La historia

¿Moderno temprano vs moderno tardío vs posmoderno?

¿Moderno temprano vs moderno tardío vs posmoderno?


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Con frecuencia me encuentro con estos tres términos, pero no he podido encontrar una fuente que explique la diferencia entre los tres con precisión.

Esto es lo que creo que sé ahora:

  • El período moderno temprano es aproximadamente entre los años 1500 y 1800. Comienza con la exploración europea y termina alrededor del período de la Revolución Francesa.

  • El período moderno tardío sigue al período moderno temprano y termina alrededor de la Segunda Guerra Mundial.

Ahora, aquí es donde estoy perdido:

1) ¿Se define el período moderno tanto por el período moderno temprano como por el período moderno tardío?

2) ¿Cómo encaja el período "posmoderno" en la imagen? Lógicamente, debería seguir el período moderno tardío, pero algunas fuentes también se refieren a este período como la "era moderna". Lo que no tiene sentido para mí porque no es la "era moderna", es "posmoderna".


Posmoderno

Esto es un cultural preferible a ciencia histórica término. Se refiere a la línea contemporánea de razonamiento que también se puede llamar ultrarrelativismo, es decir, no solo que cualquier declaración veracidad es relativo, pero su sentido también es relativo.

Moderno et al

Creo que esta terminologia fue como esto:

  1. Premoderno: 1500-1800
  2. Moderno: 1800-WW2
  3. Contemporáneo: posterior a la Segunda Guerra Mundial

Esta terminología tenía sentido hasta la caída del Muro de Berlín, pero ahora, creo, la siguiente división tiene más sentido:

  1. Premoderno: 1500-1800 (se sientan las bases para la dominación occidental)
  2. Moderno: 1800-1910 (Occidente domina el mundo de aspecto moderno)
  3. WW: 1910-1945 (el dominio de Occidente se desmorona mientras se guerrea contra sí mismo)
  4. Guerra Fría: 1945-1990 (Occidente está ahora dividido por líneas ideológicas más que puramente nacionales)
  5. Contemporáneo: 1990-ahora (muchos temas interrelacionados parecen críticos ahora, pero sabremos cuáles fueron realmente importantes solo cuando termine este período)

La línea de fondo

Si comete 4 errores tipográficos en la palabra "Leche", podrías conseguir la palabra"cerveza"en su lugar. La gente se siente libre de redefinir los términos que usan al contenido de su corazón.


Manzanas y naranjas.

No creo que existan definiciones oficiales, ni siquiera convencionales, para ninguno de estos términos; varían según el contexto. Si estás hablando con un paleontólogo, la definición de la era moderna será muy diferente a las definiciones que usa un historiador especializado en "Democracia" o "derechos de la mujer", o lo que sea.

"Posmoderno" no es, al menos en mi opinión, un término con un significado sólido en la historia. El posmodernismo tiene un significado en el arte y en la filosofía, pero no AFAIK en la historia. Un amigo mío ha sugerido el juego de beber posmoderno en el que cada jugador intenta definir "posmoderno". Todos toman un trago a menos que dos definiciones coincidan. Propone esto porque es la única forma de terminar cualquier discusión sobre lo que significa posmoderno. (y el proceso de terminar la discusión es lejos más agradable que la discusión) La mejor definición que he leído es en Perl, el primer lenguaje de programación posmoderno

¿Regla de oro?

  • Premoderno es la creencia de que yo tengo razón y tú estás equivocado.

  • Moderna es la creencia de que tengo razón y que cuando te haya explicado lo suficiente, te darás cuenta de que estás de acuerdo conmigo.

  • Posmoderno es la creencia de que ambos tenemos razón y que si dedicamos suficiente tiempo a hablar de eso, nunca lograremos hacer nada, por lo que el mejor curso de acción es ignorar el problema. (y de acuerdo con las reglas anteriores, a menos que esté de acuerdo conmigo, ambos estamos obligados a beber un trago ahora).


En holandés es mucho más fácil: 1500-1800 es el nieuwe tijd, que se traduce en nuevo tiempo, y 1800 hasta ahora es el período hedendaagse, que se traduce en período contemporáneo. Nunca escuché de una distinción para el período posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Sin embargo, quizás pueda ayudarlo con la primera pregunta: definimos el comienzo del período moderno temprano por eventos como la caída de Bizancio en 1453, la invención de la imprenta por Gutenberg en el mismo período y el descubrimiento de América por Colón. El final está definido principalmente por la revolución francesa y estadounidense, y la caída de Napoleón.

He oído hablar del período posmoderno antes, pero nunca en las clases de historia, solo en ciencias del comportamiento (en la escuela secundaria). Acabo de hacer una búsqueda rápida en Google y parece que casi todos los resultados son sobre literatura, arquitectura y cultura en general. Creo que rara vez se usa en la historia.


Los períodos en estos términos normalmente pertenecen a las artes (filosofía, teatro, bellas artes, etc.) y cómo se llevan a cabo en todas las disciplinas y campos del pensamiento. Las ideas que se inventan durante un período, alcanzan un nivel de aceptación y se incorporan a un nuevo pensamiento a medida que pasan las décadas, pueden ayudar a definir un nuevo período que sigue por el hecho de que se cosen en el trabajo del período nuevo / subsiguiente.

Por ejemplo, la filosofía de Friedrich Nietzsche: tomemos su trabajo sobre el ideal estético, se incorporó al pensamiento durante el período del modernismo y luego emergió de la literatura en un nuevo período, llamado posmodernismo. Puede verse en la literatura de los sesenta y setenta, y posteriormente. Lo mismo sucedió con Einstein, cuyo pensamiento sobre el espacio / tiempo, y Cezanne, cuyas pinturas experimentaron con estas ideas, se trasladó a la obra de Pablo Picasso a través de la modernidad y el posmodernismo.

Este es un resumen o perspectiva de cómo funcionan los períodos. Cuanto más estudie estas áreas, más claro será.


Los términos tienden a estar razonablemente bien definidos dentro de un campo de estudio, pero esencialmente no hay coordinación entre campos, al menos no en la anglosfera.

Por ejemplo, en lingüística histórica, el inglés moderno temprano es el período del idioma desde el comienzo de la dinastía Tudor hasta la Restauración, cuando comenzó la transición a la forma moderna del idioma. El inglés medio, antes de los Tudor, es bastante difícil de leer para los hablantes de inglés moderno. El inglés moderno temprano, como el idioma original de la Biblia King James y de Shakespeare, es bastante comprensible, aunque la ortografía a menudo se moderniza hoy en día. El verdadero inglés moderno se escribió desde mediados del siglo XVIII en adelante y no presenta ningún problema, aunque a menudo es posible saber aproximadamente cuándo se escribió algo mediante el cambio de modas en el uso de palabras y modismos.

Así que el inglés moderno se formó antes del final del período moderno temprano del OP, y no hay un período "posmoderno" en lingüística; como han dicho otros, ese es un término cultural, más que histórico.


Aquí hay una explicación cronológica de los períodos históricos (occidentales) mencionados anteriormente:

  1. Historia moderna temprana: comienza con el Renacimiento del norte de Italia alrededor del 1400 d.C./CE. El período moderno temprano también incluye, el surgimiento de Iberia- (España y Portugal) durante el 1500, seguido por el 1600- (el surgimiento del Imperio Holandés y la Inglaterra isabelina).

  2. Historia moderna tardía: comienza con el 1700, específicamente, con el surgimiento de la Ilustración en Francia, seguido por el surgimiento de Inglaterra como una gran potencia financiera y tecnológica, a través de la Revolución Industrial, la Era Victoriana, por la cual gran parte del colonialismo británico se expandió durante esta vez bajo la reina Victoria, así como The Romantic Age, que produjo grandes poetas, como Byron, Wordsworth & Keats. La Edad Moderna tardía también produjo algunos de los escritores más importantes de la historia, como Dickens, Marx y Darwin. Y, por supuesto, gran parte del siglo XX también es parte de la Edad Moderna tardía, que terminó con el colapso / implosión del comunismo global y su epicentro, la Unión Soviética en 1991.

  3. Historia posmoderna: Este es el período histórico contemporáneo, que comienza inmediatamente después del colapso de la Unión Soviética. Hemos vivido en el período posmoderno desde 1992, es decir, una era postsoviética / poscomunista (e incluso postindustrial), que ayudó a engendrar la era de la información, así como la era de la información. Globalización. La era de la información ha "deconstruido" y sigue "deconstruyendo" la convencionalidad moderna a través de nuestros modos de comunicación y pensamiento, y la era de la globalización ha transformado el movimiento de capital y negocios en empresas e industrias mundiales. Tanto la información como la globalización tienen una relación simbiótica en la que una necesita a la otra. La era de la información es inherentemente global y la era de la globalización se ve reforzada por el acceso mundial a la información.


Diferencia entre el Renacimiento y los primeros estudios modernos

Cuando decimos Renacimiento nos referimos simplemente al renacimiento del conocimiento clásico y tratamos de abordar este período desde el punto de vista del griego clásico. Pero cuando decimos estudios modernos tempranos, estamos tratando de acercarnos a este período en vista de los desarrollos que ocurrieron después del Renacimiento. Sin embargo, no anulamos la importancia del período clásico, sino que simplemente damos más importancia a los desarrollos posteriores de la modernidad.
El término Renacimiento del período del siglo XV y XVI se dio solo en el siglo XIX. Pero la modernidad temprana es mucho más reciente, asociada en particular con la Escuela de Historiadores de los Annales desde la década de 1940 en Francia y más tarde en Inglaterra.
Tanto el Renacimiento como la modernidad temprana están cambiando cronológicamente, el Renacimiento apunta a los fenómenos culturales europeos, que comenzaron alrededor del siglo XII. Los eruditos del Renacimiento están menos preocupados por el final del Renacimiento. Su preocupación es cómo fechar el Renacimiento, cómo vincularlo a la antigua cultura helénica y cómo aislarlo de su pasado reciente. Pone a consideración objetiva de otra época histórica. El Renacimiento se vuelve hacia el pasado y se preocupa por el origen y las influencias. Pero la modernidad temprana señala objetivos distintos para los historiadores. Ha surgido como una reacción contra el elitismo y la miopía cultural de la historia del Renacimiento. Señala un debilitamiento de los límites disciplinarios. Cuestiona la estructura particularizada del estudio literario. Rompe el segmento tradicional de los estudios literarios y destruye los estudios literarios como categoría autónoma de actividad intelectual. El pasado y el presente están fuera de foco de los primeros estudios modernos.
El paso del Renacimiento a los primeros estudios modernos muestra las realidades de clase del período del Renacimiento, esas realidades que parecen quedar fuera cuando nos acercamos a la época con el término Renacimiento. Pero cuando nos acercamos a la época con los primeros estudios modernos, se incluyen las realidades de clase predominantes, incluso de las personas de clase baja. La edad comienza a incluir la cultura de la gente de clase baja. Una de las implicaciones de este cambio es tener no solo un enfoque literario de esa época o un enfoque de una sola asignatura, sino tener un enfoque interdisciplinario.
Según Lee S. Marcus, mirar al Renacimiento a través de la lente llamada "temprano moderno" es ver las preocupaciones del modernismo y el posmodernismo en embrión. Marcus dice que el término Renacimiento, porque significa renacimiento, sugiere celebración, optimismo y un sentimiento de optimismo. Cuando nos sentimos optimistas y cuando estamos de humor para celebrar, hablamos solo de cosas buenas. En el Renacimiento, sin embargo, también hubo cosas feas. El asesinato de mujeres en nombre de las brujas, el asesinato de personas a las que se les ocurrieron nuevas ideas científicas, no se habla de nada. Pero si estudiamos la época desde el punto de vista de la Edad Moderna, todas estas cosas entrarán en discusión. Entonces, el escritor reemplaza el Renacimiento con principios de la Edad Moderna.
Otra diferencia es la formación de palabras de la palabra & ldquoRenaissance & rdquo. Escribimos Renacimiento, la primera palabra está en mayúscula para dar importancia a la alta cultura. Capitalizamos su primera letra porque le da importancia a la alta cultura. Pero las letras iniciales de principios de la Edad Moderna no están en mayúscula.
Marcus dice que los escritos y la cultura del Renacimiento están adecuadamente patrocinados por las élites porque las élites controlan la producción artística a través del patrocinio. Entonces, los eruditos del Renacimiento solo señalan las brillantes imágenes idealizadas de la vida cultural durante el período. Pero el enfoque moderno temprano privilegia los valores de las clases bajas sobre los valores de la élite y los rsquos, o privilegia el margen sobre el centro.
Otra diferencia es que cuando decimos renacimiento también es ruptura, disyunción, pero no hablamos de disyunción cuando estudiamos ese período bajo el Renacimiento. Pero si adoptamos el enfoque moderno temprano, naturalmente tendemos a hablar de disyunción.
Del mismo modo, los eruditos del Renacimiento no incluyen a las escritoras. Pero los primeros eruditos modernos abarcan tanto a escritoras como a grupos marginales. Revive a escritoras marginadas como Elizabeth Carey, la reina Isabel I y Mary Wroth.
También ha habido un cambio de cultura alta a cultura baja. Por Renacimiento nos referimos a la cultura alta o de élite. Los géneros relacionados con las partes más bajas de la sociedad no se enseñaron ni se incluyeron en el canon. Sólo el poema lírico, uno de los géneros elitistas, fue considerado bueno, pero cuando decimos estudios modernos tempranos no negamos la existencia de la alta cultura, también reconocemos la baja cultura en su significado.
Por último, el Renacimiento revela la posibilidad de la objetividad, mientras que la modernidad temprana desarrolla preocupaciones sobre el modernismo, el posmodernismo y la indeterminación textual.


