La historia

Miguel Angel


Miguel Ángel (1475-1564 d. ​​C.) fue un artista, arquitecto y poeta italiano, considerado una de las figuras más grandes e influyentes del Renacimiento. Sus obras más célebres, de una impresionante cartera de obras maestras, incluyen el techo de la Capilla Sixtina en Roma y la gigantesca estatua de mármol de David, que se encuentra en la Galleria dell'Accademia de Florencia.

Estimado por sus contemporáneos como el más grande de los artistas vivos, Miguel Ángel tuvo una gran influencia en los estilos artísticos del Alto Renacimiento, el Manierismo y el Barroco. Aún hoy, las obras del gran hombre continúan arrancando de los amantes del arte en todo el mundo los sentimientos que expresamente pretendía producir en todo su arte sin importar el medio: admiración por la forma y el movimiento, sorpresa y asombro.

Vida temprana

Michelangelo di Lodovico Buonarroti nació en 1475 EC en Caprese, una pequeña ciudad cerca de Florencia, Italia. A diferencia de muchos otros artistas famosos, Miguel Ángel nació en una familia próspera. Cuando cumplió los 13 años, fue enviado a estudiar a Florencia con el célebre pintor de frescos Domenico Ghirlandaio (c. 1449-1494 CE). El joven artista pasó dos años como aprendiz de Ghirlandaio, pero también visitó muchas iglesias de la ciudad, estudiando sus obras de arte y haciendo bocetos. La gran oportunidad de Miguel Ángel llegó cuando su obra fue notada por Lorenzo de Medici (1449-1492 d. C.), jefe de la gran familia florentina de ese nombre y generoso mecenas de las artes. Fue en el impresionante jardín de esculturas de Lorenzo donde el joven artista pudo estudiar de primera mano las obras de los grandes escultores de la antigüedad, especialmente los sarcófagos romanos decorados en alto relieve, y aprender del curador artístico del jardín y destacado escultor Bertoldo di Giovanni (c. 1420 -1491 CE). Miguel Ángel crearía más tarde la tumba de mármol de Lorenzo de Medici en la iglesia de la familia Medici de San Lorenzo en Florencia.

Miguel Ángel se esforzó por crear un mundo más hermoso de lo que realmente existía en la realidad.

La influencia que estas obras clásicas tuvieron en Miguel Ángel es evidente en las figuras que se retuercen en una de sus primeras grandes obras maestras, la escultura en relieve conocida como La batalla de centauros y lapitas que ahora se exhibe en la Casa Buonarroti de Florencia. La preocupación del artista por la antigüedad en la primera mitad de su carrera se evidencia ampliamente en su trabajo, pero también en sus numerosos intentos deliberados de hacer pasar esculturas como realmente antiguas. En 1496 CE, por ejemplo, esculpió el Cupido durmiente (ahora perdido) que envejeció a propósito para que pareciera una auténtica obra antigua y que vendió con éxito al cardenal Raffaele Riario.

Miguel Ángel, entonces, ya se estaba enfocando en la técnica conocida como disegno donde un artista se concentró sobre todo en intentar plasmar la forma, la musculatura y las poses del cuerpo humano a través de bocetos sobre papel de obras clásicas que luego se transformaron en una escultura o pintura completamente nueva. Miguel Ángel también agregó a esta herencia artística la pasión por representar sus figuras con poses dramáticas y hacerlo a una escala monumental, lo que quizás explique su propia preferencia por la escultura sobre otros medios. La combinación de ejecución realista, grandeza y dinamismo se convertiría en el sello distintivo de las obras del maestro en todos los medios mientras se esforzaba por crear un mundo más hermoso de lo que realmente existía en la realidad.

¿Historia de amor?

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Las grandes obras de Miguel Ángel hablaban por sí mismas y aquellos que no podían verlas en persona podían admirarlas o estudiarlas en los numerosos grabados realizados.

El artista líder del Renacimiento

En 1496 d.C., Miguel Ángel se trasladó a Roma, lo que le dio aún más oportunidades para estudiar ejemplos de arte y arquitectura clásicos. Fue en este período que creó otra obra maestra, el Piedad (vea abajo). Regresando a Florencia c. 1500 EC, el artista ahora estaba bien establecido y se le encargó crear una figura para nada menos que la Catedral de Florencia. A Miguel Ángel se le dio un enorme bloque de mármol de Carrara muy preciado con el que nadie sabía muy bien qué hacer. El resultado fue otra obra maestra, probablemente la escultura más famosa del artista de todas: David (vea abajo). El siguiente fue un chef-d'oeuvre usando pinturas, demostrando que Miguel Ángel no se limitaba de ninguna manera a la escultura. La sagrada familia fue pintado en 1503 CE y la obra se encuentra ahora en la Galería de los Uffizi en Florencia. Luego vino una reunión intrigante de grandes mentes cuando Miguel Ángel y Leonardo da Vinci (1452-1519 EC) trabajaron en frescos en el Salón del Consejo de Florencia. El tema de la obra de Miguel Ángel fue la Batalla de Cascina pero, como el esfuerzo de Leonardo aquí, quedó inconcluso. Solo se puede especular sobre lo que cada gran artista pudo haber aprendido del otro en este momento.

Miguel Ángel regresó a Roma para trabajar en la tumba del Papa Julio II (r. 1503-1513 d. C.), y luego recibió quizás su misión más desafiante: pintar el techo de la Capilla Sixtina de la Ciudad del Vaticano (ver más abajo). A pesar de trabajar en gran parte solo y muy a menudo en una posición incómoda en la parte superior de un andamio, el techo se completó notablemente rápido. Terminada en 1512 EC, es posible que la obra no haya complacido a todos en la Iglesia, pero su visión central de Dios entre las nubes llegando a tocar el dedo de Adán se ha convertido en una de las imágenes más reproducidas de todos los tiempos.

Miguel Ángel continuaría esculpiendo y, con mucha menos frecuencia, pintando durante el resto de su vida. Continuó escribiendo sus muy admirados sonetos que con frecuencia estaban dedicados a la poetisa Vittoria Colonna (1490-1547 d. C.), aunque muchos estaban garabateados en el reverso de bocetos y billetes. En este ejemplo, Soneto 151 (c. 1538-1544 CE), el artista compara el fracaso del arte para prevenir la muerte con la búsqueda del amor verdadero:

Ni siquiera el mejor de los artistas tiene concepción

que un solo bloque de mármol no contiene

dentro de su exceso, y eso solo se logra

El dolor del que huyo y la alegría que espero

están igualmente escondidos en ti, hermosa dama,

elevado y divino; pero, para mi daño mortal,

mi arte da resultados al revés de lo que deseo.

El amor, por tanto, no puede ser culpado de mi dolor,

ni tu hermosura, tu dureza, ni tu desprecio,

ni fortuna, ni mi destino, ni casualidad,

si tienes tanto la muerte como la misericordia en tu corazón

al mismo tiempo, y mi humilde ingenio, aunque ardiendo,

no puede sacar de él nada más que la muerte.

(Paoletti, 404)

También hubo muchos proyectos arquitectónicos importantes, como la Biblioteca Laurentian, San Lorenzo, Florencia (1525 d.C.) con su sala de lectura de 46 metros (150 pies) de largo, una combinación triunfal de estética y función. Otros proyectos incluyeron la renovada Colina Capitolina en Roma (comenzada en 1544 EC), la cúpula altísima de la Basílica de San Pedro en Roma (desde 1547 EC pero no terminada hasta 1590 EC) por la cual Miguel Ángel se negó a aceptar un salario, y el Capilla sepulcral de los Medici en Florencia. Oportunamente, a lo largo del siglo XVI d.C., la capilla de los Medici se convirtió en un lugar visitado con frecuencia por artistas aspirantes que llegaron a admirar y aprender de la combinación única y visionaria de arquitectura y escultura de este maestro de las artes. Miguel Ángel murió el 18 de febrero de 1564 EC en Roma y fue enterrado con mucha ceremonia en la Basílica de Santa Croce en Florencia.

Reputación y legado

El gran artista fue capturado en varias obras de arte sobrevivientes. Un ejemplo sorprendente es el busto de bronce de su compatriota Daniele da Volterra (1509-1566 CE), que creó c. 1564 CE, ahora reside en el Bargello de Florencia. La escultura es realista y muestra al Miguel Ángel barbudo con muchas arrugas y con la nariz ligeramente aplastada que había llevado desde que el artista Pietro Torrigiano (1472-1528 d.C.) la rompió cuando la pareja era joven (Torrigiano fue exiliado de Florencia como consecuencia de ello. ).

