La historia

¿Cuándo y cómo se convirtió David en la mascota de Florencia?

¿Cuándo y cómo se convirtió David en la mascota de Florencia?


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Tengo entendido que David, hijo de Isaí, rey de Israel, era la mascota de Florencia. Y ese fue el ímpetu para que se creara la estatua de Miguel Ángel en primer lugar.

Ciertamente, David, el asesino de gigantes, había sido visto durante mucho tiempo como una figura política en Florencia, y las imágenes del héroe bíblico ya tenían implicaciones políticas allí.

Wikipedia - David (Miguel Ángel)

Entonces, ¿cuándo, por qué y cómo se convirtió David en la mascota de la República Florentina?


Esta es una inferencia, no un hecho. En el gran renacimiento de Florencia se hicieron varias estatuas de David, y la primera de Donatello estaba dentro de toda una serie de figuras bíblicas.

Como a los historiadores del arte les gusta ensayar:

Desde el influyente ensayo de Frederick Hartt, "Art and Freedom Quattrocento Florence", "ha sido común entender las imágenes del joven David como personificaciones de la dedicación de Florence a la libertad política o la libertad republicana; y se ha asumido que David era un funcionario o cuasi -Emblema oficial de la ciudad.
Hartt basó esta interpretación principalmente en su lectura de la primera escultura de la serie, el David de mármol de Donatello. Siguiendo el ejemplo del historiador Hans Baron, Hartt argumentó que las luchas de Florencia con Milán y Nápoles a principios de siglo habían transformado profundamente la cultura cívica de la ciudad, convirtiéndola en la capital del republicanismo en Italia. Por lo tanto, David, como asesino de gigantes, habría sido entendido como un tiranicidio y una personificación de libertas.

Pero es importante darse cuenta de que esta interpretación política de David se ha basado en una analogía, no en pruebas más explícitas, como un texto o un documento.

La explicación más probable es que los Medici ocuparon esta símbolo de David, para ellos mismos. Y dado que Medici y Florencia y el arte renacentista son a menudo una y la misma cosa (al menos como se vio en cierta perspectiva), esa transferencia es plausible.

Como ha sugerido Alison Brown, uno de los objetivos de la propaganda de los Medici era demostrar que la capacidad única de la familia para un buen gobierno justificaba su poder supraconstitucional. Se sabe, además, que los Medici proyectaron obras de arte con este fin propagandístico en mente. Su patrocinio de imágenes de David sería totalmente coherente con este programa. Como Judith de Donatello, David personificaba tanto la humildad como la ayuda divina contra los enemigos; y al igual que el Cristo de Vererrocchio y Santo Tomás, David representó la justicia clemenca y el buen gobierno.

Andrew Butterfield: "Nueva evidencia de la iconografía de David en el Quattrocento Florencia", I Tatti Studies in the Italian Renaissance, vol. 6 (1995), págs. 115-133. (jstor)

Por tanto, es algo correcto suponer que el David de Miguel Ángel no era la mascota de Florencia. Pero a medida que las artes se desarrollaron en paralelo, tampoco fue mucho antes.

El héroe del Antiguo Testamento David se convirtió por primera vez en un tema popular en el arte italiano durante el Renacimiento temprano porque Florence lo había adoptado como un tipo de mascota. Florencia era un centro importante para el comercio y las finanzas, pero era relativamente pequeño en comparación con las ciudades-estado de Roma, Milán y Venecia, por lo que la ciudad adoptó a David, quien mató al gigante Goliat con una honda, como símbolo de su ciudad. . David es el perdedor victorioso original. Toma cinco: David en Italia, 2012

  • Donatello David (mármol): encargado en 1408 y expuesto desde 1416 (ya que esta obra de arte no era popular hasta entonces (src, discutiendo los orígenes en disputa de esa estatua)
  • Donatello David (bronce): encargado por Cosme de Medici entre 1444 bis 1446
  • Andrea del Verrocchio David: encargado por Piero de'Medici 1460-1473
  • Michelangelo David: encargado en 1501 por el arte della lana (del cual los Medici eran miembros, ya que solo más tarde alcanzaron la fama con la banca)

Miguel Ángel y # 8217s David

El bloque de mármol utilizado por Miguel Ángel fue excavado originalmente para una estatua que sería tallada por otro escultor en 1464, pero el bloque no fue tallado por completo. Cuando Miguel Ángel recibió su encargo en 1501, se le presentó el desafío de utilizar el bloque en el que ya se había trabajado hasta cierto punto. Tuvo que trabajar con lo que le dieron, y en este caso significó que la figura que talló no se proyectaría hacia afuera más allá del bloque de mármol preestablecido.