Americano temprano (1640 a 1700)

El período americano temprano fue realmente el primer período en el que un estilo distintivo comenzó a aparecer dentro de los muebles de las colonias que iban más allá de la mera practicidad. Las tallas ornamentales, los remates, los paneles en relieve y los muebles de madera fueron el sello distintivo de este período. La mayor parte de la carpintería fue de la variedad de mortaja y espiga, con pino, cerezo, abedul, arce, roble y maderas de frutas como el manzano, que comprenden la mayoría de las maderas duras y blandas utilizadas para estas piezas.


Diferencia entre modernismo y posmodernismo

Cada persona tiene sus propias creencias y filosofía en la vida, y cada uno tiene su propia mentalidad. Cuando conoce a otras personas con los mismos puntos de vista que los suyos, pueden crear una escuela de pensamiento y compartir una filosofía, creencia, opinión y disciplina comunes. A lo largo de la historia de la humanidad, existieron varias escuelas de pensamiento, siendo el modernismo y el posmodernismo más relevantes e influyentes para la gente de hoy.

El modernismo es una escuela de pensamiento o un movimiento que tuvo lugar a finales del siglo XIX y principios del XX. Implicó un movimiento de reforma en el arte, la música, la literatura y las artes aplicadas. Se basó en el pensamiento racional, la lógica y el proceso científico. Su objetivo era crear una visión clara y racional del mundo creyendo que a través de la ciencia y la razón, la humanidad puede avanzar y crecer. Abogó por la creencia de que hay mucho que aprender del pasado que podría ser beneficioso para el presente.

El modernismo apoyó la creencia de que la vida tiene un propósito y que debe verse de manera objetiva. Los modernistas tenían una visión optimista del mundo y creían que hay valores y éticas que deben seguirse. No estaban muy preocupados por la política y pensaron más en cosas importantes. La era del modernismo fue una época de avance artístico y literario. Abundaban las grandes obras de arte y literatura, así como de música, arquitectura, poesía y ciencia. Las obras modernistas fueron admiradas por su sencillez y elegancia.

El posmodernismo, por otro lado, es una escuela de pensamiento o un movimiento que tuvo lugar después de la Segunda Guerra Mundial, pero ganó popularidad en la década de 1960. Fue una época caótica difícil de comprender y de advertir. Abogó por la creencia de que no existe una verdad universal. Utilizaba un enfoque no científico de la vida y creía que todas las cosas son irracionales. Los posmodernistas creían en el azar y la fugacidad. Cuestionaron la racionalidad del modernismo, sus principios y pensamiento. Creían que no hay conexión entre el pasado y el presente y que los eventos pasados ​​son irrelevantes en el presente.

La era posmodernista se caracterizó por el avance de la tecnología y su uso en la música, el arte y la literatura. Se pueden encontrar muy pocas obras originales de artistas durante este tiempo, y se copiaron obras anteriores. Los artistas posmodernistas se inspiran y se basan en las obras originales de los artistas modernistas.

1.El modernismo es una escuela de pensamiento que tuvo lugar a fines del siglo XIX y principios del siglo XX, mientras que el posmodernismo es una escuela de pensamiento que tuvo lugar después de la Segunda Guerra Mundial.
2. El modernismo defendía el pensamiento racional y el uso de la ciencia y la razón para el avance del hombre, mientras que el posmodernismo creía en la irracionalidad de las cosas.
3. La era modernista se caracterizó por las obras originales sencillas y elegantes de talentosos artistas mientras que la era posmodernista se caracterizó por el avance de la tecnología y su uso en diferentes medios.
Los modernistas creían en la verdad universal, mientras que los posmodernistas no.
Los posmodernistas eran muy políticos, mientras que los modernistas no lo eran.


Las similitudes

También hay características similares en ambos estilos. Es probable que de aquí se deba gran parte de la confusión al intentar distinguirlos. Ambos estilos tienden a favorecer espacios simples y despejados con líneas suaves y limpias y un estilo artístico. Esto imparte una sensación cómoda y relajante en una habitación que es muy acogedora.

Ningún estilo prefiere diseños ornamentados o elementos pesados. Sin embargo, los espacios contemporáneos pueden modificar esta regla con frecuencia a medida que cambian las tendencias. En ambos estilos, los sofás, sillas y otomanas tienen patas expuestas. Cada uno de ellos tiende a gravitar hacia superficies reflectantes como metales expuestos y vidrio. También encontrará mucha madera expuesta en ambos estilos, desde vigas estructurales hasta mesas auxiliares de madera en bruto con bases de metal.


Pregúntele a un experto: ¿Cuál es la diferencia entre el arte moderno y posmoderno?

Todas las tendencias se aclaran con el tiempo. Mirando el arte incluso después de 15 años, & # 8220 puedes ver los patrones un poco mejor & # 8221, dice Melissa Ho, curadora asistente en el Museo Hirshhorn. & # 8220Hay tendencias más grandes y profundas que tienen que ver con cómo vivimos en el mundo y cómo lo estamos experimentando. & # 8221

Entonces, ¿qué es exactamente el arte moderno? La pregunta, dice, es menos contestable que discutible interminablemente.

Técnicamente, dice Ho, el arte moderno es & # 8220 la expresión cultural del momento histórico de la modernidad & # 8221. Pero se cuestiona cómo desentrañar esa afirmación. Una forma de definir el arte moderno, o cualquier cosa en realidad, es describir lo que no es. La pintura y la escultura académicas tradicionales dominaron los siglos XVII, XVIII y XIX. & # 8220Se trataba de una técnica perfecta y fluida y del uso de esa técnica perfecta y fluida para ejecutar un tema muy bien establecido & # 8221, dice Ho.Había una jerarquía de géneros, desde pinturas históricas hasta retratos, naturalezas muertas y paisajes, y nociones de belleza muy estrictas. & # 8220Parte del triunfo de la modernidad es derribar los valores académicos, & # 8221, dice.

En una especie de reacción violenta al arte académico tradicional, el arte moderno se trata de expresión personal. Aunque no siempre ha sido así históricamente, explica Ho, & # 8220 ahora, parece casi natural que la forma en que se piensa en las obras de arte sea una expresión de una visión individual. & # 8221 El modernismo abarca una gran variedad de artistas y tipos. de arte. Pero los valores detrás de las piezas son muy similares. & # 8220Con el arte moderno, existe este nuevo énfasis puesto en el valor de ser original y hacer algo innovador & # 8221, dice Ho.

Edouard Manet y los impresionistas fueron considerados modernos, en parte, porque representaban escenas de la vida moderna. La Revolución Industrial trajo multitud de personas a las ciudades y surgieron nuevas formas de ocio en la vida urbana. Dentro de las galerías Hirshhorn & # 8217s, Ho señala a Thomas Hart Benton & # 8217s Gente de Chilmark, una pintura de una masa de hombres y mujeres enredados, que recuerda ligeramente a un Miguel Ángel clásico o Th & # 233odore G & # 233ricault & # 8217s famoso Balsa de la Medusa, excepto que se trata de una escena playera contemporánea, inspirada en la ciudad de Massachusetts donde Benton veraneaba. Asientos en primera fila, una pintura de un combate de box de George Bellows, cuelga cerca, al igual que tres pinturas de Edward Hopper, una titulada Orquesta de primera fila de espectadores esperando a que se corriera el telón.

En el arte del Renacimiento, se dio mucha importancia a la imitación de la naturaleza. & # 8220Entonces, una vez que se ha eliminado, se permite que florezca la abstracción & # 8221, dice Ho. Obras como Benton & # 8217s y Hopper & # 8217s son una combinación de observación e invención. Los cubistas, a principios del siglo XX, comenzaron a jugar con el espacio y la forma de una manera que deformaba la visión pictórica tradicional.

Los historiadores del arte suelen utilizar la palabra & # 8220autonomous & # 8221 para describir el arte moderno. & # 8220La lengua vernácula sería & # 8216art for art & # 8217s sake, & # 8217 & # 8221 explica Ho. & # 8220No & # 8217t tiene que existir para ningún tipo de valor de utilidad que no sea su propia razón existencial de ser. & # 8221 Entonces, evaluar el arte moderno es una bestia diferente. En lugar de preguntar, como se haría con una pintura de historia, sobre narrativa & # 8212 ¿Quién es el personaje principal? ¿Y cuál es la acción? & # 8212evaluar una pintura, digamos, de Piet Mondrian, se convierte más en composición. & # 8220Se trata de la tensión compositiva, & # 8221 dice Ho, & # 8220 el equilibrio formal entre el color, la línea y el volumen por un lado, pero también su extrema pureza y rigor. & # 8221

Según Ho, algunos dicen que el modernismo alcanza su punto máximo con el expresionismo abstracto en Estados Unidos durante la era de la Segunda Guerra Mundial. Cada artista del movimiento intentó expresar su genio y estilo individual, particularmente a través del tacto. & # 8220Así que tienes a Jackson Pollock con su pintura goteando y tirando, & # 8221 dice Ho. & # 8220 Obtienes a Mark Rothko con sus campos de color muy luminosos y finamente pintados. & # 8221 Y, a diferencia de la pincelada invisible en las pinturas académicas muy vidriadas, los trazos en las pinturas de Willem de Kooning son sueltos y, a veces, gruesos. & # 8220 Realmente puedes sentir cómo se hizo, & # 8221 dice Ho.

Sin embargo, poco después de la Segunda Guerra Mundial, las ideas que impulsaban el arte comenzaron a cambiar nuevamente. El posmodernismo se aleja del enfoque moderno en la originalidad, y el trabajo es deliberadamente impersonal. & # 8220 Ves mucho trabajo que utiliza medios mecánicos o cuasi-mecánicos o medios no calificados & # 8221, dice Ho. Andy Warhol, por ejemplo, usa serigrafía, en esencia eliminando su toque directo, y elige temas que juegan con la idea de la producción en masa. Mientras que artistas modernos como Mark Rothko y Barnett Newman tomaron decisiones de color que estaban destinadas a conectar emocionalmente con el espectador, artistas posmodernos como Robert Rauschenberg introducen el azar en el proceso. Se sabía que Rauschenburg, dice Ho, compraba pintura en latas sin marcar en la ferretería.

& # 8220 El posmodernismo está asociado con la deconstrucción de la idea, & # 8216 Yo soy el genio artístico y tú me necesitas & # 8217 & # 8221 dice Ho. Artistas como Sol LeWitt y Lawrence Weiner, con obras en el Hirshhorn, eluden aún más la autoría. Weiner & # 8217s pieza titulada & # 8220 UNA BOLA DE GOMA LANZADA AL MAR, Cat. No. 146, & # 8221, por ejemplo, se exhibe en el museo en letras grandes, azules, sans-serif. Pero Weiner estaba abierto a que las siete palabras se reprodujeran en cualquier color, tamaño o fuente. & # 8220 Podríamos haber tomado un marcador y escribirlo en la pared, & # 8221 dice Ho. En otras palabras, Weiner consideró que su papel como artista se trataba más de concepción que de producción. Asimismo, algunos de los dibujos de LeWitt & # 8217 de finales de la década de 1960 son básicamente dibujos por instrucción. Proporciona instrucciones pero, en teoría, cualquiera puede ejecutarlas. & # 8220En esta generación de la posguerra, existe esta tendencia, en cierto modo, hacia la democratización del arte & # 8221, dice Ho. & # 8220Como el dibujo de Sol LeWitt, es esta opinión que cualquiera puede hacer arte. & # 8221

Etiquetas como & # 8220modern & # 8221 y & # 8220postmodern, & # 8221 y tratar de precisar las fechas de inicio y finalización de cada período, a veces molestan a los historiadores del arte y a los curadores. & # 8220He escuchado todo tipo de teorías, & # 8221 dice Ho. & # 8220 Creo que la verdad es que la modernidad no ocurrió en una fecha determinada. Fue esta transformación gradual la que ocurrió durante un par de cientos de años. & # 8221 Por supuesto, las dos ocasiones en las que, por razones prácticas, es necesario fijar fechas son cuando se imparten cursos de historia del arte y se organizan museos. En la experiencia de Ho & # 8217, el arte moderno generalmente comienza alrededor de la década de 1860, mientras que el período posmoderno se arraiga a finales de la década de 1950.