Un registro más detallado de Miguel Ángel sobrevive en dos biografías escritas durante la vida del artista por Giorgio Vasari (1511-1574 d. C.) y Ascanio Condivi (1525-1574 d. C.). El artista toscano Vasari completó su Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos en 1550 CE, pero luego revisó y amplió ampliamente el trabajo en 1568 CE. La historia es un registro monumental de los artistas del Renacimiento, sus obras y las historias anecdóticas asociadas con ellos, por lo que Vasari es considerado uno de los pioneros de la historia del arte. El también artista italiano Condivi, mientras tanto, fue alumno de Miguel Ángel en Roma, y ​​escribió su Vida de Miguel Ángel en 1553 d.C., obra que fue supervisada por el propio gran maestro (lo que quizás explica una serie de elementos ficticios o exagerados).

Estas dos biografías ayudaron a establecer la reputación de Miguel Ángel como una leyenda viviente, ya que sus compañeros artistas reconocieron su genio y contribución al resurgimiento del arte durante el Renacimiento. Naturalmente, las grandes obras de Miguel Ángel hablaban por sí solas, y quienes no podían verlas en persona podían admirarlas o estudiarlas en los numerosos grabados realizados que se distribuyeron por Europa. Su fama también fue más allá de Europa. El sultán del Imperio Otomano Bayezid II (r. 1481-1512 d. C.) se enteró de las habilidades del artista y lo invitó, sin éxito, a su corte. Incluso se estaban recopilando las obras de Miguel Ángel, especialmente en Francia. En resumen, Miguel Ángel fue considerado nada menos que divino, un término utilizado con frecuencia para el artista durante su vida, y un poseedor de un poder artístico asombroso, lo que sus contemporáneos llamaron terribilità. La luz que el gran hombre arrojó sobre el arte y la arquitectura occidentales continuó brillando mucho después de su muerte y su obra fue especialmente influyente en el desarrollo del manierismo y el posterior estilo barroco.

Obras maestras

Piedad

los Piedad es una representación en mármol de la Virgen María que llora sobre el cuerpo de Jesucristo que descansa sobre su regazo. Completado entre 1497 y 1500 d.C., el trabajo fue encargado por un cardenal francés para su tumba en una capilla en Roma. Con 1,74 metros (5 pies 8 pulgadas) de altura, ahora reside en la Basílica de San Pedro. La obra combina todos los aspectos del arte del escultor: una representación hiperrealista del cuerpo humano, complejos pliegues de cortinas, el rostro sereno y contemplativo de María, el lánguido cadáver de Jesús y una composición que recuerda a las estatuas devocionales del norte, pero ofrece algo nunca antes visto en el arte italiano. Que Miguel Ángel quedó muy satisfecho con el resultado se evidencia en la anécdota que posteriormente añadió su firma después de que un artista rival hubiera afirmado haber sido su creador.

David

Como se mencionó anteriormente, la ofrenda de Miguel Ángel a la Catedral de Florencia fue una escultura de mármol del rey bíblico David quien, en su juventud, mató al problemático gigante Goliat. La figura es mucho más grande que el tamaño real, alrededor de 5,20 metros (17 pies) de altura, y tan grande que no se pudo colocar en el techo de la catedral como se pretendía, sino que se colocó en la plaza de enfrente. Miguel Ángel recibió alrededor de 400 florines por un trabajo que había comenzado en 1501 EC y completado en 1504 EC. David se encuentra ahora en la Galería de la Academia de Florencia, mientras que una réplica a tamaño real se encuentra al aire libre en el Palazzo della Signoria.

La figura ahora es toda blanca pero originalmente tenía tres elementos dorados: el soporte del tocón del árbol, un cinturón de hojas y una guirnalda en la cabeza. La única identificación de que se trata de una figura de David es el cabestrillo sobre el hombro izquierdo de la figura. Además, la madurez del cuerpo para lo que realmente debería ser una juventud, junto con la desnudez de la figura, recuerdan fuertemente a las colosales estatuas de la antigüedad, especialmente a Hércules. No puede ser una coincidencia que Hércules también apareciera en el sello oficial de la ciudad de Florencia. Aquí, entonces, había un mensaje en el arte de que la ciudad se creía igual, tal vez incluso mejor que cualquier ciudad de la antigüedad. Miguel Ángel claramente ha ido más allá de las restricciones de la escultura clásica y ha creado una figura que está palpablemente tensa, un efecto solo acentuado por el ceño fruncido y la mirada decidida de David.

La capilla sixtina

Como se señaló, a Miguel Ángel se le encargó pintar el techo de la Capilla Sixtina, un edificio recién terminado en 1480 EC. El techo se había agrietado gravemente en 1504 EC y fue reparado. Esta, entonces, fue una oportunidad para agregar a la ya impresionante decoración interior de la capilla. Miguel Ángel estaba lejos de estar interesado en el proyecto que lo ocuparía desde 1508 hasta 1512 d.C., y hubo frecuentes disputas acaloradas con el Papa, pero hoy se considera una de sus obras emblemáticas. Los frescos están pintados en colores muy vivos y, para ayudar al espectador que debe estar unos metros más abajo, Miguel Ángel utilizó la técnica de los colores contrastantes uno al lado del otro.

Todo el techo cubre un área de 39 x 13,7 metros (128 x 45 pies). Los paneles separados muestran un ciclo de episodios de la Biblia que narran la Creación hasta la época de Noé. Curiosamente, la creación de Eva es el panel central, no la creación de Adán, aunque esto puede deberse simplemente a que las escenas son cronológicas a partir de la pared del altar. También hay siete profetas, cinco sibilas y cuatro Ignudi que no tienen nada que ver con la narrativa religiosa, pero que muestran el amor de Miguel Ángel por las figuras representadas audazmente en poses dramáticas.

El trabajo fue un éxito inmediato con casi todos los que lo vieron, pero hubo algunos rumores de descontento. La principal objeción fue la cantidad de desnudez y la representación de los genitales en un puñado de figuras. Además, El Juicio Final La sección de la capilla, que Miguel Ángel añadió mucho más tarde al altar entre 1536 y 1541 d.C., tampoco fue bien recibida por algunos miembros del clero. El hecho de que Jesús no tuviera su barba convencional y pareciera un poco más joven de lo habitual fueron puntos de controversia particulares. La comprensión del artista de la teología esencial, o tal vez su falta de interés por ella, ya que se destacó por su piedad, y la aparición de más genitales llevó a algunos clérigos a declarar la obra como herejía. Incluso hubo llamadas para destruirlo. Afortunadamente para la posteridad, se adoptó la estrategia más moderada de cubrir los elementos desnudos ofensivos. La tarea de retocar los frescos fue encomendada a Daniele da Volterra y, en consecuencia, este artista se ganó el poco afortunado apodo de Il Braghettone o "el fabricante de calzones".

Moisés

Como se mencionó, Miguel Ángel fue comisionado por Julio II en 1505 EC para diseñar una tumba imponente para el líder de la Iglesia Romana. Comenzando en papel como un monumento grandioso, la tumba finalmente se completó en 1547 EC después de que muchas de las extravagancias planeadas fueran abandonadas. Un sobreviviente es la estatua sentada de Moisés esculpida por Miguel Ángel, que tiene la figura bíblica sosteniendo su bastón y tirando de una barba impresionantemente larga, aparentemente para demostrar su asombro por Dios. La estatua estaba destinada a ser vista desde abajo y, por lo tanto, Miguel Ángel incorporó varias correcciones ópticas. La figura, que mide 2,35 metros (7 pies 9 pulgadas) de altura, se completó alrededor de 1520 d.C. y reside en la iglesia de San Pietro in Vincoli en Roma.


Batalla de los centauros (Miguel Ángel)

Batalla de los centauros es un relieve del artista renacentista italiano Miguel Ángel, creado alrededor de 1492. Fue la última obra que Miguel Ángel creó bajo el patrocinio de Lorenzo de 'Medici, quien murió poco después de su finalización. Inspirada en un relieve clásico creado por Bertoldo di Giovanni, la escultura de mármol representa la batalla mítica entre los lapitas y los centauros. Un tema de arte popular en la antigua Grecia, la historia fue sugerida a Miguel Ángel por el poeta y erudito clásico Poliziano. La escultura se exhibe en la Casa Buonarroti en Florencia, Italia.