El David que se nos presenta aquí es un hombre desnudo con un físico muy musculoso. Sus venas son visibles en sus brazos y manos mientras agarra las piedras con una mano y la honda en la otra. Sus manos y su cabeza parecen ser desproporcionadamente grandes para su cuerpo, posiblemente porque se consideraron más importantes visualmente para los espectadores que verían la estatua en lo alto del exterior de la catedral. Además, su pierna izquierda, que se encuentra a horcajadas sobre la base rocosa sobre la que se encuentra, parece demasiado larga para su cuerpo. Acentúa la línea de esta pierna, ya que forma un componente esencial en la postura contrapposto de David. Al igual que las antiguas esculturas helenísticas y romanas que eran maestros en representar de manera convincente la anatomía humana, Miguel Ángel ha representado a David para que su cuerpo responda a la postura en la que se encuentra. El peso de David se ha colocado sobre su pierna derecha mientras que su pierna izquierda está en descansar. Debido a esto, sus caderas se han movido con un lado más alto que el otro. A su vez, esto ha provocado que la columna vertebral y la sección media de David se curven ligeramente y que su hombro derecho caiga ligeramente por debajo del izquierdo.

Donatello, David, c. 1440-1460, bronce

Detalle del rostro de Miguel Ángel & # 8217s David.

Después de que se completó, el David de Miguel Ángel se convirtió en un símbolo cívico de Florencia, a pesar de que en última instancia era una escultura religiosa. A principios del siglo XVI fue una época de turbulencias entre la ciudad y su antigua familia gobernante, los Medici. Ahora, los Medici eran vistos como agresores o tiranos y habían sido expulsados ​​de Florencia. Los florentinos adoptaron al David como símbolo de su propia lucha contra los Medici, y en 1504 decidieron que la creación de Miguel Ángel era demasiado buena para colocarla en lo alto de la catedral. En cambio, lo colocaron en un lugar mucho más accesible cerca del Palazzo della Signoria, la plaza principal de la ciudad.


Donatello y # 8217s David

Quizás el trabajo emblemático de Donatello & # 8217 & # 8211 y una de las mayores obras escultóricas del Renacimiento temprano & # 8211 fue su estatua de bronce de David. Esta obra marca el regreso de la escultura del desnudo en la figura redonda, y debido a que fue la primera obra de este tipo en más de mil años, es una de las obras más importantes de la historia del arte occidental.

La obra fue encargada por Cosimo de & # 8217Medici para el Palazzo Medici, pero no sabemos cuándo a mediados del siglo XV la fundió Donatello. Originalmente se colocó sobre un pedestal en el centro del patio en el Palazzo Medici, por lo que el espectador lo miraría desde abajo (a diferencia de la vista que normalmente obtenemos en las fotografías).

David se muestra en un momento triunfal dentro de la historia bíblica de su batalla con el filisteo Goliat. Según el relato, después de que David golpeó a Goliat con la piedra de su honda, le cortó la cabeza con la espada de Goliat. Aquí, vemos las secuelas de este evento cuando David se para en una pose contemplativa con un pie sobre la cabeza cortada de su enemigo. David no lleva más que botas y un sombrero de pastor con hojas de laurel encima, lo que puede aludir a su victoria oa su papel de poeta y músico.

Antes del trabajo de Donatello, David era típicamente representado como un rey, dado su estatus en el Antiguo Testamento. Aquí, sin embargo, tenemos un cambio radical en la forma en que se representa a David. No solo se le muestra desnudo, sino que también es un joven. En la Edad Media, la desnudez no se usaba en el arte excepto en ciertos contextos morales, como la representación de Adán y Eva o el envío de almas al infierno. En el mundo clásico, la desnudez se usaba a menudo en un contexto majestuoso diferente, como con figuras que eran dioses, héroes o atletas. Aquí, Donatello parece estar recordando el tipo de desnudez heroica de la antigüedad, ya que David está representado en un punto triunfal en la narrativa bíblica de su victoria sobre Goliat.

En cuanto a la juventud de David, Donatello ha vuelto a la vida temprana del David bíblico para representarlo, en lugar de su vida posterior como rey. Parece que Donatello está tratando de asociar la juventud de David con una vida virtuosa e inocente. David parece joven aquí & # 8211 tan joven, de hecho, que sus músculos apenas se han desarrollado lo suficiente para sostener la gran espada & # 8211 que su victoria sobre su enemigo es aún más improbable. ¿Podría haberse obtenido la victoria de David sin la intervención divina? El trabajo de Donatello parece implicar que la respuesta es & # 8220no & # 8221 & # 8211 que la victoria fue Dios & # 8217s en lugar del hombre & # 8217s.