El término & # 8220contemporary & # 8221 no está asociado a un período histórico, como son modernos y posmodernos, sino que simplemente describe el arte & # 8220 de nuestro momento & # 8221. contemporáneo. El problema inevitable con esto es que da lugar a un cuerpo de trabajo contemporáneo en constante expansión del que son responsables profesores y curadores. & # 8220Solo tienes que estar atento a cómo van estas cosas, & # 8221 aconseja Ho. & # 8220Creo que se van a redefinir. & # 8221


¿Qué es el modernismo tardío?

Bienvenido de nuevo a Critical Eye, la columna de arquitectura incisiva, observadora, curiosa, amigable con los humanos y la calle de Alexandra Lange para Curbed. En esta edición, Lange señala la próxima era de arquitectura digna de ser preservada, ahora que el modernismo (mediados de siglo, estilo internacional) se ha convertido en un aceptado cause célèbre. Lo primero es lo primero: ¿Qué define a este llamado "Modernismo tardío", de todos modos?

Si los que no son arquitectos conocen el Citicorp Center, el monumento más joven de Nueva York cuando se lo designa en 38, lo conocen por su defecto. Poco después de su finalización en 1978, un estudiante llamó a la oficina de su ingeniero, William J. LeMessurier, y preguntó acerca de las cuatro "super" columnas de 24 pies cuadrados y 100 pies de altura, inusualmente ubicadas en el centro de cada una de las las fachadas del rascacielos, que ayudan a sostener el edificio.

Al diseñar el innovador sistema estructural del edificio, LeMessurier había calculado correctamente la fuerza del viento que golpeaba directamente cada cara del edificio, pero no había tenido en cuenta la tensión adicional de los vientos de "acuartelamiento" que golpeaban las esquinas en voladizo del edificio. Al responder a las preguntas del estudiante, se dio cuenta de que había cometido un error, agravado por la sustitución de juntas estructurales atornilladas por soldadas, que son mucho más fuertes. Según sus cálculos, una tormenta lo suficientemente fuerte como para derribar el edificio golpea la ciudad cada 55 años.

El Centro Citicorp. Norman McGrath

LeMessurier alertó a Citicorp, quien contrató a Leslie E. Robertson, ingeniero de las Torres Gemelas, para realizar una reparación ex post facto, "soldar placas de acero de dos pulgadas de espesor sobre cada una de las más de doscientas uniones atornilladas", una tarea que requirió dos meses. Un comunicado de prensa emitido en ese momento muestra un uso magistral de la voz pasiva: “Recientemente se realizó una revisión de las especificaciones de designación del Citicorp Center. . . [esto] hizo que los ingenieros recomendaran que algunas de las conexiones en el sistema de arriostramiento contra el viento de Citicorp Center se fortalecieran mediante soldadura adicional. . . no hay peligro. "

Todo esto habría permanecido oculto por ese lenguaje suave, si no fuera por alguna charla suelta en la fiesta. "The Fifth-Nine Story Crisis" fue el título de la emocionante historia del New Yorker de 1995 escrita por Joe Morgenstern sobre la solución de un episodio 99% Invisible de 2004 que también contaba la historia, con la importante actualización de la identificación de la estudiante, una mujer, ya que sucedió, llamada Diane Hartley.

Pero esas "super" columnas, ahora lo suficientemente fuertes, dicen los ingenieros, "para resistir una tormenta de setecientos años", hicieron mucho más que provocar ataques cardíacos a los ingenieros.

Bajo los voladizos de 72 pies de Citicorp se encontraba uno de los primeros complejos de uso mixto de Nueva York, una ciudad a la sombra de la torre, con un patio público hundido en terrazas, un mercado de tres niveles y 277,000 pies cuadrados coronado con un (todavía -faltado) Conran's, y una iglesia revestida de granito en forma de gema, St. Peter's, que se parece un poco a un fragmento del bloque revestido de acero satinado de 59 pisos.

Interior del Citicorp Center. Norman McGrath

Citicorp Center fue el primer gran encargo del arquitecto Hugh Stubbins y sería su único rascacielos en Nueva York. En la parte superior, el edificio parece cortado en un ángulo de 45 grados, lo que lo hace reconocible instantáneamente en el horizonte. Originalmente, se suponía que esa inclinación simple debía contener apartamentos escalonados, como un resort frente a la playa en el cielo, y luego un panel solar. Al final, es solo un ángulo, pero es suficiente.

Las columnas musculosas y los estribillos estructurales, el eje sorprendentemente liso y la geometría algo tosca hacen de Citicorp un ejemplo ideal del modernismo tardío, un estilo con un nombre aburrido del que vas a escuchar mucho, mucho más, ahora que es Los edificios, como muchos de nosotros, se acercan a los 40 años. (En la ciudad de Nueva York, los edificios deben tener más de 30 años para ser considerados como un lugar emblemático. El Registro Nacional de Lugares Históricos generalmente considera que los sitios "históricos" tienen más de 50 años).

Mi hijo de nueve años está aprendiendo el ensayo de cinco párrafos este año y la maestra insiste en que cada párrafo tiene evidencia. Aquí está mi evidencia del reclamo del Modernismo tardío sobre nuestra atención: la designación histórica de Citicorp IM Pei Glass Pyramid en el Louvre, que acaba de recibir el premio AIA de 25 años de Gio Ponti, el edificio norte de 1971, parecido a un castillo, para el Museo de Arte de Denver, siendo restaurado para expandir el espacio de la galería y dar a los visitantes acceso al piso superior y sus hermosas vistas, como Ponti siempre pretendió que Pei 1978 East Building para la National Gallery of Art, renovado y con mejor aspecto que nunca.

Estos edificios exhiben formas robustas y atrevidas, envueltas en materiales singulares, pegando sus esquinas afiladas en nuestros rostros. Más refinado que el brutalismo, menos pintoresco que el posmodernismo, el modernismo tardío es lo que sucedió en la década de 1970 y principios de la de 1980 y, cuarenta años después, es historia.

En el sentido de las agujas del reloj, desde la parte superior izquierda: Pirámide de vidrio en el Louvre Pittsburgh Plate Glass Place Biblioteca pública de Seattle 100 Eleventh Avenue East Building para la National Gallery of Art North Building para el Denver Art Museum W.R. Grace. Edward Berthelot / Getty Images Paul Frankenstein / Flickr David / Flickr Kristina D.C. Hoeppner / Flickr Ver imágenes / UIG a través de Getty Images Jesse Varner / Flickr Peter Miller / Flickr

El crítico de arquitectura británico Charles Jencks celebró el Modernismo tardío en un libro de 1980 llamado, apropiadamente, Arquitectura tardía moderna, enfatizando el pragmatismo de los arquitectos de la época (voluntad de trabajar en proyectos corporativos a gran escala), su compromiso con el orden (rejillas), sus dramáticas secciones interiores (balcón sobre balcón). Los diseñadores de la época apostaron por “cubrir este espacio con membranas planas de un material homogéneo ya sea vidrio, nailon o ladrillo: la tendencia de las superficies pulidas ya sean marrones, azules o, más apropiadamente plateadas”.

Ese azul es revelador, porque aunque me apoyo mucho en los ejemplos de Nueva York, Los Ángeles tiene derecho a reclamar algunos de los mejores ejemplos del Modernismo tardío: la ballena azul de 1975 de César Pelli en el Pacific Design Center, a la que agregó hermanos verdes y rojos. durante las próximas cuatro décadas. (Los edificios azul y verde se convirtieron en recursos culturales designados de la ciudad de West Hollywood en 2003).

Pelli y Anthony Lumsden eran colegas en la oficina de Eero Saarinen, donde trabajaron en Ur-Late Modern Bell Labs, también conocido como "el espejo más grande de todos los tiempos". Lumsden no había podido convencer a Kevin Roche de que utilizara un parteluz invertido para ese proyecto, lo que habría dejado la superficie suave como la piel. Lumsden recordó la idea cuando trabajó con Pelli en DMJM, en Los Ángeles, refiriéndose a sus edificios posteriores como "la estética de la membrana".

Los defensores de la costa oeste de Late Modern se agruparon brevemente para una exhibición de UCLA en 1976 como los Silver, el brillo, el vidrio reflectante y el revestimiento de metal, todos protagonistas dominantes en su ejecución, en contraste con los austeros planos corbusianos de The Whites y las tejas historicistas de The Grays. Para el marrón, está la Fundación Ford, justo en la cúspide, y los largos balcones gris-marrón de Edward Bassett para la sede de Weyerhaeuser de 1971 de SOM, destinados a ser oscurecidos por las enredaderas que se derraman.

El Modernismo tardío es un estilo sin teoría, practicado por arquitectos que intentaban construir su camino para salir de los rendimientos decrecientes de las copias miesianas. Donde una torre de Mies (y sus numerosas imitaciones) parece chupar sus mejillas, la torre de la Modernidad tardía se llena de borde a borde, presionando visualmente sus espejos mientras se mantiene dentro de las líneas. Esas líneas incluyen triángulos, chaflanes, escalones y la curva ocasional, pero rara vez simetría bilateral.

El Modernismo tardío se transforma en posmodernismo con proyectos como el Pittsburgh Plate Glass Place de Philip Johnson y John Burgee, que hace referencia directa a la arquitectura gótica. La presión sobre la piel crea tensión en una esquina cortada, o un espacio estrecho como el que hay entre las dos torres trapezoidales en el Pennzoil Place 1975 de Johnson y Burgee en Houston.

Uno de los problemas del Modernismo tardío, en lo que respecta a la conservación, puede ser su clientela a gran escala y, a menudo, corporativa. Como ha señalado Kazys Varnelis, “el modernismo ya no era revolucionario para los últimos modernos. En cambio, trabajaron para dar forma física a las grandes empresas y al gran gobierno. Como estos serían objeto de críticas mordaces en la década de 1960, los últimos modernos se verían afectados junto con ellos ". En 99 Percent Invisible, Kate Wagner recientemente llamó la atención sobre una crítica latente de Late Modern incrustada en películas populares: edificios grandes e ilegibles sin entradas claras a menudo sirven como oficinas centrales para Evil, Inc.

Es útil tener un argumento emocional que acompañe al histórico cuando se lucha por la vida de un edificio. En los recuerdos de la infancia de mi esposo en Manhattan, dos edificios en picada, W.R. Grace en West 42nd Street (Gordon Bunshaft para SOM, 1974) y el edificio Solow en 57th (mismo arquitecto, el mismo año), se destacan como anomalías dramáticas.

Pero, ¿alguien quiere abrazar o proponer matrimonio en el atrio público del IBM Building? Un pequeño ejemplo raro es la estación de conmutación AT & ampT de 1978 de Paul Kennon en Columbus, Indiana, una caja de espejos a la escala de las calles minoristas circundantes del siglo XIX, vestida con "tubos de órgano" de arcoíris que ocultan los sistemas mecánicos.

Uno de mis argumentos a favor de la preservación del Ambassador Grill y el vestíbulo del UN Plaza Hotel, aún en el aire con la Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de la Ciudad de Nueva York, fue que eran espacios de destino distintivos en los que se creaban recuerdos. ¿No hay diplomáticos que puedan hablar de acuerdos internacionales negociados bajo ese cielo reflejado?

Iglesia de San Pedro de Lella Vignelli. Norman McGrath

Del mismo modo, es una pena que los interiores religiosos estén exentos de la Ley de Monumentos Históricos, porque el cálido diseño de inspiración escandinava de Massimo y Lella Vignelli para la Iglesia de San Pedro, un diamante incrustado en la base del voladizo de Citicorp, se ve mejor que nunca, hacia abajo. al bordado Op Art bargello en los cojines de los asientos. Muchos matrimonios modernistas han elegido ese telón de fondo.

Y, sin embargo, algunos de los arquitectos más famosos de la actualidad deberían ser los principales defensores del estilo, porque no tendríamos algunos de los edificios más esperados de la ciudad de 2016, 2017 y más allá sin el Modernismo Tardío.

Solo mire el horizonte de Nueva York: el parabaloide hiperbólico de BIG en West 57th Street no es la única pirámide vidriosa que recorre el paisaje: está la sede de College Life Insurance de Roche Dinkeloo en Indianápolis, terminada en 1972. Herzog & amp De Meuron's 56 Leonard, donde está el muro cortina parece llevado al límite para contener suavemente la presión de esas cajas y balcones que se abren, es el hijo de desmaterializaciones anteriores del rectángulo de vidrio tonto que incluye la Torre Trump de 1983 de Der Scutt. (Cual es, ritmo el horrible vestíbulo de mármol, un edificio bastante bueno. Intente verlo en blanco y negro en algún momento cuando todos estemos más tranquilos y el acceso público esté completamente restaurado).

La asimetría y la vidriosidad, combinadas con el derring-do estructural y las plantas a las que se les pide que funcionen a la escala de la ciudad, como en la propuesta de BIG Spiral for Hudson Yards y (menos probable) 2 World Trade Center, son totalmente au courant. Mirando hacia atrás, las lentejuelas de Jean Nouvel en 100 Eleventh Avenue en el barrio de Chelsea de Manhattan, y los ángulos de OMA en la Biblioteca Pública de Seattle, también son hijos del Modernismo Tardío.