Batalla de los centauros
ArtistaMiguel Angel
AñoC. 1492
EscribeMármol
Dimensiones84,5 cm × 90,5 cm (33,3 pulgadas × 35,6 pulgadas)
LocalizaciónCasa Buonarroti

Batalla de los centauros fue una escultura notable en varios sentidos, presagiando la futura dirección escultórica de Miguel Ángel. Miguel Ángel se había apartado de las prácticas entonces vigentes de trabajar en un plano discreto para trabajar multidimensionalmente. También fue la primera escultura que Miguel Ángel creó sin el uso de un taladro de arco y la primera escultura en alcanzar tal estado de terminación con las marcas del cincel subbio dejadas como superficie final. Ya sea intencionalmente dejado inacabado o no, el trabajo es significativo en la tradición de la técnica de escultura "non finito" por esa razón. Miguel Ángel lo consideró como la mejor de sus primeras obras y un recordatorio visual de por qué debería haber centrado sus esfuerzos en la escultura.


Miguel Ángel - Historia

David es una de las esculturas renacentistas más exquisitas realizadas a principios del siglo XVI. Esta famosa obra de arte fue creada por Miguel Ángel, un famoso artista italiano. La estatua mide 5,17 metros de altura y es una figura de mármol del héroe bíblico llamado David. Este joven también fue el tema más común en el arte renacentista, particularmente en Florencia.

Reflejos

La escultura fue pensada originalmente como una de las estatuas de profetas que se colocaron en la línea del techo de la sección este de Florencia. Además, se colocó en la plaza pública del Palazzo della Signoria, que era el centro del gobierno cívico de Florencia. Debido a la naturaleza valiente de este héroe bíblico, eventualmente se convirtió en el símbolo de la defensa de las libertades civiles representadas en la República Florentina.

La obra de arte es muy diferente de las estatuas anteriores hechas por otros artistas famosos como Verrocchio y Donatello. David by Michelangelo representó al joven David antes de continuar su batalla con el poderoso Goliat. Por lo tanto, el rostro de la figura parecía tenso y listo para el combate en lugar de salir victorioso debido a la derrota de su enemigo.

Características

La obra de arte de Miguel Ángel es su interpretación del tema griego antiguo típico de una figura bíblica heroica. Presenta la pose de contrapposto, que es un aspecto distintivo de las esculturas antiguas. El valiente David está de pie de una manera tensa, con una pierna relajada mientras la otra sostiene todo el peso de su cuerpo. Por lo tanto, esto hace que sus hombros y caderas descansen en un ángulo opuesto. Además, la cabeza de David gira hacia su izquierda y lleva un cabestrillo a la espalda. Con todas estas características, muchas personas consideran la escultura como un símbolo de la belleza juvenil y la fuerza humana.

La estatua también es bastante grande, en comparación con los contemporáneos del artista durante esa época. De hecho, la mayoría de los estudiosos del arte consideran que la estatua es milagrosa, ya que Miguel Ángel pudo revivir a una figura de renombre que ya estaba muerta. Aunque hubo numerosas estatuas colosales jamás creadas en la historia, David de Michelangelo se ha mantenido como uno de los mejores e impresionantes.

También es importante notar que algunas de las características de esta estatua parecían bastante grandes, particularmente las manos y la cabeza. Sin embargo, el artista hizo esto a propósito, ya que la estatua estaba destinada a colocarse en el techo de la catedral. Por lo tanto, necesitaba encontrar una manera de acentuar ciertas partes que las hicieran visibles cuando se veían desde abajo.

Detalles adicionales

Esta figura parece bastante esbelta de adelante hacia atrás en comparación con su altura. Según los estudiosos, esto puede deberse al trabajo realizado en el bloque incluso antes de que el artista comenzara a tallarlo. Además, la estatua fue considerada como una imagen política antes de su decisión de trabajar en ella.

Evidentemente, David ha sido durante mucho tiempo la imagen política preferida en Florencia, ya que varias obras de arte que presentaban al héroe bíblico se encargaron en la mayoría de los lugares importantes de la ciudad.

Conservación y preservación

En 1991, el pie de la estatua resultó gravemente dañado cuando un hombre trastornado la aplastó con un martillo. Basándose en las muestras recolectadas de ese incidente, los científicos pudieron descubrir que el mármol se obtuvo de las canteras de Miseglia & # 8217s Fantiscritti, que estaba en uno de los pequeños valles de Carrara & # 8217s. Con la degradación del mármol, la estatua se sometió a su primera limpieza importante, de 2003 a 2004. Cuatro años después, había planes para aislar la escultura de la vibración causada por los turistas & # 8217 pisadas, con el fin de evitar más y daños más severos del mármol.

Se han realizado varias reproducciones de la estatua a lo largo de los años. Por ejemplo, el molde de yeso de este héroe bíblico se exhibe actualmente en el Victoria and Albert Museum. Sin embargo, esta estatua tiene una hoja de parra de yeso, que se creó cuando la reina Victoria se sorprendió por la desnudez de la estatua. La hoja de higuera de yeso se cuelga de la figura mediante dos ganchos, antes de las visitas reales.

En el siglo XX, la escultura se ha convertido en un término icónico para la cultura de la ciudad. La estatua también se ha reproducido con frecuencia, como en imitación de mármol, fibra de vidrio y yeso, que simboliza un ambiente de refinamiento y cultura en varios escenarios, como ferrocarriles, casinos de juego y complejos turísticos de playa. Por lo tanto, la obra de arte es de hecho la mejor de la historia debido a su gran tamaño, detalles interesantes y características.


Legado e influencia de Miguel Ángel

Para la posteridad, Miguel Ángel siempre fue uno del pequeño grupo de los artistas más exaltados, que se sintieron expresando, como William Shakespeare o Ludwig van Beethoven, la trágica experiencia de la humanidad con la mayor profundidad y alcance universal.

En contraste con la gran fama de las obras del artista, su influencia visual en el arte posterior es relativamente limitada. Esto no se puede explicar por la vacilación en imitar un arte simplemente porque parecía tan grandioso, ya que artistas como Raphael fueron considerados igualmente grandiosos pero fueron utilizados como fuentes en un grado mucho mayor. En cambio, puede ser que el tipo particular de expresión asociado con Miguel Ángel, de una grandeza casi cósmica, fuera inhibidor. La escasa influencia de su obra incluye algunos casos de dependencia casi total, siendo el artista más talentoso que trabajó de esta manera Daniele da Volterra. De lo contrario, Miguel Ángel fue tratado como un modelo para aspectos específicos limitados de su trabajo. En el siglo XVII, fue considerado supremo en dibujo anatómico, pero menos elogiado por elementos más amplios de su arte. Mientras que los manieristas utilizaron la compresión espacial que se ve en algunas de sus obras, y más tarde las poses serpentinas de su escultura de Victoria, el maestro del siglo XIX Auguste Rodin explotó el efecto de los bloques de mármol sin terminar. Ciertos maestros del barroco del siglo XVII quizás muestran la más completa referencia a él, pero de formas que se han transformado para excluir cualquier similitud literal. Además de Gian Lorenzo Bernini, el pintor Peter Paul Rubens puede mostrar mejor la usabilidad de las creaciones de Miguel Ángel para un gran artista posterior.


La Italian Line comenzó a planificar nuevos barcos en 1958. Originalmente iban a ser un poco más grandes que SS Leonardo da Vinci, que en ese momento se estaba construyendo, pero los aviones a reacción aún no habían tenido un efecto notable en el área del Mediterráneo y un par de auténticos superliners parecía deseable, tanto desde el punto de vista comercial como para dar trabajo a los marineros y trabajadores de los astilleros. Se decidió que los nuevos barcos serían los más grandes construidos en Italia desde la SS Rex en 1932.