En cualquier caso, Donatello & # 8217s David es una obra clásica de la escultura renacentista, dado su tema judeocristiano inspirado en un tipo escultórico clásico. Fue revolucionario para su época & # 8211 tanto que no se copió de inmediato. La idea de la escultura de desnudos de tamaño natural evidentemente tomó algo de tiempo para asimilarla y convertirse en un tipo de estatua aceptable.


David es el símbolo de la ciudad de Florencia.

Personas de todo el mundo acuden en masa para ver la estatua de David en la Galleria dell'Accademia. Muchos caminan lentamente a su alrededor para estudiarlo desde todos los ángulos mientras los grupos de turistas se detienen frente a él y se apiñan alrededor del frente de la estatua. "No hay fotos, por favor", grita uno de los curadores a uno de los numerosos turistas que han intentado sacar una foto de David. Los estudiantes con mochilas en la espalda, chanclas en los pies y camisetas de sus universidades pasan junto a nosotros mientras nos sentamos en sillas frente a David. Me pregunto dónde se puede parar alguien para admirar mejor a David, pero en realidad no hay un solo lugar: es un símbolo de perfección desde todos los ángulos.

Las parejas se abrazan mientras miran a David mientras el sol brilla a través del techo de vidrio esmerilado en forma de cúpula sobre él. David está suavemente iluminado con el sol colgando arriba, y es aún más hermoso. Disfrutamos del lugar fresco para sentarnos frente a David para recibirlo mientras otros turistas se reúnen alrededor de la obra maestra de Miguel Ángel. Algunas cámaras cuelgan del cuello, mientras que algunos hombres llevan un bolso de mujer al hombro.

Un guía turístico privado se sienta en un banco junto a nosotros con una pareja estadounidense. No puedo evitar escuchar sus explicaciones de muchos detalles interesantes sobre David. Su primer comentario es "David es el símbolo de la perfección del hombre". Como héroe en el Antiguo Testamento, en realidad es solo un niño, pero Miguel Ángel lo representa como un hombre. Sostiene que todos los detalles del cuerpo de David son anatómicamente perfectos aunque sí explica que su cabeza y sus manos están un poco desproporcionadas, pero fue hecho a propósito. Dijo que la cabeza representa el asiento del intelecto, mientras que las manos son un símbolo del poder para construir y crear. Resumió la estatua diciendo: "David es el símbolo de la ciudad de Florencia", y explicó que David protege a Florencia y, a su vez, Florencia protege a David.

Ahora que entiendo el significado de David durante el Renacimiento, lo aprecio aún más. Estaba tan emocionado que fui a la Piazza della Signoria justo después para tomar algunas fotos de él. Me paré debajo de la Loggia dei Lanzi y lo admiré desde lejos mientras los turistas caminaban justo debajo de él.

Me encanta aprender más sobre el arte que me rodea y desearía tener más tiempo para estudiarlo. No me interesan tanto las fechas ni los nombres, pero me intriga el significado de una obra de arte. Ahora, cada vez que pase (como es el caso de la copia en la Piazza della Signoria) o pase (la copia de David en Piazzale Michelangiolo), ciertamente le daré las gracias a David que está cuidando mi amada ciudad. .


Miguel Ángel & # 8217s David

Cuando todo estuvo terminado, no se puede negar que esta obra se ha llevado la palma de todas las demás estatuas, modernas o antiguas, griegas o latinas, ninguna otra obra de arte se le iguala en ningún aspecto, con tan justa proporción, belleza y excelencia que Michelagnolo terminarlo ”.

Mejor que nadie Giorgio Vasari introduce en pocas palabras la maravilla de una de las mayores obras maestras jamás creadas por la humanidad. En la Galería de la Academia, puedes admirar desde una distancia corta la perfección de la estatua más famosa de Florencia y, quizás, de todo el mundo: De Miguel Ángel David.

Esta asombrosa escultura renacentista fue creada entre 1501 y 1504. Es una estatua de mármol de 14.0 pies que representa al héroe bíblico David, representado como un desnudo masculino de pie. Encargado originalmente por la Opera del Duomo para el Catedral de florencia, estaba destinado a ser una de una serie de grandes estatuas que se colocarían en los nichos de las tribunas de la catedral, a unos 80 metros del suelo. Los cónsules de la Junta le pidieron a Miguel Ángel que completara un proyecto inacabado comenzado en 1464 por Agostino di Duccio y luego llevado a cabo por Antonio Rossellino en 1475. Ambos escultores finalmente habían rechazado un enorme bloque de mármol debido a la presencia de demasiados “taroli”, O imperfecciones, que pueden haber amenazado la estabilidad de una estatua tan enorme. Este bloque de mármol de dimensiones excepcionales permaneció, por tanto, descuidado durante 25 años, dentro del patio de la Opera del Duomo (Junta de sacristía).