El horizonte de la ciudad es una lección de historia de la arquitectura, y un dedo demasiado vivo en el botón de borrar roba el presente de significado y el pasado de presencia. El 432 Park Avenue de Rafael Vinoly todavía me parece tremendamente fuera de lugar, pero sé que con el tiempo me resultará familiar.

Escanear el horizonte de Manhattan desde la autopista Brooklyn-Queens Expressway es una buena manera de elegir los íconos de los también rans, y el edificio Citicorp presenta el carácter de una manera que One Bryant Park nunca lo hará. El Modernismo tardío, nacido del capital, habla de la forma en que construimos ahora, reflejando literalmente la ambición de los creadores de formas de hoy.


¿Moderno temprano vs moderno tardío vs posmoderno? - Historia

1. Raíces del modernismo

Hasta hace poco, la palabra & lsquomodern & rsquo se usaba para referirse genéricamente a lo contemporáneo que todo arte es moderno en el momento en que se realiza. En su Il Libro dell'Arte (traducido como & lsquoThe Craftsman & rsquos Handbook & rsquo) escrito a principios del siglo XV, el escritor y pintor italiano Cennino Cennini explica que Giotto hizo la pintura & lsquomodern & rsquo [ver BIBLIOGRAFÍA]. Giorgio Vasari, escribiendo en el siglo XVI, se refiere al arte de su propio período como & lsquomodern. & Rsquo [ver BIBLIOGRAFÍA]

En la historia del arte, sin embargo, el término & lsquomodern & rsquo se usa para referirse a un período que data aproximadamente desde la década de 1860 hasta la de 1970 y describe el estilo y la ideología del arte producido durante esa época. Es este uso más específico de lo moderno el que se pretende cuando la gente habla de arte moderno. El término & lsquomodernism & rsquo también se usa para referirse al arte del período moderno. Más específicamente, se puede pensar que el & lsquomodernism & rsquo se refiere a la filosofía del arte moderno.

En el título de su libro de 1984 [ver BIBLIOGRAFÍA], Suzi Gablik pregunta "¿Ha fracasado el modernismo?" ¿Qué quiere decir ella? ¿Ha fracasado el modernismo simplemente en el sentido de llegar a su fin? ¿O quiere decir que el modernismo no logró algo? El presupuesto de este último es que el modernismo tenía metas que no logró. Si es así, ¿cuáles eran estos objetivos?

Por razones que se aclararán más adelante en este ensayo, las discusiones sobre el modernismo en el arte se han expresado principalmente en términos formales y estilísticos. Los historiadores del arte tienden a hablar de la pintura moderna, por ejemplo, como preocupada principalmente por las cualidades del color, la forma y la línea aplicadas de manera sistemática o expresiva, y marcada a lo largo del tiempo por una creciente preocupación por la planitud y un interés decreciente en el tema. En general, se acepta que el modernismo en el arte se originó en la década de 1860 y que el pintor francés & Eacutedouard Manet es el primer pintor modernista. Pinturas como la suya Le D & eacutejeuner sur l'herbe (& lsquoLuncheon on the Grass & rsquo) y Olimpia se considera que marcó el comienzo de la era del modernismo.


Y Eacutedouard Manet, Le D & eacutejeuner sur l'herbe
1863, óleo sobre lienzo (Mus & eacutee d'Orsay, París)

Y Eacutedouard Manet, Olimpia
1863, óleo sobre lienzo (Mus & eacutee d'Orsay, París)

Pero se puede plantear la pregunta: ¿Por qué pintó Manet Le D & eacutejeuner sur l'herbe y Olimpia? La respuesta estándar es: porque estaba interesado en explorar nuevos temas, nuevos valores pictóricos y nuevas relaciones espaciales.

Pero hay otra pregunta más interesante más allá de esto: Por qué ¿Manet estaba explorando nuevos temas, nuevos valores pictóricos y relaciones espaciales? Realizó una pintura modernista, sí, pero ¿por qué produjo tal obra?

Cuando Le D & eacutejeuner sur l'herbe fue exhibido en el Salon des Refus & eacutes En 1863, muchas personas se escandalizaron no solo por el tema, que muestra a dos hombres vestidos con ropas contemporáneas sentados casualmente en la hierba en el bosque con una mujer desnuda, sino también por la forma poco convencional en que estaba pintada. Dos años más tarde, el público se sorprendió aún más por su pintura de Olimpia que mostraba a una mujer desnuda, obviamente una demi-mondaine, mirando moralmente imperturbable al espectador, y pintado de una manera rápida y amplia contraria al estilo académico aceptado. ¿Por qué Manet estaba pintando cuadros que sabía que molestarían a la gente?

Es al intentar responder a preguntas como estas lo que nos obliga a adoptar una perspectiva mucho más amplia sobre la cuestión del modernismo. Es dentro de este contexto más amplio donde podemos descubrir los fundamentos de la filosofía del modernismo e identificar sus objetivos y metas. También revelará otra dimensión de la percepción del arte y la identidad del artista en el mundo moderno.

Las raíces del modernismo se encuentran mucho más profundas en la historia que a mediados del siglo XIX. Para los historiadores, el período moderno comienza en el siglo XVI, iniciando lo que se llama el Período Moderno Temprano, que se extiende hasta el siglo XVIII. Los fundamentos intelectuales del modernismo emergen durante el período del Renacimiento cuando, a través del estudio del arte, la poesía, la filosofía y la ciencia de la antigua Grecia y Roma, los humanistas revivieron la noción de que el hombre, más que Dios, es la medida de todas las cosas, y promovido a través de la educación ideas de ciudadanía y conciencia cívica. El período también dio lugar a visiones rsquo & lsquoutopianas & rsquo de una sociedad más perfecta, comenzando con Sir Thomas More utopía, escrito en 1516, en el que se describe una comunidad isleña ficticia con costumbres sociales, políticas y legales aparentemente perfectas.

En retrospectiva, podemos reconocer en el humanismo renacentista una expresión de esa confianza modernista en el potencial de los humanos para dar forma a sus propios destinos individuales y el futuro del mundo. También está presente la creencia de que los humanos pueden aprender a comprender la naturaleza y las fuerzas naturales, e incluso comprender la naturaleza del universo.

El pensamiento modernista que surgió en el Renacimiento comenzó a tomar forma como un patrón de pensamiento más amplio en el siglo XVIII. Cabe mencionar en primer lugar la denominada "Pelea de Antiguos y Modernos", una disputa literaria y artística que dominó la vida intelectual europea a finales del siglo XVII y principios del XVIII. El quid era la cuestión de si los modernos (es decir, los escritores y artistas contemporáneos) eran ahora moral y artísticamente superiores a los antiguos (es decir, los escritores y artistas de la antigua Grecia y Roma). Introducido por primera vez en Francia en 1687 por Charles Perrault, quien apoyaba a los Modernos, la discusión se retomó en Inglaterra, donde se satirizó como La batalla de los libros por Jonathan Swift.

También fue satirizado por William Hogarth en un grabado llamado La batalla de las imágenes, que muestra pinturas principalmente de maestros del Renacimiento y el Barroco que atacan las obras de Hogarth & rsquos de un tema equivalente pero más contemporáneo: una pintura del Viejo Maestro de un Penitente María Magdalena, por ejemplo, ataca la escena tres de la serie Hogarth & rsquos El progreso de la ramera y rsquos, mientras que un antiguo Fiesta de los dioses ataca la escena tres de Hogarth & rsquos El progreso de Rake & rsquos. En un caso, la antigua pintura romana del siglo I a. C. conocida hoy como la Boda Aldobrandini se muestra cortando el lienzo de la segunda escena de Hogarth & rsquos Matrimonio y agrave-la-Mode serie.


William Hogarth, La batalla de las imágenes, grabado y aguafuerte, 1743

Aunque Swift y Hogarth la trataron con humor, la & lsquoPelea de los antiguos y modernos & rsquo fue impulsada por preocupaciones más profundas que enfrentaron a la Autoridad institucionalizada, cuyo reclamo de poder estaba respaldado por la tradición, la costumbre, la ley y el linaje establecidos, contra individuos más progresistas que se irritaban bajo el restricciones que la Autoridad impuso a sus vidas y al funcionamiento de la sociedad. El conflicto introduce una dicotomía importante que seguiría siendo fundamental para la cuestión modernista: la división entre las fuerzas conservadoras, que tendían a apoyar el argumento de los Antiguos, y las fuerzas más progresistas que se ponían del lado de los Modernos.

En el siglo XVIII, la Ilustración vio la maduración intelectual de la creencia humanista en la razón como el principio rector principal en los asuntos humanos. A través de la razón, la mente alcanzó la iluminación, y para la mente iluminada, se abrió un mundo completamente nuevo y emocionante.

La Ilustración fue un movimiento intelectual cuyo estímulo más inmediato fue la llamada Revolución Científica de los siglos XVI y XVII cuando hombres como Johannes Kepler, Galileo Galilei e Isaac Newton, a través de la aplicación de la razón al estudio de lo natural. El mundo y los cielos habían realizado espectaculares descubrimientos científicos en los que se revelaron diversas verdades científicas.

La mayoría de las veces, estas verdades recién descubiertas chocaban con las creencias convencionales, especialmente las sostenidas por la Iglesia. Por ejemplo, contrariamente a lo que la Iglesia había mantenido durante siglos, el & lsquotruth & rsquo era que la Tierra giraba alrededor del sol. La idea de que & lsquotruth & rsquo pudiera descubrirse mediante la aplicación de la razón basada en el estudio fue tremendamente emocionante.

El pensador de mente abierta del siglo XVIII creía que prácticamente todo podía someterse a la razón: la tradición, las costumbres, la moral, incluso el arte. Pero, más que esto, se consideró que la & lsquotruth & rsquo así revelada podría aplicarse en las esferas política y social para & lsquocorregir & rsquo problemas y & lsquomejorar & rsquo la condición política y social de la humanidad. Este tipo de pensamiento dio lugar rápidamente a la emocionante posibilidad de crear una sociedad nueva y mejor.

La & lsquotruth & rsquo descubierta a través de la razón liberaría a las personas de las cadenas de instituciones corruptas como la Iglesia y la monarquía, cuyo pensamiento tradicional equivocado y viejas ideas habían mantenido a la gente subyugada en la ignorancia y la superstición. El concepto de libertad se convirtió en el centro de la visión de una nueva sociedad. A través de la verdad y la libertad, el mundo se convertiría en un lugar mejor.

Los pensadores progresistas del siglo XVIII creían que la suerte de la humanidad mejoraría enormemente a través del proceso de iluminación, si se les mostrara la verdad. Con la razón y la verdad en la mano, el individuo ya no estaría a merced de las autoridades religiosas y seculares, que habían construido sus propias verdades y las habían manipulado para sus propios fines egoístas. En la raíz de este pensamiento está la creencia en la perfectibilidad de la humanidad.

El pensamiento de la Ilustración describió a la raza humana como luchando hacia la autorrealización moral e intelectual universal. Se creía que la razón permitía el acceso a la verdad y el conocimiento de la verdad mejoraría a la humanidad. La visión que comenzó a tomar forma en el siglo XVIII fue la de un mundo nuevo, un mundo mejor. En 1762, Jean-Jacques Rousseau, en su Investigación sobre la naturaleza del contrato social, propuso que un nuevo sistema social debería basarse en "una igualdad moral y legítima, y ​​que los hombres, que pueden ser desiguales en fuerza o inteligencia, sean todos iguales por convención y derecho legal". contrato social, los individuos podían tanto preservarse como alcanzar la libertad. Estos principios fueron fundamentales para la noción de modernismo.

Tales declaraciones en apoyo de la libertad y la igualdad no solo se encuentran en los libros. En el siglo XVIII, se hicieron dos grandes intentos para poner en práctica estas ideas. Tales ideas, por supuesto, no eran populares entre los elementos conservadores y tradicionales, y su resistencia tuvo que ser superada en ambos casos mediante una revolución sangrienta.

El primer gran experimento para crear una sociedad nueva y mejor se llevó a cabo en lo que era literalmente el nuevo mundo y los nuevos ideales se expresaron por primera vez en el Declaración de la independencia de los Estados Unidos recién fundado en 1776. Es el pensamiento de la Ilustración el que informa frases como "creemos que estas verdades son evidentes por sí mismas" y que sustenta la noción "de que todos los hombres son creados iguales". El carácter mundano del documento se refleja en su preocupación declarada por el derecho del hombre a buscar la felicidad en su vida, lo que indica un cambio de una concentración cristiana centrada en Dios en la otra vida a una centrada en el individuo y la calidad de vida de una persona. También es fundamental la noción de libertad, la libertad fue declarada uno de los derechos inalienables del hombre.

En 1789, otra revolución sangrienta emprendida en Francia también intentó crear una nueva sociedad. Su objetivo era suplantar una estructura gubernamental opresiva centrada en una monarquía absoluta, una aristocracia con privilegios feudales y un clero católico poderoso, con nuevos principios ilustrados de ciudadanía, nacionalismo y derechos inalienables que los revolucionarios se unieron al grito de igualdad, fraternidad, y libertad.