Se decidió que el alojamiento a bordo de los barcos se dividiría en tres clases. Por alguna razón, también se decidió que las tres cubiertas de pasajeros más bajas no tendrían ojos de buey. Se ha afirmado que esto hizo que la forma del casco del barco fuera elegante, pero parece poco probable que sea cierto, ya que se han construido barcos de una relación longitud / ancho similar con ventanas a lo largo de todo el casco. Independientemente de las deficiencias de su diseño inicial, las nuevas hermanas avanzaron en el aspecto tecnológico. La característica más llamativa de los barcos eran sus embudos de diseño politécnico de Turín, que consistían en una intrincada tubería en forma de enrejado (en lugar de la tradicional superficie uniforme) para permitir que el viento pasara a través del embudo, y una gran aleta deflectora de humo en la parte superior. . Aunque criticado, el diseño del embudo demostró ser muy eficaz para mantener el humo fuera de las cubiertas traseras. Los deflectores de humo se hicieron populares en el diseño de barcos durante las décadas de 1970 y 1980, mientras que la idea de permitir que el viento pasara a través del embudo se retomó a fines de la década de 1980 y es casi la norma en la construcción naval moderna.

los Miguel Angel Los interiores fueron diseñados por los arquitectos navales Nino Zoncada, Vincenzo Monaco y Amedeo Luccichenti, quienes le dieron al barco un aspecto menos aventurero y más tradicional que los diseñadores de su hermana. Raffaello.

Después de varios retrasos, el Miguel Angel, al mando del Capitán Mayor Mario Crepaz, finalmente estuvo listo para el servicio en mayo de 1965. Durante las pruebas de mar se detectaron algunas vibraciones en la popa del barco. Miguel Angel fue atracado en dique seco en diciembre de 1965 y recibió nuevas hélices y algunas modificaciones a su transmisión. Marcó 31,59 nudos durante sus pruebas posteriores al reacondicionamiento, lo que la convirtió en el quinto barco de pasajeros más rápido del mundo en ese momento.

El martes 12 de abril de 1966 por la mañana, cinco días después de haber partido de Génova, Miguel Angel, bajo el mando del Capitán Senior Giuseppe Soletti, fue golpeada por una ola inusualmente grande durante una tormenta en el Atlántico medio, lo que provocó que la parte delantera de su superestructura colapsara o fuera empujada hacia atrás, y mató a los pasajeros Dr. Werner Berndt de Hamburgo, Alemania y John Steinbach de Chicago. Un miembro de la tripulación, Desiderio Ferrari, murió pocas horas después y más de 50 personas resultaron heridas. Entre los 1.495 pasajeros a bordo de este cruce se encontraban el almirante Ernesto Giurati, presidente de la Línea Italiana y exjefe de la Armada italiana, el jefe de Protocolo italiano, Angelo Corrias, que se dirigía de vacaciones a Estados Unidos, el novelista alemán Günter Grass y su esposa Anna, así como Bob Montana con su esposa y cuatro hijos. Cuando se llevaron a cabo las reparaciones después del accidente, el revestimiento de aluminio de la superestructura fue reemplazado por placas de acero. Se llevó a cabo una reconstrucción similar en el Raffaello y otros barcos contemporáneos como SS Estados Unidos y SS Francia. [1]

En mayo de 1972, Alfred Hitchcock hizo un viaje en este barco desde Nueva York para su proyección de Frenesí en el Festival de Cine de Cannes.

Durante los años siguientes, el número de pasajeros en el comercio transatlántico disminuyó constantemente debido a la competencia aérea, y se retiraron cada vez más barcos. los Miguel Angel pasó más tiempo navegando hacia aguas más cálidas, pero hizo un crucero pobre con sus cabinas sin ventanas y diseño de tres clases. Tenía grandes cubiertas de lido que eran superiores incluso a la mayoría de los cruceros construidos expresamente en la época, pero eso no fue suficiente para compensar las deficiencias del barco, e Italian Line no tenía fondos suficientes para reconstruir el barco y hacerlo más utilizable. crucero. Además, se consideró que era demasiado grande para ser un crucero según los estándares de esa época.

El buque insignia de Italia SS Miguel Angel hizo su última travesía del Atlántico en julio de 1975, bajo el mando del Capitán Mayor Claudio Cosulich. Posteriormente fue puesta en cama en La Spezia junto a su hermana. Varios compradores (incluido Knut Kloster de Norwegian Cruise Line) inspeccionaron los barcos pero no quisieron comprarlos debido a los costos necesarios para modernizarlos al estándar de cruceros. Había un comprador serio, Home Lines, que deseaba comprar los barcos y mantenerlos bajo bandera italiana para navegar en el Caribe. La Línea Italiana se negó a vender a las hermanas, supuestamente porque sentían que mantener la bandera italiana las habría asociado a las "vergonzosas perdedoras de dinero".

En 1976 se encontró un comprador que estaba de acuerdo con los términos solicitados por Italian Line. El Sha de Irán compró los barcos, para usarlos como cuarteles flotantes. Los barcos que habían costado $ 45 millones cada uno ahora se vendieron al precio de $ 2 millones por barco. los Miguel Angel Terminó en Bandar Abbas, donde pasaría los siguientes quince años.

En 1978 se hicieron planes para reconstruirlo como el crucero de lujo Scià Reza il Grande (en honor a Rezā Shāh). Sin embargo, un equipo de expertos enviado desde Italia para inspeccionar el barco llegó a la conclusión de que estaba demasiado deteriorado para que la reconstrucción fuera una opción viable. Se hicieron planes similares nuevamente en 1983, pero también se quedaron cortos.

Finalmente, en junio de 1991 fue desguazada en el astillero de desguace de barcos de Gadani, Pakistán. [2]


Miguel Ángel - biografía y legado

Michelangelo nació de Leonardo di Buonarrota y Francesca di Neri del Miniato di Siena, una familia de banqueros de clase media en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, en la Toscana. La lamentable y prolongada enfermedad de su madre obligó a su padre a dejar a su hijo al cuidado de su niñera. El marido de la niñera era picapedrero y trabajaba en la cantera de mármol de su propio padre.

Cuando Miguel Ángel tenía seis años, su madre murió, pero él continuó viviendo con la pareja y la leyenda cuenta que esta situación poco convencional desde la infancia sentaría las bases para su posterior historia de amor con el mármol.

Cuando tenía 13 años, su padre tenía claro que Miguel Ángel no tenía aptitudes para la vocación familiar. El joven fue enviado a aprendiz en el conocido estudio de Domenico Ghirlandaio. Después de solo un año en el estudio, Lorenzo de 'Medici, de la reconocida familia de mecenazgo del arte florentino, le pidió a Ghirlandaio dos de sus mejores estudiantes. Miguel Ángel, junto con Francesco Granacci, fueron elegidos para asistir a la academia humanista de la familia Medici. Fue una época próspera en la Florencia del Renacimiento cuando se animó a los artistas a estudiar humanidades, acentuando sus esfuerzos creativos con el conocimiento del arte y la filosofía griega y romana antigua. El arte se estaba alejando de la iconografía gótica y el trabajo devocional y evolucionaba hacia una gran celebración del hombre y su importancia en el mundo. Miguel Ángel estudió con el famoso escultor Bertoldo di Giovanni, lo que le permitió conocer las grandes esculturas clásicas del palacio de Lorenzo.

Durante este tiempo, Miguel Ángel obtuvo permiso de la Iglesia Católica de Santo Spirito para estudiar cadáveres en su hospital para que pudiera comprender la anatomía. A cambio, les talló una cruz de madera. Su capacidad para representar con precisión el tono muscular realista del cuerpo resultó de esta educación temprana como se evidencia en dos esculturas que sobreviven de esa época. Madonna sentada en un escalón (1491) y Batalla de los centauros (1492).

Entrenamiento y trabajo temprano

Tras la muerte de Lorenzo di Medici en 1492, Miguel Ángel permaneció con relativa seguridad en Florencia. Pero cuando la ciudad florentina se vio envuelta en la agitación política, la familia Medici fue expulsada y el artista se mudó a Bolonia. Fue en Bolonia donde recibió el encargo de terminar la talla de la Tumba de Santo Domingo, que incluyó la adición de una estatua de San Petronio, un ángel arrodillado sosteniendo un candelero y San Próculo.