Miguel Ángel tenía solo 26 años en 1501, pero ya era el artista más famoso y mejor pagado de su época. Aceptó el desafío con entusiasmo de esculpir a gran escala David y trabajó constantemente durante más de dos años para crear uno de sus impresionantes obras maestras de mármol blanco reluciente.

La Junta de la sacristía había establecido la tema religioso para la estatua, pero nadie esperaba una interpretación tan revolucionaria del héroe bíblico.

El relato de la batalla entre David y Goliath se cuenta en el Libro 1 de Samuel. Saúl y los israelitas se enfrentan a los filisteos cerca del valle de Ela. Dos veces al día durante 40 días, Goliat, el campeón de los filisteos, sale entre líneas y desafía a los israelitas a enviar un campeón propio para decidir el resultado en combate singular. Solo David, un joven pastor, acepta el desafío. Saúl acepta a regañadientes y ofrece su armadura, que David rechaza porque es demasiado grande, tomando solo su honda y cinco piedras de un arroyo. David y Goliat se enfrentan así, Goliat con su armadura y escudo, David armado solo con su roca, su honda, su fe en Dios y su coraje. David lanza una piedra de su honda con todas sus fuerzas y golpea a Goliat en el centro de su frente: Goliat cae de bruces al suelo, y David luego le corta la cabeza.

Tradicionalmente, David había sido retratado después de su victoria, triunfante sobre el Goliat asesinado. A artistas florentinos les gusta Verrocchio, Ghiberti y Donatello todos mostraban su propia versión de David de pie sobre la cabeza cortada de Goliat y # 8217. Miguel Ángel en cambio, por primera vez, elige representar David antes de la batalla. David está tenso: Miguel Ángel lo atrapa en la cúspide de su concentración. Está relajado, pero alerta, descansando en una pose clásica conocida como contrapposto. La figura se para con una pierna sosteniendo todo su peso y la otra pierna hacia adelante, lo que hace que las caderas y los hombros de la figura descansen en ángulos opuestos, dando una ligera curva en S a todo el torso.

La honda que lleva sobre su hombro es casi invisible, enfatizando que La victoria de David fue de inteligencia, no de pura fuerza. Transmite excepcional auto confianza y la concentración, ambos valores del & # 8220pensador & # 8221, considerados perfección durante el Renacimiento.


La historia de la creación de David


La restauración de David en 2003-2004

Se sabe por documentos de archivo que Miguel Ángel trabajó en la estatua en su máxima expresión. secreto, escondiendo su obra maestra en la confección hasta enero de 1504. Desde que trabajaba en el patio abierto, cuando llovía trabajaba empapado. Quizás de esto se inspiró para su método de trabajo: se dice que creó un modelo de cera de su diseño y lo sumergió en agua. Mientras trabajaba, dejaba que el nivel del agua bajara y, usando diferentes cinceles, esculpía lo que podía ver emerger. Dormía esporádicamente, y cuando lo hacía dormía con la ropa e incluso con las botas puestas, y rara vez comía, ya que su biógrafo Ascanio Condivi informes.

Después de más de dos años de arduo trabajo, Miguel Ángel decidió presentar su “Gigante”A los miembros de la Junta de Vestry y a Pier Soderini, el entonces gonfaloniere de la República. En Enero 1504, su David de 14 pies de alto fue revelado solo para ellos: todos estuvieron de acuerdo en que era demasiado perfecto para colocarlo en lo alto de la Catedral, por lo que se decidió discutir otro lugar en la ciudad. El ayuntamiento convocó a comité de una treintena de miembros, incluidos artistas como Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli y Giuliano da Sangallo, para decidir sobre un sitio apropiado para David. Durante el largo debate, se discutieron nueve ubicaciones diferentes para la estatua y, finalmente, la estatua fue colocada en el corazón político de Florencia, en Piazza della Signoria.

Se necesitaron cuatro días y cuarenta hombres para trasladar la estatua a la media milla del taller de Miguel Ángel detrás de la catedral de Santa Maria del Fiore hasta la Piazza della Signoria. Luca Landucci, herbalista y diarista viviendo cerca, anotó el hecho excepcional del transporte en sus crónicas:

Era la medianoche del 14 de mayo y sacaron al Gigante del taller. Incluso tuvieron que derribar el arco, tan grande que era. Cuarenta hombres empujaban el gran carro de madera donde David estaba protegido por cuerdas, deslizándolo por la ciudad sobre baúles. El Gigante finalmente llegó a la Plaza de la Signoria el 8 de junio de 1504, donde se instaló junto a la entrada del Palazzo Vecchio, reemplazando la escultura de bronce de Donatello y # 8217 de Judith y Holofernes.”.