Sin embargo, la Revolución Francesa no logró generar una sociedad radicalmente nueva en Francia. Rápidamente siguieron varios cambios de régimen que culminaron con la dictadura militar de Napoleón y rsquos, el establecimiento del Imperio napoleónico y, finalmente, la restauración de la monarquía en 1814. La actividad revolucionaria continuó, sin embargo, en 1830 y nuevamente en 1848. Se puede mencionar aquí una tercera gran intento de crear una nueva sociedad siguiendo las líneas fundamentalmente ilustradas que tuvo lugar a principios del siglo XX. La Revolución Rusa, iniciada en 1915, quizás la más idealista y utópica de todas, también fracasó.

Es en los ideales de la Ilustración donde se encuentran las raíces del Modernismo y el nuevo papel del arte y del artista. En pocas palabras, el objetivo general del modernismo, del arte moderno, ha sido la creación de una sociedad mejor.

¿Cuáles eran los medios por los que se alcanzaría este objetivo? Si el deseo del siglo XVIII era producir una sociedad mejor, ¿cómo se iba a lograr? ¿Cómo se puede perfeccionar a la humanidad y crear un mundo mejor?

Como hemos visto, fue la creencia del siglo XVIII de que solo la mente iluminada puede encontrar la verdad. Tanto la iluminación como la verdad se descubrieron mediante la aplicación de la razón al conocimiento, un proceso que también creó nuevo conocimiento. El individuo adquirió conocimientos y, al mismo tiempo, los medios para descubrir la verdad en ellos mediante la educación e instrucción adecuadas.

Limpiada de las corrupciones de la ideología religiosa y política por la razón de mente abierta, la educación nos trae la verdad, o nos muestra cómo llegar a la verdad. La educación nos ilumina y nos hace mejores personas. Las personas educadas e ilustradas formarán los cimientos de la nueva sociedad, una sociedad que crearán con sus propios esfuerzos.

Hasta hace poco, este concepto del papel de la educación ha sido fundamental para el pensamiento modernista occidental. Los pensadores ilustrados, y aquí podría mencionarse, por ejemplo, Thomas Jefferson, buscaron constantemente el conocimiento, filtrando la verdad sometiendo todo lo que aprendieron a un análisis razonado. Jefferson, por supuesto, no solo cultivó conscientemente su propia iluminación, sino que también promovió activamente la educación para otros, fundando en Charlottesville una "aldea universitaria" que más tarde se convirtió en la Universidad de Virginia. Creía que la búsqueda de la verdad debía llevarse a cabo sin prejuicios y, consciente de la sospecha de la Ilustración sobre la Iglesia, deliberadamente no incluyó una capilla en el campus en sus planes. Sentía que la Iglesia y sus influencias estrechas de miras debían mantenerse separadas no solo del Estado, sino también de la educación.

Jefferson, como muchos otros pensadores de la Ilustración, vio un papel claro para el arte y la arquitectura. El arte y la arquitectura podrían servir en este proceso de educación ilustrada al proporcionar ejemplos de esas cualidades y virtudes que se pensaba que debían guiar a la mente iluminada.

En la segunda mitad del siglo XVIII, el modelo de los ideales de la nueva sociedad fue el mundo de la antigua Roma y Grecia. La Atenas de Pericles y la Roma del período republicano ofrecieron buenos ejemplos de principios democráticos emergentes en el gobierno, y de heroísmo y acción virtuosa, abnegación y dedicación cívica en el comportamiento de sus ciudadanos.

De hecho, se creía, sin duda, de acuerdo con los "antiguos" en La pelea de los antiguos y los modernos antes mencionada, que el mundo antiguo había alcanzado una especie de perfección, un ideal que se acercaba a la comprensión de la verdad por parte de la Ilustración. El historiador de arte alemán Johann Winckelmann, escribiendo en el siglo XVIII, estaba convencido de que el arte de la antigua Grecia era el más perfecto y dirigió a los artistas contemporáneos a ejemplos como el Apolo Belvedere.


Apolo Belvedere
Copia de mármol romano según un original de bronce de c. 330 a. C. (Musei Vaticani, Roma)

Es en estas circunstancias que Jacques-Louis David llega a pintar la pintura histórica clasicista y didáctica Juramento de los Horacios expuesto en el Salón en 1785. David favoreció las tradiciones clásicas y académicas tanto en términos de estilo como de tema. Su pintura representa un momento conmovedor en la heroica historia de coraje y autosacrificio patriótico en la Roma prerrepublicana. Las esculturales figuras masculinas firmemente modeladas de la izquierda representan un drama viril a través del cual se muestran sus nobles virtudes. La energía y tensión física de sus acciones contrasta con las formas curvilíneas y colapsadas de las mujeres de la derecha que se muestran superadas por la emoción y el dolor, mostrando la debilidad de la naturaleza femenina. Esta fue una obra grandiosa y edificante que trató un tema honorable y moralizante.


Jacques-Louis David, Juramento de los Horacios
1785, óleo sobre lienzo (Mus & eacutee du Louvre, París)

    Consideradas las artes en todos los aspectos por las cuales deben ayudar a difundir el progreso del espíritu humano, a propagar y transmitir a la posteridad el ejemplo llamativo de los esfuerzos sublimes de un pueblo inmenso, guiado por la razón y la filosofía, devolviendo a la tierra el reino de la libertad. , igualdad y ley.

Afirma categóricamente que & lsquothe artes deben contribuir enérgicamente a la instrucción pública. & rsquo

Con respecto a la disputa de los Antiguos y Modernos, David puede asociarse con los partidarios de los Antiguos. Imaginó una nueva sociedad basada en ideales conservadores. En contraste, hubo otros artistas, podemos llamarlos Modernos, cuya visión de un nuevo orden mundial era más progresista.

Los Modernos imaginaron un mundo concebido de nuevo, no uno que simplemente imitara modelos antiguos. El problema para los modernos, sin embargo, era que su nuevo mundo era algo desconocido. La naturaleza de & lsquotruth & rsquo fue problemática desde el principio, y su dilema sobre la naturaleza de los humanos que poseían no solo una mente racional abierta a la razón sino también una vida emocional que había que tener en cuenta.

También se pensaba que la razón sofocaba la imaginación y que sin imaginación no se haría ningún progreso. La razón sola era inhumana, pero la imaginación sin razón y lsquo produce monstruos y lsquo (ver Francisco de Goya y lsquos El sueño de la razón produce monstruos). Sin embargo, se acordó que la libertad era fundamental y debía perseguirse mediante el ejercicio mismo de la libertad en el mundo contemporáneo.


Francisco de Goya, El sueño de la razón produce monstruos
Aguafuerte y Aguatinta
(Caprichos n. ° 43: El sue & ntildeo de la raz & oacuten producen monstruos), 1796-1797

Después de la Revolución de 1789, los Antiguos llegaron a identificarse con el antiguo orden, el ancien r & eacutegime. Eran de casta como políticamente conservadores y asociados con un tipo de arte académico llamado neoclasicismo.

En contraste, los Modernos fueron vistos como políticamente progresistas en un sentido revolucionario de izquierda y asociados con el movimiento antiacadémico llamado Romanticismo.La naturaleza de esta división se ve mejor en la rivalidad del artista clasicista Jean-Auguste-Dominique Ingres y el pintor romántico Eug & egravene Delacroix.

En la exposición del Salón de 1824, Ingres exhibió su Voto de Luis XIII y Delacroix su Masacre de Scios. En su reseña de la exposición en el Journal des d & eacutebats, el crítico & Eacutetienne-Jean Del & eacutecluze describió la obra de Ingres & rsquo como & lsquole beau & rsquo (lo bello) porque tanto en estilo como en materia seguía la teoría académica clásica y promovía los valores conservadores y de derecha de la ancien r & eacutegime. En contraste, la pintura de Delacroix & rsquos fue etiquetada & lsquole puesto & rsquo (lo feo) por la forma en que fue pintado, con pinceladas sueltas y figuras poco idealizadas, y porque su tema, la masacre de miles de habitantes griegos en la isla de Chios por las tropas turcas en 1822, no solo careció de ejemplos de valor y virtud, pero también expresó una crítica más liberal del evento y la indignación moral por su ocurrencia en el mundo contemporáneo.


J-A-D Ingres, Voto de Luis XIII
1824, óleo sobre lienzo (Mus & eacutee du Louvre, París)

Eug y egravene Delacroix, Masacre en Quíos
1824, óleo sobre lienzo (Mus & eacutee du Louvre, París)

Para los conservadores, Ingres representaba el orden, los valores tradicionales y los buenos tiempos del ancien r & eacutegime. Los progresistas políticos vieron a Delacroix como el representante de la vida contemporánea o moderna. Estaba asociado con la revolución política y con los nuevos puntos de vista intelectuales progresistas que sus partidarios afirmaban que había establecido la idea de la libertad en el arte.

Delacroix fue el primer gran artista modernista progresista en Francia. Sus pinturas rechazaron deliberadamente el ideal académico de lo bello y, en cambio, en la opinión de los conservadores críticos de su trabajo, instituyó el & lsquocult de la fealdad & rsquo. Se vio a otros artistas adoptar esta misma posición, en particular Gustave Courbet y & Eacutedouard Manet, cada uno de los cuales rechazó deliberadamente el modelo académico de la belleza. Sus ideas y acercamiento al arte fueron considerados tan subversivos que fueron acusados ​​de intentar socavar no solo a la Academia sino incluso al Estado.

La amenaza del modernismo progresista fue tal que el Estado, a partir de la Exposición Universal de París de 1855, se embarcó en un programa cuyo efecto era neutralizar y despolitizar las obras de arte. El plan para la Exposición Universal era incluir, en una exposición retrospectiva, ejemplos de varios estilos diferentes del arte francés, incluidos los de Ingres y Delacroix, de una manera que resaltara el eclecticismo pero que simultáneamente también tuvo el efecto de convertir las pinturas en no -amenaza y lsquoworks de arte y rsquo. Con el apoyo de las fuerzas conservadoras y la obediencia de los críticos formalistas e historiadores del arte, el comentario político y social esencial para el arte modernista progresista se eliminó de manera efectiva, dejando solo la pintura en el lienzo, que se discutió simplemente en términos de sus cualidades formales.

    Ya no hay discusiones violentas, opiniones incendiarias sobre el arte, y en Delacroix el colorista ya no reconoce al revolucionario flamígero a quien una Escuela inmadura opone a Ingres. Cada artista ocupa hoy su lugar legítimo. La Exposición de 1855 ha hecho bien en elevar a Delacroix: sus obras, juzgadas de tantas formas diferentes, ahora han sido revisadas, estudiadas, admiradas, como todas las obras marcadas por el genio. [Traducción de Patricia Mainardi: ver BIBLIOGRAFÍA]

Así, Delacroix el & lsquoflaming revolucionario & rsquo se transformó en Delacroix el & lsquocolorist & rsquo. Aunque algunos artistas progresistas, como Gustave Courbet, tal vez sintiendo cómo la inclusión en la exposición podría comprometer su trabajo, se negaron a participar, la Exposición Universal inició efectivamente una manera de contener el impulsos del modernismo progresista y neutralizar la amenaza que suponía para el ethos conservador imperante en la sociedad.

Hasta hace poco, este ha sido un enfoque predominante del modernismo. Las declaraciones socialistas de Gustave Courbet con tanta contundencia en su pintura Los rompepiedras, por ejemplo, y el agudo comentario político de & Eacutedouard Manet en su La ejecución del emperador Maximiliano, 1867, por ejemplo, han sido generalmente suprimidos y reemplazados por discusiones sobre las cualidades formales de cada obra.


Gustave Courbet
Los rompepiedras
1849-50, óleo sobre lienzo (destruido)

Y Eacutedouard Manet
Ejecución del emperador Maximiliano
1867, óleo sobre lienzo (Kunsthalle, Mannheim)

Pero aunque estas discusiones pueden haber reprimido deliberadamente su carácter revolucionario y de confrontación, el propio modernismo progresista, como ideología y movimiento político, siguió siendo vital y activo.


Los pioneros de la danza posmoderna, 60 años después

El movimiento trastocó todas las nociones de lo que podría ser la forma. Hoy en día, todavía está dando forma a cómo vemos el mundo que nos rodea.

UNA mañana de MEDIADOS DE DICIEMBRE en el estudio de su casa, que se encuentra en una colina boscosa cerca del Monte Tamalpais en el condado de Marin, California, la artista de danza de 98 años Anna Halprin estaba dirigiendo una clase de movimiento. "Piense en el espacio positivo y negativo", dijo, observando desde la silla de una directora cómo sus 12 estudiantes, una maestra de preescolar jubilada, un importador de ropa fina, asumían una variedad de posiciones a la vez ordinarias y no. Una mujer comenzó a arrastrarse entre las piernas separadas de otra, como si fuera un niño en el recreo, mientras que una tercera se comunicaba con la pared, extendiendo sus extremidades contra su superficie de color óxido. Calentada, la clase se dirigió a la terraza adyacente de secuoya de 1,800 pies cuadrados que el difunto esposo de Halprin, el arquitecto paisajista Lawrence Halprin, construyó en 1952. Desde su construcción, los herederos artísticos de Halprin, incluidos Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown y Meredith Monk, han visitado la cubierta en un momento u otro para practicar y moverse con ella. Halprin, una profesora e intérprete estimada, es conocida por su uso de partituras o improvisaciones basadas en tareas, así como por hacer bailes inspirados en la naturaleza. Una vez afuera, un par de estudiantes inspeccionaron algunas ramas elevadas y luego ofrecieron impresiones de cuerpo entero de hojas crujiendo con el viento.