Miguel Ángel regresó a Florencia en 1494 después de que disminuyó la amenaza de la invasión francesa. Trabajó en dos estatuas, San juan bautistay un pequeño cupido. los Cupido se vendió al cardenal Riario de San Giorgio, se hizo pasar por una escultura antigua. Aunque molesto por haber sido engañado, el cardenal quedó lo suficientemente impresionado por la mano de obra de Miguel Ángel como para invitarlo a Roma para otro encargo. Para este encargo, Miguel Ángel creó una estatua de Baco, que fue rechazada por el cardenal que consideró políticamente imprudente asociarse con una figura pagana desnuda. Michelangelo was indignant - so much so that he later asked his biographer Condivi to deny the commission was from the Cardinal and instead to record it as a commission from his banker, Jacopo Galli. The artist's impetuous nature was already garnering him the reputation of being one who indignantly did what he wanted, oftentimes eschewing his patron's wishes or failing to complete work once started.

Michelangelo remained in Rome after completing the Baco, and in 1497 the French Ambassador, Cardinal Jean Bilhères de Lagraulas commissioned his Pietà for the chapel of the King of France in St Peter 's Basilica. los Pietà was to become one of Michelangelo's most famous carvings, which the 16th-century biographer Giorgio Vasari, described as something "nature is scarcely able to create in the flesh." His acuity with emotional expression and lifelike realism in the piece, garnered the artist much awe and attention.

Although his status as one of the period's most talented artists following the completion of the Pietà was secure, Michelangelo didn't receive any major commissions over the next two years. Financially, however this absence of work wasn't of much concern. Wealth didn't seem to affect the artist's lifestyle. As he would say to Condivi towards the end of his life, "However rich I may have been, I have always lived like a poor man."

In 1497, the puritanical monk Girolamo Savonarola became famous for his Bonfire of the Vanities, an event in which he and his supporters burned art and books in Florence, causing a cease to what had been a thriving period of the Renaissance. Michelangelo would have to wait until Savonarola's ousting in 1498 before returning to his beloved Florence.

In 1501, his most notable achievement was born through a commission from the Guild of Wool to complete an unfinished project begun by Agostino di Duccio some 40 years earlier. This project, finally completed in 1504, was a majestic, 17-foot tall nude statue of the biblical hero David. The work was a testament to the artist's unparalleled excellence at carving breathtakingly precise depictions of real life out of inanimate marble.

Several painting commissions followed after David's completion. In particular, Michelangelo's only known finished painting that has survived, Doni Tondo (The Holy Family) (1504).

During this time of the High Renaissance in Florence, rivalries between Michelangelo and his artist peers abounded, each fighting for prime commissions and revered social status as noted masters of their fields.

Leonardo da Vinci had quickly risen to fame and the competition between he and Michelangelo was legendary. In 1503, Piero Soderini, the lifetime Gonfalonier of Justice (senior civil servant akin to a Mayor), commissioned them both to paint two opposing walls of the Salone dei Cinquecento in the Palazzo Vecchio. Both paintings were never finished and are unfortunately lost. De Leonardo The Battle of Anghiari was painted over when Vasari later reconstructed the Palazzo. Michelangelo's work on The Battle of Cascina was interrupted in the preparatory drawing stage when Pope Julius II summoned him to Rome. Michelangelo was seduced by the flamboyant reputation of the patron Pope who was luring other artist peers such as Donato Bramante and Raphael to create exciting new projects. Never one to be bested by his rivals, he accepted the invitation.

Mature Period

In Rome, Michelangelo started work on the Pope's tomb, work that was to be completed within a five-year timeline. Yet, the artist would abandon the project after being cajoled by the Pope for another commission. The project was the painting of the Sistine Chapel's ceiling and rumor has it that Bramante, the architect in charge of rebuilding St. Peter's Basilica, was the one to convince the Pope that Michelangelo was the man for the job. Bramante was notoriously consumed by envy, and knowing that Michelangelo was better known for his sculptures rather than paintings, was certain that his rival would fail. He hoped this would cause the artist to fall out of popular favor. Michelangelo reluctantly accepted the commission.

Michelangelo would work on the Sistine Chapel for the next four years. It was a difficult job of extraordinary endurance, especially since the tempestuous artist had sacked all of his assistants save one who helped him mix paint. What resulted was a monumental work of great genius illustrating stories from the Old Testament including the Creation of the World and Noah and the Flood. Contrary to Bramante's hopes, it became (and remains) one of the greatest masterpieces of Western Art.

Another noted rival was the young 26-year-old Raphael who had burst upon the scene and was chosen in 1508 to paint a fresco in Pope Julius II's private library, a commission vied for by both Michelangelo and Leonardo. When Leonardo's health began to fail, Raphael became Michelangelo's greatest artistic adversary. Because of Raphael's acuity with depicting anatomy and his finesse for painting nudes, Michelangelo would often accuse him of copying his own work. Although influenced by Michelangelo, Raphael resented Michelangelo's animosity toward him. He responded by painting the artist with his traditional sulking face in the guise of Heraclitus in his famous fresco The School of Athens (1509-1511).

Following Pope Julius II's death in 1513 Michelangelo was commissioned by the new Pope Leo X to work on the façade of the Basilica San Lorenzo, the largest church in Florence. He spent the next three years on it before the project was cancelled due to lack of funds. In 1520, he received another commission for a Medici chapel in the Basilica of San Lorenzo on which he worked intermittently for the next twenty years. During those two decades, he would also complete an architectural commission for the Laurentian Library.

After the sack of Rome by Charles V in 1527, Florence was declared a republic and stayed under siege until 1530. Having worked prior to the siege for the defense of Florence, Michelangelo feared for his life and fled back to Rome. Despite his support for the republic, he was welcomed by Pope Clement and given a new contract for the tomb of Pope Julius II. It was also during this time he was commissioned to paint the fresco of the Last Judgement on the altar wall of the Sistine Chapel, a project that would take seven years.

Although a late bloomer relationship wise, at age 57, Michelangelo would establish the first of three notable friendships, sparking a prolific poetic output to add to his cadre of artistic talents. The first in 1532 was a 23-year-old Italian nobleman, Tommaso dei Cavalieri, who was not only the artist's young lover but remained a lifelong friend. The art historian, Howard Hibbard, quotes Michelangelo describing Tommaso as the "light of our century, paragon of all the world." The passionate affair provoked Michelangelo to produce a number of love poems so homoerotic in nature that his grandnephew, upon publishing the volume in 1623, changed the gender pronouns to disguise their homosexual context.

In 1536, Michelangelo found another lifelong object of affection, the widow, Vittoria Colonna, the Marquise of Pescara, who was also a poet. The majority of his prolific poetry is devoted to her, and his adoration continued until her death in 1547. He also gave her paintings and drawings, and one of the most beautiful to have survived is the black chalk drawing Pietà for Vittoria Colonna of 1546. She was the only woman who played a significant part in Michelangelo's life and their relationship is generally believed to have been platonic. During this period, he also worked on a number of architectural commissions including the Church of Santa Maria degli Angeli and the Sforza Chapel in the Basilica di Santa Maria Maggiore, as well as the Capitoline Hill. He also received commissions for two frescos in the Cappella Paolina the Conversion of St Paul, and the Crucifixion of St Peter.

In 1540, Michelangelo met Cecchino dei Bracci, son of a wealthy Florentine banker, at the Court of Pope Paul III, who was only 12 years old. The epitaphs Michelangelo wrote following Cecchino's death four years later reveal the extent of their relationship, suggesting they were lovers. In particular one, which includes the graphic allusion, "Do yet attest for him how gracious I was in bed. When he embraced, and in what the soul doth live."

Late Period

It was Pope Julius II who, in 1504, proposed demolishing the old St Peter's Basilica and replacing it with the "grandest building in Christendom." Although the design by Donato Bramante had been selected in 1505, and foundations lain the following year, not much progress had been made since. By the time Michelangelo reluctantly took over this project from his noted rival in 1546 he was in his seventies, stating, "I undertake this only for the love of God and in honor of the Apostle."

Michelangelo worked continuously throughout the rest of his life on the Basilica. His most important contribution to the project was his work upon the dome in the eastern end of the Basilica. He combined the design ideas of all the prior architects who had given input on the work, which imagined a large dome comparable to Brunelleschi's famous dome in Florence, and coalesced them with his own grand visions. Although the dome was not finished until after his death, the base on which the dome was to be placed was completed, which meant the design of the dome could not be altered significantly in its completion. Still the largest church in the world, it remains a testament to his genius and his devotion. He continued to sculpt but did so privately for personal pleasure rather than work. He completed a number of Pietàs incluyendo el Disposition (which he attempted to destroy), as well as his last, the Rondanini Pietà, on which he worked until the last weeks before his death.