Miguel Ángel siguió trabajando en el acabado más fino. Ese verano, se doraron la eslinga y el soporte del tocón de árbol, y la figura recibió una guirnalda de la victoria dorada. Desafortunadamente, todas las superficies doradas se han perdido debido al largo período de exposición a los agentes meteorológicos.

Gracias a su imponente perfección, la figura bíblica de David se convirtió en el símbolo de la libertad y libertad de los ideales republicanos, mostrando la disposición de Florence para defenderse. Permaneció frente al Palazzo della Signoria hasta que 1873, cuando se trasladó a la Galleria dell’Accademia para protegerlo de daños y más intemperie.

Hoy en día, los visitantes pueden admirar la David bajo un lucernario diseñado exclusivamente para él en el siglo XIX por Emilio de Fabris. De cerca, se puede percibir la pasión de Miguel Ángel por la anatomía humana y su profundo conocimiento del cuerpo masculino.

Nota la ojos atentos con bultos de ojos tallados, venas pulsantes en el dorso de las manos, hinchado por la tensión. Admira la curva del torso tenso, la flexión del músculos del muslo en la pierna derecha.

los dimensiones de algunos detalles son atípicos del trabajo de Miguel Ángel. La figura tiene un inusual cabeza grande y mano derecha imponenteEstas ampliaciones pueden deberse al hecho de que la estatua originalmente estaba destinada a colocarse en la línea del techo de la catedral, por lo que partes importantes de la escultura tenían que estar necesariamente acentuadas para ser visibles desde abajo.

Otra interpretación sobre estos detalles más amplios lleva a los estudiosos a pensar que Miguel Ángel intencionalmente sobreproporcionado la cabeza para subrayar el concentración y el mano derecha para simbolizar el acción ponderada.

Una vez más, Giorgio Vasari fue capaz de sintetizar el perfección absoluta de esta obra maestra del Renacimiento que aún atrae, y no defrauda, ​​a millones de visitantes cada año en el Galleria dell’Accademia en Florencia:

Porque en él se pueden ver los más hermosos contornos de piernas, con aditamentos de miembros y delgados contornos de flancos que son divinos ni se ha visto nunca una pose tan fácil, ni ninguna gracia que iguale a la de esta obra, o pies, manos y cabeza tan bien de acuerdo, un miembro con otro, en armonía, diseño y excelencia de arte”. (Giorgio Vasari, de su “Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos” # 8221).


Cómo un bloque de mármol rechazado se convirtió en la estatua más famosa del mundo

A principios del siglo XVI, la Ópera del Duomo, el comité de funcionarios a cargo de la decoración y el mantenimiento de la catedral de Florencia, tenía entre manos un complicado proyecto inconcluso. Un documento de 1501 se refiere a una enorme estatua apenas comenzada, "un cierto hombre de mármol, llamado David, mal bloqueado y tendido de espaldas en el patio". La piedra era un sobrante de un proyecto decorativo de larga duración: en 1408 el comité había decidido decorar la línea del techo alrededor de la cúpula de la catedral con estatuas masivas de profetas bíblicos y figuras mitológicas. Los dos primeros, colocados a principios del siglo XV, eran una estatua de Josué esculpida en terracota por Donatello y pintada de blanco para que pareciera mármol, y una estatua de Hércules, esculpida por uno de los estudiantes de Donatello, Agostino di Duccio.

En 1464 se ordenó una estatua de David, el héroe bíblico que mató al gigante Goliat. Esta comisión fue para Agostino, y se extrajo una enorme losa de mármol de las canteras de Carrara en Toscana, Italia, para el proyecto. Por razones desconocidas, Agostino abandonó el proyecto después de hacer solo un pequeño trabajo, principalmente desbastado alrededor de las piernas.

Otro escultor, Antonio Rossellino, fue contratado para hacerse cargo del proyecto en 1476, pero se echó atrás casi de inmediato, citando la mala calidad del mármol. (Los análisis científicos modernos del mármol han confirmado que de hecho es de calidad mediocre.) Sin escultor pero demasiado caro para tirarlo, la enorme losa permaneció en los elementos durante un cuarto de siglo.

En el verano de 1501 se hizo un nuevo esfuerzo para encontrar un escultor que pudiera terminar la estatua. El escultor Miguel Ángel, de 26 años, fue elegido y le dieron dos años para completarlo. Temprano en la mañana del 13 de septiembre de 1501, el joven artista se puso manos a la obra en la losa, extrayendo la figura de David en un proceso milagroso que el artista y escritor Giorgio Vasari describiría más tarde como “el resurgimiento de quien estaba muerto."