Es difícil ver el comienzo de las cosas, y esto es especialmente cierto en los movimientos artísticos, que tienden a sangrar en sus bordes. Y, sin embargo, la baraja de Halprin se considera uno de los lugares de nacimiento de lo que se denominaría danza posmoderna, una escuela experimental que planteaba preguntas formales sobre qué podría ser la danza, que de otro modo se originó en Nueva York a principios de la década de 1960. Sus aproximadamente 20 practicantes más activos e influyentes eran en su mayoría bailarines entrenados que trabajaban en los márgenes del mundo de la danza y sus compañeros artistas visuales, todos los cuales reconocieron que una de las cosas que la danza podía ser era un tipo de arte conceptual o escénico. otros movimientos entonces florecientes y medio difusos que consideraban el cuerpo tridimensional como un ready-made duchampiano. Juntos, este grupo reorganizó el vocabulario común de la danza y redefinió quién podría ser visto como un bailarín, lo que inevitablemente tuvo implicaciones más allá del ámbito de la composición, cambiando las suposiciones sobre la belleza y los cuerpos en un momento no muy diferente al nuestro.

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Aunque estilísticamente divergente, la danza posmoderna tendió a rechazar los movimientos virtuosos en favor de los peatones como caminar, agacharse, agitarse y caerse, como la pieza de Rainer de 1963, We Shall Run, en la que los bailarines cumplieron su palabra. También incluía el humor y un sentido dadaísta del absurdo, como lo demuestra "Carnation" de Lucinda Childs (1964), en la que la artista colocó un colador en su cabeza y una pila de esponjas para lavar platos en abanico en la boca, o el canto de David Gordon de "Second Hand Rose" y "Get Married, Shirley" durante la primera interpretación de su "Mannequin Dance" (1962), que concibió mientras estaba en su bañera. "'El lago de los cisnes' no lo es", informó la columnista de arte semanal del New York Times, Grace Glueck, que escuchó en el First New York Theatre Rally en 1965, que presentaba una obra de danza del artista Robert Rauschenberg que combinaba tortugas vivas, galletas saladas y un rutina de tap campy de la bailarina Deborah Hay.

Hasta entonces, pensar en la danza había sido, como Gordon se lamentó una vez, "peculiarmente conservador", con la historia de la danza occidental performativa desarrollándose bastante al margen de las otras artes y consistiendo principalmente en ballet (que había estado dando vueltas en su lugar desde el siglo XVII hasta su nueva etapa). La rama clásica fue desarrollada por George Balanchine) y moderna (que los experimentadores sintieron que era excesivamente y falsamente expresiva). El movimiento posmoderno no fue exactamente un rechazo estridente de todo lo que había sucedido antes: “Creo que hubo una pregunta de, '¿Por qué estas personas toman ballet si solo llevan colchones?' Pero sentí que era importante para que los bailarines tengan cierta disciplina ”, dice Childs. La disciplina, sin embargo, no significó favorecer lo que se consideraba un cuerpo de bailarín, de piernas largas y buena participación. Los coreógrafos posmodernos colocaron a bailarines entrenados y no entrenados, así como a los más y menos tonificados, uno al lado del otro, prescindiendo de la composición y estructura organizativa de las compañías formales para privilegiar la mente y los movimientos del individuo. Al deconstruir la danza, entonces, lograron democratizarla.

"Todavía sentimos las reverberaciones de ese momento", dice la coreógrafa Pam Tanowitz, con sede en Nueva York, que podría describirse como una posmodernista contemporánea. De hecho, en cierto modo, los estamos sintiendo tanto como siempre. La danza posmoderna se desarrolló junto con los trastornos artísticos y sociales, en particular el feminismo de la segunda ola y, aunque a menudo no era expresamente político sobre otras cosas que no fueran la estética, "no había una agenda específica", dice Childs, los primeros campeones del estilo, muchos de ellos. que eran mujeres, buscaban formas alternativas de moverse por el espacio y, por extensión, por la vida. Su trabajo es un recordatorio, a medida que vivimos a través de nuestro propio cálculo en torno al control y maltrato de los cuerpos de las mujeres, de la vigencia continua de esa búsqueda.

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PARTE DEL poder de la danza posmoderna residía en el hecho de que, a pesar de su extrañeza, también era familiar. Aquí había movimientos tomados de la calle o del hogar y realizados por cuerpos capaces pero meramente humanos en entornos íntimos, es decir, en galerías del centro, lofts o la despreocupada Judson Memorial Church en Greenwich Village, ya sea en el santuario principal o sobre las líneas pintadas del sótano. cancha de baloncesto. Como en la vida, los gestos a menudo carecían de acompañamiento musical: los bailarines siguieron muchas indicaciones del compositor John Cage, más famoso por su composición “4'33”, en la que no se reproduce música mientras dura el título, los únicos ruidos vienen del entorno que rodea la actuación, y de la compañera de Cage, la coreógrafa Merce Cunningham, quien aplicó las mismas teorías de indeterminación que se encuentran en la música de Cage al movimiento. Cunningham, que habría cumplido 100 años este año, a veces lanzaba una moneda para decidir el siguiente movimiento, dando a su trabajo una calidad no lineal, similar a un collage.

Estas fueron ideas que se exploraron simultáneamente en el arte visual, que se comprometió en un restablecimiento similar de límites cuando el pop, el minimalismo y el arte conceptual reemplazaron al expresionismo abstracto, con el que la danza moderna estaba estrechamente alineada por uno, ambos estaban preocupados por trabajar en el piso, como en las pinturas de Jackson Pollock y los bailes de Martha Graham. Sin embargo, los posmodernistas seguían interesados ​​en la gravedad. Ciertos coreógrafos llegarían a tratar la pista como una pareja de baile, del mismo modo que artistas multidisciplinares como Ana Mendieta y Bruce Nauman la utilizaron en sus piezas escénicas como un lugar para la regeneración simbólica o los retorcimientos embriagadores. (“Una vez, después de verme actuar, mi padre dijo: 'Bueno, eso fue muy agradable, pero ahora que tienes 40 años, tal vez deberías pensar en ponerte de pie'”, dice Forti). En 1960 y 1961, Primero en la Galería Reuben en East Village y luego nuevamente en el loft de Chambers Street de Yoko Ono, Forti mostró "Dance Constructions", con una coreografía centrada en una serie de estructuras físicas (una tabla inclinada, una cuerda colgante), que creó después encontrando imágenes del artista de performance japonés Saburo Murakami irrumpiendo a través de una hilera de pantallas de papel. En una de sus construcciones, un retrato abstracto de un drama doméstico, Rainer y el artista Robert Morris, el entonces esposo de Forti, se balanceaban hacia arriba y hacia abajo desde los extremos opuestos de un balancín de madera. Forti consideraba su trabajo tanto danza como escultura, sus artistas humanos objetos de arte como cualquier otro, pero poco importaba, ya que, para esta breve y excepcional ventana, el arte, la danza y la música eran casi sinónimos.

Si la aceptación de la danza posmoderna como arte visual fue impulsada por el puro conceptualismo de la forma, fue ayudada por sus participantes que saltaban de género. La escena artística neoyorquina de la década de 1960 era famosa por su pequeña dimensión y, como resultado, las disciplinas se fusionaron. Además de Rauschenberg y Morris, los artistas visuales más conocidos como pintores y escultores como Alex Hay, Carolee Schneemann, Red Grooms y Andy Warhol formaron parte de la gran escena de Judson. “Bob [Rauschenberg] estaba con [el bailarín] Steve Paxton y yo estaba con Alex y por un tiempo estuvimos un poco en cuatro”, dice Deborah Hay. "A Bob le gustaba cocinar para la gente, así que íbamos a su casa a comer un bistec o langosta y luego íbamos todos a bailar a Max's Kansas City". Como dice el artista de danza Ralph Lemon, "No se habla lo suficiente del hecho de que estas personas durmieran juntas", y agregó que el intercambio entre el arte y la danza en ese momento debe haber sido "visceral".

Lemon surgió a fines de la década de 1970, cuando el nuevo La nueva danza estaba infundiendo construcciones posmodernas con comentarios sociales abiertos y estaba muy influenciada por lo que él llama el "linaje de mujeres blancas" de la danza. Es cierto que la escena del centro de la ciudad en ese momento incluía pocos artistas de color: en la zona alta, Alvin Ailey lideraba su propia revolución de la danza, y también es cierto que, simplemente porque siempre habían estado allí, las mujeres en la danza tenían un poder que no necesariamente se les otorga. los de otros reinos artísticos. “Todos aprendimos el mismo movimiento”, dice Rainer. "A mediados de los 60, las mujeres levantaban a los hombres". Ana Janevski, curadora de la reciente exposición del Museo de Arte Moderno "Judson Dance Theatre: The Work Is Never Done", cree que el esprit de corps de Judson tenía una inclinación "protofeminista". “Se trataba esencialmente de un grupo de mujeres que trabajaban juntas de forma democrática y buscaban material en sus propias vidas”, dice. Para la pieza de tortuga de Rauschenberg, Brown bailó con su vestido de novia.

Sin embargo, con el tiempo, el momento de equilibrio pasó y la comunidad se derrumbó, actuando la realidad misma como una especie de partitura. Después del último concierto de baile de Judson en 1964, Childs enseñó en la escuela primaria durante cinco años para mantenerse a sí misma antes de regresar al campo. El regreso de Rainer, tras una larga carrera haciendo películas experimentales, llegó mucho más tarde, en 2000. Forti vivió un tiempo en Roma, cruzando caminos con el movimiento Arte Povera, y Deborah Hay finalmente aterrizó en Austin, donde organizó talleres grupales. Incluso en los años 60, dice Hay, cuando los artistas visuales y los bailarines colaboraban intensamente, todavía estaban divididos sobre la cuestión de las finanzas: eran los artistas visuales los que tenían dinero. Esa brecha solo se amplió a medida que el arte contemporáneo se volvió cada vez más costoso y, en la década de 1980, las instituciones de arte tenían pocos incentivos para invertir en algo tan inherentemente efímero y, por lo tanto, casi imposible de poseer como la actuación. Alrededor de este tiempo, Childs se profesionalizó al comenzar su propia compañía de danza y se alejó cada vez más de la comunidad de artes visuales, actuando en escenarios de proscenio más tradicionales. El trabajo, sin embargo, siguió siendo radical. En una de las primeras proyecciones de la seminal "Dance" de Childs (1979), cuyos saltos y frases técnicamente simples crean patrones complicados en el suelo que evocan los dibujos lineales de Sol LeWitt, uno de los colaboradores de Childs en la pieza, un espectador descontento arrojó huevos .

ESOS AÑOS nos ayudaron a entender el cuerpo no solo como una herramienta para hacer arte, sino como un campo de batalla. Deborah Hay habla sobre encontrar su propio lenguaje para el movimiento en los años posteriores a Judson y sobre la práctica como protesta: “Me han coreografiado como mujer. Me han coreografiado como una mujer mayor. Me han coreografiado como liberal. Me han coreografiado como judío. Me han coreografiado como mujer soltera. Me han coreografiado como madre ”, dice. "Cuando bailo, trato de agrandar esa coreografía ". A los 77 años, todavía pasa todas las mañanas en el estudio. Sin embargo, con el tiempo, el llamado movimiento ordinario se vuelve menos. Una de las cosas que lo hace separar el trabajo de una bailarina del de un pintor, digamos, es que debe cambiar junto con su cuerpo. Rainer, ahora de 84 años, ha incorporado texto a su trabajo reciente y se ha dado a sí misma el papel de lectora. Childs, de 78 años, en su mayoría coreografías para otros en estos días, pero bailó su trabajo de 1973 "Particular Reel" como parte de la exhibición Judson del MoMA el otoño pasado, sus gestos mesurados aún asegurados y su presencia aún potente. Es sorprendente verla a ella y a sus contemporáneos en el escenario o simplemente moviéndose a través de una habitación (como hizo Forti durante nuestra entrevista para recuperar un poema que había escrito esa semana), sabiendo que es posible que no tengamos mucho más tiempo con estos testigos y arquitectos. de una época extraordinaria. "Son aquí”, Dice Lemon. “Justo en frente de nosotros. Han colocado a estos cuerpos con una mínima información física para dar, y en esa reducción requerida hay algo profundo ".