It's been said that it takes 10,000 hours of deliberate practice to become world class in any field. Michelangelo epitomized this ideal as he started his career as a mere boy and continued working until his death at 88 years old.

His great love Tommaso remained with him until the end when Michelangelo died at home in Rome following a short illness in 1564. Per his wishes, his body was taken back to Florence and interred at the Basilica di Santa Croce.

The Legacy of Michelangelo

Along with Leonardo da Vinci and Raphael, Michelangelo is regarded as one of the three giants of the Renaissance, and a major contributor to the Humanist movement. Humanity, in both its relationship to the divine and non-secular reality was central to his painting and sculpture. He was a master at depicting the body with such technical accuracy that marble was seemingly transformed into flesh and bone. His adeptness with human emotionality and expression inspired humility and veneration. The psychological insight and physical realism in his work had never been portrayed with such intensity before. Su Piedad, David, y el Capilla Sixtina have been maintained and preserved and continue to draw crowds of visitors from all over the world. His lifetime achievements give credence to the title commonly bestowed to him of Il Divino (The Divine).

Michelangelo's influence on other artists was profound and has continued from Raphael in his time to Rubens, through to Bernini, and the last great sculptor to follow his tradition of realism, Rodin.

His fame, established when he was in his early twenties, has continued to our time. As for his genius look to Galileo, who claimed he was born a day earlier, to coincide with the day Michelangelo died, alluding to the assertion that genius never dies.


How Did Michelangelo Change the World?

Michelangelo changed the world by helping people view art and artists differently. His art was remarkable because of this, the world began to recognize artists and their art as important additions to society.

Prior to Michelangelo, artists did not receive individual attention or notoriety for their work. They were seen as nothing more than journeymen.

Michelangelo changed the world's opinion of artists through his extraordinary works of art. With groundbreaking art, he created some of the most revered pieces known to man his attention to detail made these works remarkable. Michelangelo was best known as a sculptor, and his infamous David, with lifelike characteristics carved in marble, is still considered a masterpiece. Other notable sculptures include Pieta, Moses, and Madonna and Child.

Michelangelo was not just a sculptor he was an important painter and prolific architect as well. His paintings are considered some of the world's greatest showpieces. These paintings include the elaborate and detailed Sistine Chapel ceiling, which includes various painted elements to form a large scheme within the Chapel. As an architect, he designed the final plans for the St. Peter's Cathedral in the Vatican.

His work is considered the beginning of the High Renaissance, a period of time where the world came to recognize and appreciate the value of visual arts.


Logros

  • His early studies of classical Greek and Roman sculpture, coupled with a study of cadavers, led Michelangelo to become an expert at anatomy. The musculature of his bodies is so authentically precise that they've been said to breathe upon sight.
  • Michelangelo's dexterity with carving an entire sculpture from a single block of marble remains unparalleled. He once said, "I saw the angel in the marble and carved until I set him free." He was known as one who could conjure real life from stone.
  • The artist's feisty and tempestuous personality is legendary. He often abandoned projects midway through or played out his pride or defiance of conventionality through controversial means such as painting his own face on figures in his work, the faces of his enemies in mocking fashion, or unabashedly portraying sacred characters in the nude.
  • Michelangelo's most seminal pieces: the massive painting of the biblical narratives in the Sistine Chapel, the 17-foot tall testament to male perfection David, and the heartbreakingly genuine Pietà are considered some of the world's most genius works of art, drawing large numbers of tourists to this day.

Madonna of Bruges

los Madonna of Bruges is a marble sculpture by Michelangelo of the Virgin and Child.

Madonna and Child
ArtistaMiguel Angel
Año1501–1504
EscribeMármol
Dimensiones200 cm (79 in)
LocalizaciónOnze Lieve Vrouwekerk, Bruges
Coordenadas Coordinates: 51°12′17″N 3°13′28″E  /  51.20472°N 3.22444°E  / 51.20472 3.22444

Michelangelo's depiction of the Madonna and Child differs significantly from earlier representations of the same subject, which tended to feature a pious Virgin smiling down on an infant held in her arms. Instead, Jesus stands upright, almost unsupported, only loosely restrained by Mary's left hand, and appears to be about to step away from his mother. Meanwhile, Mary does not cling to her son or even look at him, but gazes down and away. It is believed the work was originally intended for an altar piece. If this is so, then it would have been displayed facing slightly to the right and looking down. The early 16th-century sculpture also displays the High Renaissance Pyramid style frequently seen in the works of Leonardo da Vinci during the late 1400s.

Madonna and Child shares certain similarities with Michelangelo's Pietà, which was completed shortly before – mainly, the chiaroscuro effect and movement of the drapery. The long, oval face of Mary is also reminiscent of the Pietà.

The work is also notable in that it was the only sculpture by Michelangelo to leave Italy during his lifetime. In 1504, it was bought by Giovanni and Alessandro Moscheroni (Mouscron), who were wealthy cloth merchants in Bruges, [1] then one of the leading commercial cities in Europe. The sculpture was sold for 4,000 florins.

The sculpture was removed twice from Belgium after its initial arrival. The first was in 1794 after French Revolutionaries had conquered the Austrian Netherlands during the French Revolutionary Wars the citizens of Bruges were ordered to ship it and several other valuable works of art to Paris. It was returned after Napoleon's final defeat at Waterloo in 1815. The second removal was in 1944, during World War II, with the retreat of German soldiers, who smuggled the sculpture to Germany enveloped in mattresses in a Red Cross truck. [2] It was discovered a year later in Altaussee, Austria within a salt mine and again returned. It now sits in the Church of Our Lady in Bruges, Belgium. This is represented in the 2014 film The Monuments Men.


The Creation of Adam, by Michelangelo

Of all the marvelous images that crowd the immense complex of the Sistine Ceiling, La creación de Adán is undoubtedly the one which has most deeply impressed posterity. No wonder, for here we are given a single overwhelming vision of the sublimity of God and the potential nobility of man unprecedented and unrivaled in the entire history of visual art. No longer standing upon earth with closed eyes and mantle, the Lord floats through the heavens, His mantle widespread and bursting with angelic forms, and His calm gaze accompanying and reinforcing the movement of His mighty arm. He extends His forefinger, about to touch that of Adam, who reclines on the barren coast of earth, barely able as yet to lift his hand. The divine form is convex, explosive, paternal the human concave, receptive, and conspicuously impotent. The incipient, fecundating contact about to take place between the two index fingers has often been described as a spark or a current, a modern electrical metaphor doubtless foreign to the sixteenth century, but natural enough considering the river of life which seems about to flow into the waiting body.

Genesis tells how the Lord created Adam from the dust of the earth and breathed into his nostrils the breath of life. This story is never illustrated literally in Renaissance art. Usually, as in Jacopo della Quercia's beautiful relief on the facade of the church of San Petronio in Bologna, which must have impressed the young Michelangelo deeply, the Creator stands on earth and blesses the already formed body of Adam, read together with the ground, since his name in Hebrew means earth. Michelangelo's completely new image seems to symbolize a still further idea - the instillation of divine power in humanity, which took place at the Incarnation. Given Cardinal Vigerio's reiterated insistence on the doctrine of the two Adams, and the position of the scene immediately after the barrier to the sanctuary, at the spot where the Annunciation customarily appeared, and after Ezekiel with his vision of the Virgin Birth, this would seem natural enough. The scene recalls the famous verses from Isaiah, "Who hath believed our report ? and to whom is the arm of the Lord revealed ? For he shall grow up before him as a tender plant, and as a root out of a dry ground . . " invariably taken by theologians to foretell the Incarnation of Christ, shoot of Jesse's rod. Two striking visual elements make clear that this was one of the passages that actually recommended to Michelangelo by his probable adviser, Cardinal Vigerio. First, the mighty right arm of the Lord is revealed, naked as in no other of His appearances on the Sistine Ceiling, nor anywhere else, as far as I have been able to determine, in all of the Christian art prior to this time. (The left arm is clothed, at least to the elbow, by a white sleeve.) Second, directly under Adam, the arm of the veiled youth to the left above the Persian Sibyl projects into the scene - a matter that involved considerable advance planning - coming as close to touching Adam's thigh as the Creator does his finger. This hand holds a cornucopia bursting with Rovere leaves and acorns, appearing to grow from the dry ground, as full of potency as Adam ("ground") is empty of it. Such an image is characteristic not only of Michelangelo, who insofar as possible preferred to show male figures, including that of Christ, completely naked, but of the Roman High Renaissance and of Julius II himself, whose language as recorded by his astonished contemporaries overflows with boasts of his own physical strength and potency.