En 1504, cuando Miguel Ángel terminó su trabajo, los funcionarios florentinos concluyeron que la estatua era demasiado pesada para colocarla en su ubicación prevista en el techo de la catedral. Un comité de artistas, incluidos Sandro Botticelli y Leonardo da Vinci, se reunió y decidió que la estatua debería colocarse en la entrada del Palazzo Vecchio de Florencia. En 1873 se trasladó al interior de la Galleria dell'Accademia en Florencia y se erigió una réplica en el sitio original.

Hay varios aspectos estéticos de la estatua de David que pueden estar relacionados con el tortuoso proceso mediante el cual fue encargada y creada. La figura, aunque musculosa, es más delgada que los físicos de culturista que son típicos de las otras obras de Miguel Ángel. Esto puede deberse a que la losa de mármol era estrecha, ya que se cortó teniendo en cuenta las estatuas más delgadas de la época de Donatello y Agostino. La ausencia de los accesorios tradicionales de David, una espada y la cabeza cortada de Goliat, puede deberse a que no había espacio para tallarlos en el bloque de mármol o posiblemente a que habrían sido invisibles una vez que la estatua se colocó en el techo de la catedral. . Del mismo modo, la mano derecha desproporcionadamente grande y la expresión facial prominente de David pueden haber sido exageradas para garantizar que fueran legibles para los espectadores en el suelo.


9 cosas que quizás no sepas sobre Miguel Ángel

1. Un rival celoso le rompió la nariz cuando era un adolescente.
Cuando era adolescente, Miguel Ángel fue enviado a vivir y estudiar en la casa de Lorenzo de & # x2019 Medici, entonces uno de los mecenas de arte más importantes de toda Europa. Su mano firme con un cincel y un pincel pronto lo convirtió en la envidia de todos sus compañeros. Un joven rival llamado Pietro Torrigiano se enfureció tanto con el talento superior de Miguel Ángel & # x2019 & # x2014 y quizás también con su lengua afilada & # x2014 que le dio un golpe en la nariz, dejándola destrozada y desfigurada permanentemente. & # x201CI le dio tal golpe en la nariz que sentí que huesos y cartílagos se hundían como galletas bajo mis nudillos, & # x201D Torrigiano se jactó más tarde, & # x201C y esta marca mía la llevará consigo a la tumba. & # x201D

2. Primero saltó a la fama después de un intento fallido de fraude artístico.
Al principio de su carrera, Miguel Ángel talló una estatua de cupido ahora perdida al estilo de los antiguos griegos. Al ver la obra, su mecenas Lorenzo di Pierfrancesco de & # x2019 Medici propuso una elaborada estafa. & # x201C Si lo preparas para que parezca que ha sido enterrado & # x201D Medici dijo, & # x201CI lo enviará a Roma y pasaría por una antigüedad, y lo venderías mucho más rentable. & # x201C # x201D Miguel Ángel estuvo de acuerdo, y el cupido falso fue vendido al cardenal Raffaele Riario con el pretexto de ser una maravilla arqueológica recientemente recuperada. Más tarde, Riario escuchó los rumores de la estafa y recuperó su dinero, pero quedó tan impresionado por la habilidad de Miguel Ángel que lo invitó a una reunión en Roma. El joven escultor se quedaría en la Ciudad Eterna durante los próximos años, y finalmente ganó un encargo para tallar la & # x201CPieta, & # x201D, la obra que primero hizo su nombre como artista.


Carácter de la ciudad

Florencia se fundó para controlar el único cruce practicable de norte a sur del río Arno hacia y desde los tres pasos a través de los Apeninos: uno a Faenza y dos a Bolonia. Dos arroyos delgados, Mugnone y Affrico, bajan por la ciudad para encontrarse con el Arno. El Affrico, no muy lejos de su nacimiento en los Apeninos, suele ser un gorgoteo a regañadientes en medio de amplios lechos de grava muy por debajo de los muelles, pero a veces se eleva y se hincha hasta convertirse en un poderoso arroyo que devasta la ciudad con inundaciones. El suministro de agua de la ciudad también ha servido como un activo, sin embargo, haciendo posible el lavado, batido y teñido de telas, lo que resultó en el desarrollo de una industria importante.

La posición de Florencia como una importante encrucijada entre Bolonia y Roma hizo que la ciudad fuera vulnerable a los ataques. Sus colinas ofrecían algo de protección, pero los ciudadanos, no obstante, se sintieron obligados a erigir muros imponentes durante el período 1285-1340, aunque los muros fueron demolidos en gran parte durante la expansión urbana en la década de 1860, su presencia anterior sigue siendo claramente visible en un cinturón de carreteras alrededor del original. ciudad. Además, debido a que la orilla sur más montañosa del Arno ha impedido el crecimiento urbano, se conservan segmentos de las murallas.