"Esta es una especie de la última oportunidad para conseguirlo todo", dice Tanowitz sobre los recientes intentos de compañías e instituciones de arte contemporáneas, desde el MoMA hasta el Walker Art Center en Minneapolis, que han adquirido piezas de bailarines como Brown y Monk para sus colecciones. , para preservar las primeras contribuciones posmodernistas mediante la reconstrucción de partituras y la puesta en escena de obras. (Brown murió en 2017, pero su compañía sigue viva y aún realiza ensayos en su loft en 541 Broadway). Los artistas más jóvenes también han asumido la responsabilidad de la preservación y recontextualización.En 2017, el artista Adam Pendleton hizo un retrato en video de Rainer que alterna entre imágenes de 1978 de ella bailando su secuencia minimalista del "Trío A" y escenas actuales de su lectura. y Tamir Rice. En esta revisión, los rápidos y cuidadosos pasos de Rainer se convierten en súplicas por un espacio en el que los cuerpos puedan moverse libremente, sin restricciones de raza, género o estatus migratorio.

Halprin, quien al principio vio la danza como un correctivo social y un camino hacia la curación personal, creando un trabajo basado en la comunidad con la organización artística Studio Watts Workshop después de los disturbios de Watts de 1965 y con personas con SIDA en los años 80, también está en sintonía con el más injusticias menores de la vida moderna. "Ese es un diseñador gráfico", me dijo de uno de los estudiantes en su estudio de California. “¿Cuándo más tiene la oportunidad de conectarse con su espíritu? No lo hace ". La mayoría de estas mujeres dudan en describir la danza, y la de ellos en particular, como espiritual, pero, si uno ha descartado un enfoque basado en la técnica mediante el cual se baila para mejorar en el baile, un objetivo alternativo, quedó muy claro en la plataforma de baile. , es alegría. Qué alentador es que este gozo esté disponible para cualquiera que esté dispuesto a buscarlo. Al final de la clase, los estudiantes se reunieron en la terraza alrededor de Halprin, quien estaba envuelta en una manta de lana que vestía cuando era estudiante de danza en el Medio Oeste en la década de 1930, cuando describió haber visto una interpretación de su trabajo de 1965 "Parades and Cambios ”, en la que un grupo de bailarines se desnudan lentamente, actuó en el Museo de Young de San Francisco el pasado mes de octubre. “Mi bisnieta de 9 años estaba allí y se ha acostumbrado a decirle a su padre: 'Verás, papá, el movimiento ordinario puede convertirse en arte. Solo tienes que hacerlo con conciencia ".


Posmodernismo

El posmodernismo se refiere en términos generales a una teoría sociocultural y literaria, y un cambio de perspectiva que se ha manifestado en una variedad de disciplinas, incluidas las ciencias sociales, el arte, la arquitectura, la literatura, la moda, las comunicaciones y la tecnología. En general, se acepta que el cambio posmoderno en la percepción comenzó en algún momento a fines de la década de 1950 y probablemente aún continúa. El posmodernismo puede asociarse con los cambios de poder y la deshumanización de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial y el ataque del capitalismo de consumo.

El mismo término posmodernismo implica una relación con el modernismo. El modernismo fue un movimiento estético anterior que estuvo de moda en las primeras décadas del siglo XX. A menudo se ha dicho que el posmodernismo es a la vez una continuación y una ruptura con la postura modernista.

El posmodernismo comparte muchas de las características del modernismo. Ambas escuelas rechazan los rígidos límites entre el arte alto y el bajo. El posmodernismo incluso va a. Da un paso más y mezcla deliberadamente el arte bajo con el arte elevado, el pasado con el futuro o un género con otro. Tal mezcla de elementos diferentes e incongruentes ilustra el uso que hace el posmodernismo de la parodia alegre, que también fue utilizada por el modernismo. Ambas escuelas también emplearon pastiche, que es la imitación de otro estilo & # 8217s. La parodia y el pastiche sirven para resaltar la autorreflexión de las obras modernistas y posmodernistas, lo que significa que la parodia y el pastiche sirven para recordarle al lector que la obra no es & # 8220real & # 8221 sino ficticia, construida. Las obras modernistas y posmodernistas también están fragmentadas y no transmiten fácil y directamente un significado sólido. Es decir, estas obras son conscientemente ambiguas y dan paso a múltiples interpretaciones. El individuo o sujeto representado en estas obras a menudo está descentrado, sin un significado u objetivo central en la vida, y deshumanizado, a menudo perdiendo características individuales y convirtiéndose simplemente en el representante de una época o civilización, como Tiresias en La tierra de residuos.

En definitiva, el Modernismo y el Posmodernismo dan voz a las inseguridades, desorientación y fragmentación del mundo occidental del siglo XX. El mundo occidental, en el siglo XX, comenzó a experimentar esta profunda sensación de seguridad porque perdió progresivamente sus colonias en el Tercer Mundo, desgastadas por dos grandes guerras mundiales y encontró sus bases intelectuales y sociales temblando bajo el impacto de las nuevas teorías sociales. desarrollos como el marxismo y las migraciones globales poscoloniales, las nuevas tecnologías y el cambio de poder de Europa a Estados Unidos. Aunque tanto el modernismo como el posmodernismo emplean la fragmentación, la discontinuidad y el descentramiento en el tema y la técnica, la disimilitud básica entre las dos escuelas se oculta en este mismo aspecto.

El modernismo proyecta la fragmentación y descentralización del mundo contemporáneo como trágica. Lamenta la pérdida de la unidad y el centro de la vida y sugiere que las obras de arte pueden proporcionar la unidad, coherencia, continuidad y significado que se pierde en la vida moderna. Así, Eliot lamenta que el mundo moderno sea un páramo infértil y que la fragmentación, la incoherencia, de este mundo se efectúe en la estructura del poema. Sin embargo, The Waste Land intenta recuperar el sentido perdido y la unidad orgánica recurriendo a las culturas orientales, y en el uso de Tiresias como protagonista.

En el posmodernismo, la fragmentación y la desorientación ya no son trágicas. El posmodernismo, por otro lado, celebra la fragmentación. Considera la fragmentación y el descentramiento como la única forma posible de existencia, y no intenta escapar de estas condiciones.

Aquí es donde el posmodernismo se encuentra con el postestructuralismo: tanto el posmodernismo como el postestructuralismo reconocen y aceptan que no es posible tener un centro coherente. En términos derridianos, el centro se mueve constantemente hacia la periferia y la periferia se mueve constantemente hacia el centro. En otras palabras, el centro, que es la sede del poder, nunca es del todo poderoso. Continuamente se está volviendo impotente, mientras que la periferia impotente trata continuamente de adquirir poder. Como resultado, se puede argumentar que nunca hay un centro, o que siempre hay múltiples centros. Este aplazamiento del centro adquiriendo poder o reteniendo su posición es lo que Derrida llamó differance. En la celebración de la fragmentación del posmodernismo, existe una creencia subyacente en la diferencia, una creencia de que la unidad, el significado y la coherencia se posponen continuamente.

La incredulidad posmodernista en la coherencia y la unidad apunta a otra distinción básica entre modernismo y posmodernismo. El modernismo cree que la coherencia y la unidad es posible, enfatizando así la importancia de la racionalidad y el orden. El supuesto básico del Modernismo parece ser que una mayor racionalidad conduce a más orden, lo que lleva a una sociedad a funcionar mejor. Para establecer la primacía del Orden, el Modernismo crea constantemente el concepto de Desorden en su descripción del Otro, que incluye a los no blancos, no masculinos, no heterosexuales, no adultos, no racionales, etc. En otras palabras, para establecer la superioridad del Orden, el Modernismo crea la impresión de que todas las comunidades marginales, periféricas, como los no blancos, los no masculinos, etc., están contaminadas por el Desorden. El posmodernismo, sin embargo, va al otro extremo. No dice que algunas partes de la sociedad ilustren el orden y que otras partes ilustren el desorden. El posmodernismo, en su crítica de la oposición binaria, incluso sugiere cínicamente que todo es Desorden.

La creencia modernista en el orden, la estabilidad y la unidad es lo que el pensador posmodernista Lyotard llama una metanarrativa. El modernismo trabaja a través de metanarrativas o grandes narrativas, mientras que el posmodernismo cuestiona y deconstruye las metanarrativas. Una metanarrativa es una historia que una cultura se cuenta a sí misma sobre sus creencias y prácticas. Por ejemplo, la India se dice a sí misma que es un país democrático y laico, aunque existen numerosas facciones y prácticas antidemocráticas y antiseculares en la India. En otras palabras, India se hace creer la falsedad de que es un país democrático y laico. La democracia y el secularismo son, por tanto, metanarrativas. En resumen, las metanarrativas crean y propagan grandes pero falsas concepciones de una sociedad y una cultura. Estos incluyen la dependencia de una sociedad de conceptos tales como verdad objetiva, progreso, orden y unidad.

El posmodernismo entiende que las grandes narrativas esconden, silencian y niegan contradicciones, inestabilidades y diferencias inherentes a cualquier sistema social. El posmodernismo favorece las & # 8220mini-narrativas & # 8221 historias que explican pequeñas prácticas y hechos locales, sin pretender universalidad y finalidad. El posmodernismo se da cuenta de que la historia, la política y la cultura son grandes narrativas de los que ejercen el poder, que comprenden falsedades y verdades incompletas.

Habiendo deconstruido la posibilidad de una realidad estable y permanente, el posmodernismo ha revolucionado el concepto de lenguaje. El modernismo consideró al lenguaje como una herramienta racional y transparente para representar la realidad y las actividades de la mente racional. En la visión modernista, el lenguaje es representativo de pensamientos y cosas. Aquí, los significantes siempre apuntan a significados. En el posmodernismo, sin embargo, solo hay superficies, no profundidades. Un significante no tiene aquí significado, porque no hay realidad que significar.

El filósofo francés Baudrillard ha conceptualizado la cultura superficial posmoderna como un simulacro. Un simulacro es una realidad virtual o falsa simulada o inducida por los medios de comunicación u otros aparatos ideológicos. Un simulacro no es simplemente una imitación o duplicación, es la sustitución del original por una imagen falsa simulada. El mundo contemporáneo es un simulacro, donde la realidad ha sido reemplazada por imágenes falsas. Esto significaría, por ejemplo, que la guerra del Golfo que conocemos por los periódicos y los informes de televisión no tiene conexión alguna con lo que se puede llamar la guerra & # 8220real & # 8221 de Irak. La imagen simulada de la guerra del Golfo se ha vuelto mucho más popular y real que la guerra real, que Baudrillard sostiene que la Guerra del Golfo no tuvo lugar. En otras palabras, en el mundo posmoderno, no hay originales, solo copias, no territorios, solo mapas, no realidad, solo simulaciones. Aquí Baudrillard no está simplemente sugiriendo que el mundo posmoderno es artificial, también está insinuando que hemos perdido la capacidad de discriminar entre lo real y lo artificial.

Así como hemos perdido el contacto con la realidad de nuestra vida, también nos hemos alejado de la realidad de los bienes que consumimos. Si los medios de comunicación forman una fuerza impulsora de la condición posmoderna, el capitalismo multinacional y la globalización son otra. Fredric Jameson ha relacionado el modernismo y el posmodernismo con la segunda y tercera fases del capitalismo. La primera fase del capitalismo de los siglos XVIII-XIX, denominada Capitalismo de Mercado, fue testigo del desarrollo tecnológico temprano, como el del motor de vapor, y correspondió a la fase realista. El comienzo del siglo XX, con el desarrollo de los motores eléctricos y de combustión interna, fue testigo del inicio del capitalismo monopolista y el modernismo. La era posmoderna corresponde a la era de las tecnologías nucleares y electrónicas y el capitalismo de consumo, donde el énfasis está en el marketing, la venta y el consumo más que en la producción. El mundo deshumanizado y globalizado borra las identidades individuales y nacionales en favor del marketing multinacional.

Por lo tanto, de esta exposición se desprende claramente que hay al menos tres direcciones diferentes tomadas por Postmodernim, en relación con las teorías de Lyotard, Baudrillard y Jameson. El posmodernismo también tiene sus raíces en las teorías Habermas y Foucault. Además, el posmodernismo puede examinarse desde ángulos feministas y poscoloniales. Por tanto, no se pueden precisar los principios del posmodernismo con finalidad, porque hay una pluralidad en la propia constitución de esta teoría.

El posmodernismo, en su negación de una verdad o realidad objetiva, defiende enérgicamente la teoría del constructivismo, el argumento antiesencialista de que todo está ideológicamente construido. El posmodernismo considera que los medios de comunicación son en gran medida responsables de & # 8220construir & # 8221 nuestras identidades y realidades cotidianas. De hecho, el posmodernismo se desarrolló como una respuesta al auge contemporáneo de las tecnologías de la electrónica y las comunicaciones y su revolución de nuestro viejo orden mundial.

El constructivismo conduce invariablemente al relativismo. Nuestras identidades se construyen y transforman en cada momento en relación con nuestro entorno social. Por lo tanto, hay espacio para identidades múltiples y diversas, verdades múltiples, códigos morales y visiones de la realidad.

