [4] However, in some cases it is not clear whether the iron fixtures found in a grave come from a bed or a coffin.

    The majority of the Anglo-Saxon bed burials are for young women, and many of the burials include items of jewellery and other grave goods that indicate that the dead person must have been wealthy and of high status during life. The high quality of the gold jewellery found in the bed burial at Loftus in Yorkshire suggests that the occupant of the grave may have been a princess. [5] On the other hand, some of the young women buried on their beds have pectoral crosses or other Christian emblems buried with them (Ixworth, [6] Roundway Down, Swallowcliffe Down, Trumpington), which has suggested the possibility that they may have been abbesses, who in the early Anglo-Saxon period were recruited from noble families. [7]

    In addition to laying the deceased on a bed, some of the bed burials exhibit other features that mark them out as special, and relate them to ship burials, such as the bed being placed in a chamber (Coddenham, Swallowcliffe Down), or a barrow being raised above the grave (Lapwing Hill, Swallowcliffe Down). [8] In at least two sites (Loftus and Trumpington), a grubenhaus (sunken floored building) has been excavated close to the bed burial, and it is possible that the deceased was laid out in the grubenhaus before burial so that mourners could pay their respects to her. [3] [9]

    The complex and elaborate funeral practices that must have been associated with a bed burial have been well described by archaeologist Howard Williams:

    The artefacts, body and grave would have interacted to create a complex sequences of practices and performances in the funeral. We can imagine the digging of the grave, perhaps the lining of the grave with timber shorings, and perhaps a temporary shelter over the grave in the hours or days until the body is ready for burial. We then have the lowering of a bed into the grave, followed by the clothed body together with a set of discrete deposits. Each would have required persons approaching the grave and passing them down to those in the grave itself with the body. Finally, after the funeral had approached completion, the grave would have been back-filled and the mound raised. [2]

    Interring the deceased on a bed suggests that sleep was seen as a metaphor for death. [2] Furthermore, the Old English word leger (modern English lair), literally meaning a "place where one lies", was used to refer to both beds and graves in Old English literature, which emphasizes the symbolic equivalence of the bed and the grave. [10]

    List of Anglo-Saxon bed burials Edit

    About a dozen Anglo-Saxon bed burials, as well as several possible bed burials, have been excavated from the 19th century onwards, as listed in the table below.

    In several Viking ship burials from Norway and Sweden, including the Oseberg ship burial (dated to 834) and Gokstad ship burial (dated to the late 9th century), the deceased had been laid out on beds. However, true bed burials, in which the bed is buried directly in the ground are not known. [25] [26]


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Comentarios:

  1. Stanton

    namana sucede

  2. Nixkamich

    Qué palabras ... genial, un pensamiento magnífico

  3. Kwesi

    En mi opinión, no tienes razón. Puedo probarlo. Escríbeme en PM, lo manejaremos.

  4. Warden

    Te recomiendo que busques un sitio donde habrá muchos artículos sobre un tema que te interese.

  5. Rennie

    Y ahora hace calor en Crimea)) ¿y tú?



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