Más allá del centro histórico de Florencia, la ciudad se expandió en el siglo XX para adaptarse a las oleadas de migración. Se construyeron grandes proyectos de viviendas, como los de Isolotto (1954-1955). Estas zonas periféricas crecieron hasta dominar el centro de la ciudad, creando una especie de "sistema urbano abierto" —y un vasto y exitoso distrito industrial— que se extendía al noroeste hasta Prato y al sureste hasta Arezzo. Enormes ciudades satélites como Scandicci crecieron hasta rivalizar con el centro de Florencia.


Carrera temprana

Donatello (diminutivo de Donato) era hijo de Niccolò di Betto Bardi, un cardador de lana florentino. No se sabe cómo comenzó su carrera, pero parece probable que aprendiera a tallar piedra de uno de los escultores que trabajaban para la catedral de Florencia (el Duomo) hacia 1400. En algún momento entre 1404 y 1407 se convirtió en miembro del taller de Lorenzo Ghiberti, escultor en bronce que en 1402 había ganado el concurso de las puertas del Baptisterio. La primera obra de Donatello de la que hay cierto conocimiento, una estatua de mármol de David, muestra una deuda artística con Ghiberti, quien entonces era el principal exponente florentino del gótico internacional, un estilo de líneas elegantes y suavemente curvas fuertemente influenciadas por el arte del norte de Europa. los David, originalmente destinado a la catedral, fue trasladado en 1416 al Palazzo Vecchio, el ayuntamiento, donde se mantuvo durante mucho tiempo como símbolo cívico-patriótico, aunque a partir del siglo XVI fue eclipsado por el gigantesco David de Miguel Ángel, que tenía el mismo propósito. Todavía en parte de estilo gótico, otras obras tempranas de Donatello son la impresionante figura sentada en mármol de San Juan Evangelista (1408-15) para la fachada de la catedral de Florencia y un crucifijo de madera (1406-08) en la iglesia de Santa Croce. Este último, según una anécdota no probada, se realizó en competencia amistosa con Filippo Brunelleschi, escultor y arquitecto destacado.

Todo el poder de Donatello apareció por primera vez en dos estatuas de mármol, San Marcos y San Jorge (ambos terminados c. 1415), para nichos en el exterior de Orsanmichele, la iglesia de los gremios florentinos (San Jorge ha sido reemplazado por una copia (el original se encuentra ahora en el Museo Nazionale del Bargello). Aquí, por primera vez desde la antigüedad clásica y en marcado contraste con el arte medieval, el cuerpo humano se presenta como un organismo funcional autoactivable, y la personalidad humana se muestra con confianza en su propio valor. Las mismas cualidades se destacaron cada vez más en una serie de cinco estatuas de profetas que Donatello hizo a partir de 1416 para los nichos del campanario, el campanario de la catedral (todas estas figuras, junto con otras de maestros menores, fueron posteriormente trasladadas a el Museo dell'Opera del Duomo). Las estatuas eran de un profeta sin barba y barbudo, así como un grupo de Abraham e Isaac (1416–21) para los nichos orientales, los llamados Zuccone ("Calabaza", debido a su cabeza calva) y el llamado Jeremías (en realidad Habacuc) para los nichos occidentales. los Zuccone es merecidamente famoso por ser la más fina de las estatuas del campanario y una de las obras maestras del artista. Tanto en el Zuccone y el Jeremías (1427-1435), toda su apariencia, especialmente los rasgos muy individuales inspirados en los antiguos bustos de retratos romanos, sugiere oradores clásicos de singular fuerza expresiva. Las estatuas son tan diferentes de las imágenes tradicionales de los profetas del Antiguo Testamento que a finales del siglo XV podrían confundirse con estatuas de retratos.

Una tendencia pictórica en la escultura había comenzado con los paneles narrativos en relieve de Ghiberti para la puerta norte del Baptisterio, en los que extendía la aparente profundidad de la escena colocando figuras en primer plano redondeadas audazmente contra escenarios de paisaje y arquitectura modelados con más delicadeza. Donatello inventó su propio y atrevido modo de relieve en su panel de mármol San Jorge matando al dragón (1416-17). Conocido como schiacciato ("Aplanado"), la técnica involucró un tallado extremadamente superficial en todas partes, lo que creó un efecto de espacio atmosférico mucho más sorprendente que antes. El escultor ya no modeló sus formas de la forma habitual, sino que pareció "pintarlas" con su cincel.