La comprensión de que no existe una verdad objetiva ha llevado invariablemente el acento del posmodernismo a recaer en la subjetividad. La subjetividad misma es, por supuesto, plural y provisional. Un énfasis en la subjetividad conducirá naturalmente a un renovado interés en las experiencias locales y específicas, en lugar de lo universal y abstracto que se basa en mini-narrativas en lugar de grandes narrativas.

Finalmente, todas las versiones del posmodernismo se basan en el método de la deconstrucción para analizar situaciones socioculturales. El posmodernismo a menudo ha sido criticado con vehemencia. La característica fundamental del posmodernismo es la incredulidad, que niega las realidades y experiencias sociales y personales. Es fácil afirmar que la Guerra del Golfo o la Guerra de Irak no existen, pero entonces, ¿cómo se explican las muertes, las pérdidas y el dolor de millones de personas víctimas de estas guerras? Además, el posmodernismo fomenta un profundo cinismo sobre la única fuerza que sustenta la vida social: la cultura. Al eliminar por completo el suelo bajo nuestros pies, las presunciones ideológicas sobre las que se construye la civilización humana, el posmodernismo genera un sentimiento de carencia e inseguridad en las sociedades contemporáneas, que es esencial para el sustento de un orden mundial capitalista. Finalmente, cuando el Tercer Mundo comenzó a imponerse sobre el poder hegemónico eurocéntrico, el posmodernismo se apresuró a advertir que el empoderamiento de la periferia es transitorio y temporal y que, al igual que Europa no podría retener su poder imperialista por mucho tiempo, el poder recién descubierto de las antiguas colonias también está siendo borrado.

En la literatura, el posmodernismo (apoyándose en gran medida en la fragmentación, la deconstrucción, la alegría, los narradores cuestionables, etc.) reaccionó contra las ideas de la Ilustración implícitas en la literatura modernista & # 8211 informada por el concepto de Lyotard & # 8217 del & # 8220metanarrativo & # 8221, el concepto de Derrida & # 8217 de & # 8220play & # 8221, y Budrillard & # 8217s & # 8220simulacra. & # 8221 Desviarse de la búsqueda modernista de significado en un mundo caótico, el posmoderno. los escritores evitan, a menudo en broma, la posibilidad de significado, y la novela posmoderna es a menudo una parodia de esto. búsqueda. Marcados por una desconfianza en los mecanismos totalizadores y la autoconciencia, los escritores posmodernos a menudo celebran el azar sobre la artesanía y emplean la metaficción para socavar al autor & # 8217s & # 8220univocation & # 8221. La distinción entre cultura alta y baja también se ataca con el empleo del pastiche, la combinación de múltiples elementos culturales que incluyen temas y géneros que antes no se consideraban adecuados para la literatura. La literatura posmoderna se puede considerar como un término genérico para los desarrollos de la posguerra en la literatura, como el Teatro del Absurdo, la Generación Beat y el Realismo Mágico.

La literatura posmoderna, como se expresa en los escritos de Beckett, Robbe Grillet, Borges, Márquez, Naguib Mahfouz y Angela Carter, se basa en el reconocimiento de la naturaleza compleja de la realidad y la experiencia, el papel del tiempo y la memoria en la percepción humana, del yo y el mundo como construcciones históricas y la naturaleza problemática del lenguaje.

La literatura posmoderna alcanzó su punto máximo en las décadas de & # 821760 y & # 821770 con la publicación de Catch-22 de Joseph Heller, Lost in the Funhouse y Sot-Weed Factor de John Barth, Gravity & # 8217s Rainbow, V. y Crying of Lot 49 de Thomas Pynchon, & # 8220factions & # 8221 como Armies in the Night y In Cold Blood de Norman Mailer y Truman Capote, novelas de ciencia ficción posmodernas como Neoromancer de William Gibson, Slaughterhouse-Five de Kurt Vonnegut y muchos otros. Algunos declararon la muerte del posmodernismo en la década de & # 821780 & # 8217 con una nueva oleada de realismo representada e inspirada por Raymond Carver. Tom Wolfe, en su artículo de 1989 Stalking the Billion-Footed Beast, pidió un nuevo énfasis en el realismo en la ficción para reemplazar el posmodernismo. Con este nuevo énfasis en el realismo en mente, algunos declararon que White Noise (1985) o The Satanic Verses (1988) eran las últimas grandes novelas de la era posmoderna.

La película posmoderna describe la articulación de las ideas del posmodernismo a través del medio cinematográfico & # 8211 al alterar las convenciones dominantes de estructura narrativa y caracterización y destruir (o jugar con) la audiencia & # 8217s & # 8220suspensión de incredulidad & # 8221 para crear una obra que se expresan a través de una lógica interna menos reconocible. Dos de estos ejemplos son Jane Campion & # 8216s Two Friends, en el que la historia de dos niñas de la escuela se muestra en segmentos episódicos dispuestos en orden inverso y Karel Reisz & # 8216s The French Lieutenant & # 8217s Woman, en el que la historia se desarrolla en la pantalla. se refleja en la vida privada de los actores que lo interpretan, que el público también ve. Sin embargo, Baudrillard apodó el épico spaghetti western de 1968 de Sergio Leone Once Upon a Time in the West como la primera película posmoderna. Otros ejemplos incluyen Michael Winterbottom & # 8216s 24 Hour Party People, Federico Fellini & # 8216s Satyricon y Amarcord, David Lynch & # 8216 s Mulholland Drive, Quentin Tarantino & # 8216s Pulp Fiction.

A pesar de los argumentos cínicos y bastante estirados del posmodernismo, la teoría ha ejercido una influencia fundamental en el pensamiento de finales del siglo XX. De hecho, ha revolucionado todos los ámbitos de la investigación intelectual en diversos grados.


Art Nouveau

El Art Nouveau fue un estilo internacional de arte y arquitectura que fue más popular entre 1890 y 1910.

Objetivos de aprendizaje

Describir los orígenes y características del Art Noveau.

Conclusiones clave

Puntos clave

  • El Art Nouveau fue un estilo internacional de arte y arquitectura que fue más popular entre 1890 y 1910. El nombre & # 8220Art Nouveau & # 8221 es francés para & # 8220nuevo arte & # 8221. Los orígenes del Art Nouveau se encuentran en la resistencia del artista William Morris a las composiciones desordenadas y las tendencias de avivamiento del siglo XIX.
  • Una reacción al arte académico del siglo XIX, el Art Nouveau se inspiró en formas y estructuras naturales, ejemplificadas por líneas curvas, asimetría, motivos naturales y adornos intrincados.
  • El Art Nouveau se considera un & # 8220 estilo total & # 8221, lo que significa que impregnaba muchas formas de arte y diseño, como la arquitectura, el diseño de interiores, las artes decorativas y las artes visuales. Según la filosofía del estilo, el arte debe esforzarse por ser una forma de vida.

Términos clave

  • Art Nouveau: Art Nouveau es una filosofía y estilo internacional de arte, arquitectura y arte aplicado, especialmente las artes decorativas, que fue más popular durante 1890-1910.
  • japonismo: La influencia del arte y la cultura japoneses en el arte europeo.
  • sincopado: Una variedad de ritmos musicales inesperados.

Fondo

Art Nouveau es un estilo internacional de arte y arquitectura que fue más popular entre 1890 y 1910 d. C. El nombre Art Nouveau es francés para & # 8220nuevo arte & # 8221. Una reacción al arte académico del siglo XIX, se inspiró en formas y estructuras naturales, no solo en flores y plantas, sino también en líneas curvas. También se considera una filosofía de diseño de muebles. Los muebles Art Nouveau se estructuran de acuerdo con todo el edificio y forman parte de la vida cotidiana. El Art Nouveau fue más popular en Europa, pero su influencia fue global. Es un estilo muy variado con frecuentes tendencias localizadas.

Art Nouveau: Barcelona: La Casa Batlló, ya construida en 1877, fue remodelada en la manifestación barcelonesa del Art Nouveau, el modernismo, por Antoni Gaudí y Josep Maria Jujol durante 1904-1906.

Antes de que el término Art Nouveau se volviera común en Francia, le style moderne (& # 8220el estilo moderno & # 8221) fue la designación más frecuente. Maison de l & # 8217Art Nouveau era el nombre de la galería iniciada durante 1895 por el marchante de arte alemán Samuel Bing en París que presentaba exclusivamente arte moderno. La fama de su galería se incrementó en la Exposición Universal de 1900, donde presentó instalaciones coordinadas de mobiliario moderno, tapices y objetos d & # 8217art. Estas exhibiciones decorativas se asociaron tan fuertemente con el estilo, que el nombre de su galería proporcionó posteriormente un término de uso común para todo el estilo. Asimismo, Jugend (Juventud) fue la revista semanal ilustrada de arte y estilo de vida de Munich, fundada en 1896 por Georg Hirth. Jugend jugó un papel decisivo en la promoción del estilo Art Nouveau en Alemania. Como resultado, Jungenstil, o estilo juvenil, se convirtió en la palabra alemana para el estilo.

Orígenes del Art Nouveau

Los orígenes del Art Nouveau se encuentran en la resistencia del artista William Morris a las composiciones desordenadas y las tendencias revivalistas del siglo XIX. Sus teorías ayudaron a iniciar el movimiento Art Nouveau. Casi al mismo tiempo, la perspectiva plana y los colores fuertes de los grabados de bloques de madera japoneses, especialmente los de Katsushika Hokusai, tuvieron un fuerte efecto en la formulación del Art Nouveau. El japonismo que fue popular en Europa durante las décadas de 1880 y 1890 fue particularmente influyente en muchos artistas con sus formas orgánicas y referencias al mundo natural.

Aunque el Art Nouveau adquirió tendencias claramente localizadas a medida que aumentaba su extensión geográfica, algunas características generales son indicativas de la forma. Una descripción publicada en la revista Pan del colgante de pared de Hermann Obrist & # 8217s Ciclamen (1894), lo describió como & # 8220 curvas violentas repentinas generadas por el chasquido de un látigo & # 8221, que se hizo muy conocido durante la propagación temprana del Art Nouveau. Posteriormente, el término & # 8220whiplash & # 8221 se aplica con frecuencia a las curvas características empleadas por los artistas del Art Nouveau. Tales motivos decorativos & # 8220whiplash & # 8221, formados por líneas dinámicas, onduladas y fluidas en un ritmo sincopado, se encuentran en toda la arquitectura, pintura, escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

Art Nouveau como estilo total

Art Nouveau ahora se considera un & # 8220 estilo total & # 8221, lo que significa que se puede ver en arquitectura, diseño de interiores, artes decorativas (incluidos muebles de joyería, textiles, plata para el hogar y otros utensilios e iluminación) y las artes visuales. Según la filosofía del estilo, el arte debe esforzarse por ser una forma de vida y, por lo tanto, abarcar todas las partes. Para muchos europeos, era posible vivir en una casa de inspiración Art Nouveau con muebles Art Nouveau, cubiertos, vajilla, joyas, pitilleras, etc. Los artistas querían combinar las bellas artes y las artes aplicadas, incluso para objetos utilitarios.

Escritorio y silla de Hector Guimard, 1909–12: La carpintería curvada y serpenteante que se ve en este escritorio es característica del Art Nouveau, que a menudo se inspiraba en la influencia estilística del mundo natural.

El Art Nouveau en arquitectura y diseño de interiores evitó los estilos eclécticos del renacimiento del siglo XIX. Los diseñadores de Art Nouveau seleccionaron y & # 8220modernizaron & # 8221 algunos de los elementos más abstractos del estilo rococó, como las texturas de llamas y conchas. También abogaron por el uso de formas orgánicas muy estilizadas como fuente de inspiración, ampliando su repertorio natural para utilizar algas, pastos e insectos.

La entrada en la place Etienne Pernet, 24 (París 15e), 1905 por Alfred Wagon, arquitecto.: La influencia asimétrica y curvilínea del mundo natural se vuelve a ver en el herraje de esta puerta de la Place Etienne Pernet de París.

En la pintura Art Nouveau, se dibujaron e imprimieron piezas bidimensionales en formas populares como anuncios, carteles, etiquetas y revistas. Las impresiones japonesas en bloques de madera, con sus líneas curvas, superficies estampadas, huecos contrastantes y planitud del plano visual, también inspiraron la pintura Art Nouveau. Algunos patrones de líneas y curvas se convirtieron en clichés gráficos que luego se encontraron en obras de artistas de muchas partes del mundo.

La falda del pavo real por Aubrey Beardsley, 1893: Aubrey Beardsley es un artista conocido por sus carteles y, a menudo, asociado con el Art Nouveau debido a su uso de patrones decorativos elaborados y líneas curvilíneas amplias.


Ver el vídeo: El debate entre modernidad y posmodernidad (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Abd Er Rahman

    la frase brillante

  2. Arth

    Esta versión se ha vuelto anticuada

  3. Kajik

    Creo que están equivocados. Intentemos discutir esto. Escríbeme en PM, habla.

  4. Taugar

    solo en manzana

  5. Tibault

    Todavía no lo consiguió.

  6. Adalson

    Y con esto me he encontrado.



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