Michelangelo Artworks

This statue of Bacchus depicts the Roman god of wine precariously perched on a rock in a state of drunkenness. He wears a wreath of ivy and holds a goblet in one hand, brought up toward his lips for a drink. In the other hand, he holds a lion skin, which is a symbol for death derived from the myth of Hercules. From behind his left leg peeks a satyr, significant to the cult of Bacchus often representing a drunken, lusty, woodland deity.

The work, one of Michelangelo's earliest, caused much controversy. It was originally commissioned by Cardinal Riario and was inspired by a description of a lost bronze sculpture by the ancient sculptor Praxiteles. But when Riario saw the finished piece he found it inappropriate and rejected it. Michelangelo sold it to his banker Jacopo Galli instead.

Despite its colored past though, the piece is evidence of Michelangelo's early genius. His excellent knowledge of anatomy is seen in the androgynous figure's body which Vasari described as having the "the slenderness of a young man and the fleshy roundness of a woman." A high center of gravity lends the figure a sense of captured movement, which Michelangelo would later perfect even further for David. Although intended to mimic classical Greek sculpture and distressed toward an antique appearance, Michelangelo remained true to what in visual human terms it means to be drunk the unseemly swaying body was unlike any depiction of a god in classical Greek and Roman sculpture. Art historian Claire McCoy said of the sculpture, "Bacchus marked a moment when originality and imitation of the antique came together."

Marble - Museo del Bargello, Florence

Pietà

This was the first of a number of Pietàs Michelangelo worked on during his lifetime. It depicts the body of Jesus in the lap of his mother after the Crucifixion. This particular scene is one of the seven sorrows of Mary used in Catholic devotional prayers and depicts a key moment in her life foretold by the prophet, Simeon.

Cardinal Jean de Bilhères commissioned the work, stating that he wanted to acquire the most beautiful work of marble in Rome, one that no living artist could better. The 24-year-old Michelangelo answered this call, carving the work in two years out of a single block of marble.

Although the work continued a long tradition of devotional images used as aids for prayer, which was developed in Germany in the 1300s, the depiction was uniquely connotative of Italian Renaissance art of the time. Many artists were translating traditional religious narratives in a highly humanist vein blurring the boundaries between the divine and man by humanizing noted biblical figures and taking liberties with expression. Mary was a common subject, portrayed in myriad ways, and in this piece Michelangelo presented her not as a woman in her fifties, but as an unusually youthful beauty. As Michelangelo related to his biographer Ascanio Condivi, "Do you not know that chaste women stay fresh much more than those who are not chaste?"

Not only was Pietà the first depiction of the scene in marble, but Michelangelo also moved away from the depiction of the Virgin's suffering which was usually portrayed in Pietàs of the time, instead presenting her with a deep sense of maternal tenderness for her child. Christ too, shows little sign of his recent crucifixion with only slightly discernible small nail marks in his hands and the wound in his side. Rather than a dead Christ, he looks as if he is asleep in the arms of his mother as she waits for him to awake, symbolic of the resurrection.

A pyramidal structure signature to the time was also used: Mary's head at the top and then the gradual widening through her layered garments to the base. The draped clothing gives credence to Michelangelo's mastery of marble, as they retain a sense of flowing movement, far removed from the typical characteristic of stone.

This is the only sculpture Michelangelo ever signed. In a fiery fit of reaction to rumors circulating that the piece was made by one of his competitors, Cristoforo Solari, he carved his name across Mary's sash right between her breasts. He also split his name in two as Michael Angelus, which can be seen as a reference to the Archangel Michael - an egotistical move and one he would later regret. He swore to never again sign another piece and stayed true to his word.

los Pietà became famous immediately following its completion and was pivotal in contributing to Michelangelo's fame. Despite an attack in 1972, which damaged Mary's arm and face, it was restored and continues to inspire awe in visitors to this day.

Marble - St. Peter's Basilica, Vatican City, Rome

David

This 17 foot tall statue depicts the prophet David, majestic and nude, with the slingshot he used to kill Goliath, slung victoriously over one shoulder.

The piece was commissioned by the Opera del Duomo for the Cathedral of Florence, a project that was originally meant to be a series of sculptures of prophets for the rooftop. Although David's familiarity stems from the classic religious tale, the statue became not only a rendition of the tale, but a symbol for the new Florentine Republic of its defiant independence from Medici rule.

Considered one of Michelangelo's great masterpieces. An exquisite example of his knowledge of anatomy can be seen in David's musculature, his strength emphasized through the classical contrapposto stance, with weight shifting onto his right leg. A sense of naturalism is conveyed in the way the body stands determined, a confident glare on the young man's face. The top half of the body was made slightly larger than the legs so that viewers glancing up at it or from afar would experience a more authentic perspective. The realism was seen as so powerful that Vasari praised it as Michelangelo's "miracle. to restore life to one who was dead."

During the Early Renaissance, Donatello had revived the classical nude as subject matter and made a David of his own. But Michelangelo's version, with its towering height, is unmistakably the most iconic version. As was customary to Michelangelo and his work, this statue was simultaneously revered and controversial.

The plaster cast of David now resides at the Victoria and Albert Museum. During visits by notable women such as Queen Victoria, a detachable plaster fig leaf was added, strategically placed atop the private parts.

On another occasion, a replica of David was offered to the municipality of Jerusalem to mark the 3,000th anniversary of King David's conquest of the city. Religious factions in Jerusalem urged that the gift be declined because the naked figure was considered pornographic. A fully clad replica of David by Andrea del Verrocchio, a Florentine contemporary of Michelangelo, was donated instead.

Galleria dell'Accademia, Florence - Marble

Doni Tondo (Holy Family)

Holy Family, the only finished panel painting by the artist to survive, was commissioned by Agnolo Doni for his marriage to Maddalena Strozzi, daughter of a powerful Tuscan family, which gives it its name. It portrays Jesus, Mary, Joseph, and an infant John the Baptist. The intimate tenderness of the figures governed by the father's loving gaze emphasizes the love of family and divine love, representing the cores of Christian faith. In contrast, the five nude males in the background symbolize pagans awaiting redemption. The round (tondo) form was customary for private commissions and Michelangelo designed the intricate gold carved wooden frame. The work is believed to be entirely by his hand.

We find many of the artist's influences in this painting, including Signorelli's Virgen. It is also said to have been influenced by Leonardo's The Virgin and Child with St Anne, a cartoon (full scale drawing) that Michelangelo saw while working on his David in 1501. The nude figures in the background are said to have been influenced by the ancient statue of Laocoonte y sus hijos (the Trojan priest) attributed to the Greek sculptors Agesander, Athenodoros and Polydorus, which was excavated in Rome in 1506 and publicly displayed in the Vatican.

Yet influences aside, the piece is distinctly Michelangelo, an example of his individualism, which was considered very avant-garde for the time. It was a significant shift from the serene, static rendition of figures depicted in classical Roman and Greek sculpture. Its twisting figures signify enormous energy and movement and the vibrant colors add to the majesty of the work, which were later used in his frescos in the Sistine Chapel. The soft modelling of the figures in the background with the focused details in the foreground gives this small painting great depth.

This painting is said to have laid the foundations of Mannerism which in contrast to the High Renaissance devotion to proportion and idealized beauty, preferred exaggeration and affectation rather than natural realism.

Tempera on panel - Galleria degli Uffizi, Florence

La creación de Adán

This legendary painting, part of the vast masterpiece that adorns the Sistine Chapel, shows Adam as a muscular classical nude, reclining on the left, as he extends his hand toward God who fills the right half of the painting. God rushes toward him, his haste conveyed by his white flaring robe and the energetic movements of his body. God is surrounded by angels and cherubim, all encased within a red cloud, while a feminine figure thought to be Eve or Sophia, symbol of wisdom, peers out with curious interest from underneath God's arm. Behind Adam, the green ledge upon which he lies, and the mountainous background create a strong diagonal, emphasizing the division between mortal he and heavenly God. As a result the viewer's eye is drawn to the hands of God and Adam, outlined in the central space, almost touching. Some have noted that the shape of the red cloud resembles the shape of the human brain, as if the artist meant to imply God's intent to infuse Adam with not merely animate life, but also the important gift of consciousness.