Donatello continuó explorando las posibilidades de la nueva técnica en sus relieves de mármol de la década de 1420 y principios de la de 1430. Los más desarrollados de estos son La Ascensión, con Cristo entregando las llaves a San Pedro, que está tallada con tanta delicadeza que toda su belleza sólo se puede ver con una luz intensa Fiesta de Herodes (1433–35), with its perspective background. The large stucco roundels with scenes from the life of St. John the Evangelist (about 1434–37), below the dome of the old sacristy of San Lorenzo, Florence, show the same technique but with colour added for better legibility at a distance.

Meanwhile, Donatello had also become a major sculptor in bronze. His earliest such work was the more than life-size statue of St. Louis of Toulouse (c. 1423) for a niche at Orsanmichele (replaced a half-century later by Verrocchio’s bronze group of Christ and the doubting Thomas). About 1460 the San Louis was transferred to Santa Croce and is now in the museum attached to the church. Early scholars had an unfavourable view of San Louis, but later opinion held it to be an achievement of the first rank, both technically and artistically. The garments completely hide the body of the figure, but Donatello successfully conveyed the impression of harmonious organic structure beneath the drapery. Donatello had been commissioned to do not only the statue but the niche and its framework. The niche is the earliest to display Brunelleschi’s new Renaissance architectural style without residual Gothic forms. Donatello could hardly have designed it alone Michelozzo, a sculptor and architect with whom he entered into a limited partnership a year or two later, may have assisted him. In the partnership, Donatello contributed only the sculptural centre for the fine bronze effigy on the tomb of the schismatic antipope John XXIII in the Baptistery the relief of the Assumption of the Virgin on the Brancacci tomb in Sant’Angelo a Nilo, Naples and the balustrade reliefs of dancing angels on the outdoor pulpit of the Prato Cathedral (1433–38). Michelozzo was responsible for the architectural framework and the decorative sculpture. The architecture of these partnership projects resembles that of Brunelleschi and differs sharply from that of comparable works done by Donatello alone in the 1430s. All of his work done alone shows an unorthodox ornamental vocabulary drawn from both Classical and medieval sources and an un-Brunelleschian tendency to blur the distinction between the architectural and the sculptural elements. Both the Annunciation tabernacle in Santa Croce and the Cantoria (the singer’s pulpit) in the Duomo (now in the Museo dell’Opera del Duomo) show a vastly increased repertory of forms derived from ancient art, the harvest of Donatello’s long stay in Rome (1430–33). His departure from the standards of Brunelleschi produced an estrangement between the two old friends that was never repaired. Brunelleschi even composed epigrams against Donatello.

During his partnership with Michelozzo, Donatello carried out independent commissions of pure sculpture, including several works of bronze for the baptismal font of San Giovanni in Siena. The earliest and most important of these was the Feast of Herod (1423–27), an intensely dramatic relief with an architectural background that first displayed Donatello’s command of scientific linear perspective, which Brunelleschi had rediscovered only a few years earlier. To the Siena font Donatello also contributed two statuettes of Virtues, austerely beautiful figures whose style points toward the Virgin and angel of the Santa Croce Annunciation, and three nude putti, or child angels. These putti, evidently influenced by Etruscan bronze figurines, prepared the way for the bronze David, the first large-scale free-standing nude statue of the Renaissance. Well proportioned and superbly poised, it was conceived independently of any architectural setting. Its harmonious calm makes it the most classical of Donatello’s works. The statue was undoubtedly done for a private patron, but the identity is in doubt. Its recorded history begins with the wedding of Lorenzo the Magnificent in 1469, when it occupied the centre of the courtyard of the Medici palace in Florence. After the expulsion of the Medici in 1496, the statue was placed in the courtyard of the Palazzo Vecchio and eventually moved to the Bargello.

Whether or not the David was commissioned by the Medici, Donatello worked for them (1433–43), producing sculptural decoration for the old sacristy in San Lorenzo, the Medici church. Works there included 10 large reliefs in coloured stucco and two sets of small bronze doors, which showed paired saints and apostles disputing with each other in vivid and even violent fashion.


Final Years and Death

By 1455, Donatello had returned to Florence and completed Magdalene Penitent, a statue of a gaunt-looking Mary Magdalene. Commissioned by the convent at Santa Maria di Cestello, the work was probably intended to provide comfort and inspiration to the repentant prostitutes at the convent. Donatello continued his work taking on commissions from wealthy patrons of the arts. His lifelong friendship with the Medici family earned him a retirement allowance to live on the rest of his life. 

He died of unknown causes on December 13, 1466, in Florence and was buried in the Basilica of San Lorenzo, next to Cosimo de&apos Medici. An unfinished work was faithfully completed by his student Bertoldo di Giovanni.


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Comentarios:

  1. Fenrigore

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  2. Dumi

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  3. Siddell

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  4. Yasir

    En mi opinión, un tema muy interesante. Hablemos contigo en el PM.

  5. Maulrajas

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