This was an innovative depiction of the creation of Adam. Contrary to traditional artworks, God is not shown as aloof and regal, separate and above mortal man. For Michelangelo, it was important to depict the all-powerful giver of life as one distinctly intimate with man, whom he created in his own image. This reflected the humanist ideals of man's essential place in the world and the connection to the divine. The bodies maintain the sculptural quality so reminiscent of his painting, carrying on the mastery of human anatomy signature to the High Renaissance.

Many subsequent artists have studied and attempted to imitate parts of the work for what art historians Gabriele Bartz and Eberhard König called its "unprecedented invention." It is also one of the most parodied of Michelangelo's works, seen as humorous inspiration for The Creation of Muppet by artist James Hance in homage to Muppets creator Jim Henson used in the title sequence of the television arts program The Southbank Show borrowed from for the promotional poster for Steven Spielberg's movie ET and derived from for artist TasoShin's The Creation of Mario in homage to Miyamoto's contribution to Nintendo games.

Fresco - Sistine Chapel, Vatican City, Rome

Moisés

This grand epic sized statue depicts Moses seated regally to guard the tablets written with the Ten Commandments. His expression is stern, reflecting his anger at seeing his people worshipping the golden calf on his return from Mount Sinai.

Michelangelo's reputation following the sculpture of David reached Pope Julius II in Rome who commissioned the artist to come and work on his tomb. The ambitious artist initially proposed a project of over 40 figures. Yet In the final structure the central piece became this sculpture of Moses. Not only has he rendered the great prophet with a complex emotionality, his work on the fabric of Moses' clothes is noted for its exquisite perfection and look of authenticity. Again, he managed to craft a visage of seeming real life out of stone.

Pope Julius II famously interrupted Michelangelo's work on the tomb so that he could paint the Sistine Chapel. The final tomb wasn't finished until after the Pope's death in 1513, to be finally completed in 1545.

This sculpture has been at the center of much analysis, with Sigmund Freud having purportedly spent three weeks in 1913 observing the emotions expressed by the sculpture, concluding it was a supreme vision of self-control. Part of the controversy hinged around what appear to be horns protruding from Moses' head. While some see them as symbolic of his anguish, others believe them to hearken to a Latin mistranslation of the Bible in which instead of rays of light illuminating the radiance of Moses, he appears to be growing horns. This can stem from the Hebrew word Keren, which can mean 'radiated light' or 'grew horns.'

The work was eventually housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome where Pope Julius II had been Cardinal.

Marble - San Pietro Vincoli, Rome

The Last Judgement

This fresco covers the entire altar wall of the Sistine Chapel and is one of the last pieces in the seminal building that was commissioned by Pope Clement VII when Michelangelo was 62. In it we see the Second Coming of Christ as he delivers the Last Judgement. The monumental work took five years to complete and consists of over 300 individual figures. The scene is one of harried action around the central figure of Christ, his hands raised to reveal the wounds of his Crucifixion. He looks down upon the souls of humans as they rise to their fates. To his left, the Virgin Mary glances toward the saved. On either side of Christ is John the Baptist and St Peter holding the keys to heaven. Many of the saints appear with examples of their sacrifices. Particularly interesting is St Bartholomew, martyred by the flaying of his skin, the face on which is said to be a self-portrait of Michelangelo. The saved souls rise from their graves on the left helped by angels. On the right, Charon the ferryman is shown bringing the damned to the gates of Hell. Minos, assuming the role Dante gave him in his Inferno, admits them to Hell. Another noteworthy group are the seven angels blowing trumpets illustrating the Book of Revelation's end of the world.

In usual Michelangelo fashion, the artist depicted the traditional scene with elements of controversy, particularly by rendering its subjects nude with extremely muscular anatomies. His rendition of a beardless Christ was unusual for the time, as was the use of figures from pagan mythology. Vasari reports that the Pope's Master of Ceremonies, Biagio da Cesena, called it a disgrace "that in so sacred a place there should have been depicted all those nude figures, exposing themselves so shamefully." Michelangelo, angry at the remark, is said to have painted Cesena's face onto Minos, judge of the underworld, with donkey's ears. Cesena complained to the Pope at being so ridiculed, but the Pope is said to have jokingly remarked that his jurisdiction did not extend to Hell.

materials - Fresco, Sistine Chapel, Vatican City

The Deposition

This piece is not only sculpturally complex and indicative of Michelangelo's genius, but it carries layers of meaning and has sparked multiple interpretations. In it, we see Christ the moment after the Deposition, or being taken down from the cross of his crucifixion. He is falling into the arms of his mother, the Virgin Mary, and Mary Magdalene, whose presence in a work of such importance was highly unusual. Behind the trio is a hooded figure, which is said to be either Joseph of Arimathea or Nicodemus, both of whom were in attendance of the entombment of Christ, which would follow this event. Joseph would end up giving his tomb for Christ and Nicodemus would speak with Christ about the possibility of obtaining eternal life. Because Christ is seen falling into the arms of his mother, this piece is also often referred to as a pieta.

The multiple themes alluded to in this one piece: The Deposition, The Pieta, and The Entombment are further emphasized by the way Michelangelo carved it. Not only is it life like and intense with realism, it was also sculpted so that a person could walk around to observe and absorb each of the three narratives from different perspectives. The remarkable three-dimensionality allows the group to interact within each of the work's meanings.

The work is also a perfect example of Michelangelo's temperament and perfectionism. The process of making it was arduous. Vasari relates that the artist complained about the quality of the marble. Some suggest he had a problem with the way Christ's left leg originally draped over Nicodemus, worrying that some might interpret it in a sexual way, causing him to remove it. Perhaps Michelangelo was so particular with the piece because he was intending it for his own future tomb.

In 1555, Michelangelo attempted to destroy the piece causing further speculation about its meaning. There is a suggestion that the attempted destruction of the piece was because Nicodemus, by reference to his conversation with Christ about the need to be born again to find everlasting life, is associated with Martin Luther's Reformation. Michelangelo was known to be a secret sympathizer, which was dangerous even for someone as influential as he was. Perhaps a coincidence, but his Lutheran sympathies are given as one of the reasons why Pope Paul IV cancelled Michelangelo's pension in 1555. One of Michelangelo's biographers Giorgio Vasari also mentions that the face of Nicodemus is a self-portrait of Michelangelo, which may allude to his crisis of faith.

Although Michelangelo worked on this sculpture over a number of years he was unable to complete it and gave the unfinished piece to Francesco Bandini, a wealthy merchant, who commissioned Tiberio Calcagni, a friend of Michelangelo's, to finish it and repair the damage (all except for replacing Christ's left leg).

Marble - Museo dell'Opera del Duomo, Florence

Pietà Rondanini

Pietà Rondanini is the last sculpture Michelangelo worked on in the weeks leading up to his death, finalizing a story that weaved through his many Pietas and now reflective of the artist's reckoning with his own mortality. The depiction of Christ has changed from his earlier St. Peter's Pieta in which Christ appeared asleep, through to his Declaración, where Christ's body was more lifeless, to now, where Christ is shown in the utter pain and suffering of death. His mother Mary is standing in this piece, an unusual rendition, as she struggles to hold up the body of her son while immersed in grief.

What's interesting about this work is that Michelangelo abandoned his usual perfection at carving the body even though he worked on it intermittently for over 12 years. It was a departure that so late in his prolific career signified the enduring genius of an artist whose confidence would allow him to try new things even when his fame would have allowed him to easily rest upon his laurels. The detached arm, the subtle sketched features of the face, and the way the figures almost blend into each other provide a more abstracted quality than was his norm, and all precursors of a minimalism that was yet to come in sculpture. The renowned sculptor Henry Moore later said of this piece, "This is the kind of quality you get in the work of old men who are really great. They can simplify, they can leave out. This Pietà is by someone who knows the whole thing so well he can use a chisel like someone else would use a pen."

This sculpture's importance was ignored for centuries, including its disappearance from public discourse until it was found in the possession of Marchese Rondanini in 1807. It has since excited many modern artists. The Italian artist Massimo Lippi is quoted as saying that modern and contemporary art began with this Pietà, and the South African painter, Marlene Dumas, based her Homage to Michelangelo (2012) on this work.

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