La historia

Cronología de la escultura celta antigua

Cronología de la escultura celta antigua


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  • C. 600 a. C.

    Se hace el Hirschlanden Warrior, una representación de piedra arenisca de un guerrero celta de Ludwigsburg, Alemania.

  • C. 600 a. C.

    Se fabrica el Strettweg Cult Wagon, un carro celta de bronce en miniatura.

  • C. 500 a. C.

    Se hace el pilar celta de Pfalzfeld, una columna de piedra de cuatro lados que muestra cabezas humanas.

  • 450 a. C. - 400 a. C.

    Se hace el 'Príncipe de Glauberg', una estatua de piedra arenisca de un guerrero celta.

  • C. 200 a. C.

    Se hace la piedra arenisca celta Mšecké Žehrovice Head.

  • C. 200 a. C.

    Se hace la "Tarasque de Noves", una estatua celta de piedra caliza de un perro que se come a un humano.

  • C. 100 a. C.

    Se hace la figura de bronce conocida como el 'Dios de Bouray', probablemente una representación del Celtic Cernunnos.

  • C. 100 a. C.

    Se hace la piedra de granito Turoe de Celtic Galway.

  • 50 a. C. - 100 d. C.

    Se fabrica la Stanwick Horse Mask, una máscara decorativa de bronce de la Gran Bretaña celta.


Arte celta

Arte celta Se asocia con los pueblos conocidos como celtas, aquellos que hablaron las lenguas celtas en Europa desde la prehistoria hasta el período moderno, así como con el arte de los pueblos antiguos cuya lengua es incierta, pero tienen similitudes culturales y estilísticas con hablantes de lenguas celtas. .

El arte celta es un término difícil de definir, que abarca una enorme extensión de tiempo, geografía y culturas. Se ha argumentado a favor de la continuidad artística en Europa desde la Edad del Bronce, y de hecho la edad neolítica anterior, sin embargo, los arqueólogos generalmente usan "celta" para referirse a la cultura de la Edad del Hierro europea desde alrededor del 1000 a. C. en adelante, hasta la conquista por parte de los romanos. Imperio de la mayor parte del territorio en cuestión, y los historiadores del arte suelen empezar a hablar de "arte celta" sólo a partir del período de La Tène (en general, siglos V al I aC) en adelante. [1] Arte celta temprano es otro término utilizado para este período, que se extiende en Gran Bretaña hasta aproximadamente el año 150 d.C. [2] El arte medieval temprano de Gran Bretaña e Irlanda, que produjo el Libro de Kells y otras obras maestras, y es lo que el "arte celta" evoca para gran parte del público en general en el mundo de habla inglesa, se llama arte insular en la historia del arte. . Esta es la parte más conocida, pero no la totalidad, del arte celta de la Alta Edad Media, que también incluye el arte picto de Escocia. [3]

Ambos estilos absorbieron influencias considerables de fuentes no celtas, pero mantuvieron una preferencia por la decoración geométrica sobre los temas figurativos, que a menudo son extremadamente estilizados cuando aparecen escenas narrativas que solo aparecen bajo influencias externas. [4] Son características las formas circulares energéticas, triskeles y espirales. Gran parte del material que se conserva es de metales preciosos, lo que sin duda da una imagen muy poco representativa, pero aparte de las piedras pictas y las cruces altas insulares, las grandes esculturas monumentales, incluso con tallas decorativas, son muy raras. Posiblemente las pocas figuras masculinas de pie encontradas, como el Guerrero de Hirschlanden y el llamado "Señor de Glauberg", originalmente eran comunes en la madera.

El término también cubre el arte visual del Renacimiento celta (en general, más notable para la literatura) desde el siglo XVIII hasta la era moderna, que comenzó como un esfuerzo consciente de los celtas modernos, principalmente en las Islas Británicas, para expresarse. -identificación y nacionalismo, y se hizo popular mucho más allá de las naciones celtas, y cuyo estilo aún es actual en diversas formas populares, desde monumentos funerarios de cruz celta hasta tatuajes entrelazados. Coincidiendo con los comienzos de una comprensión arqueológica coherente de los períodos anteriores, el estilo utilizó conscientemente motivos copiados de obras de períodos anteriores, más a menudo el Insular que la Edad del Hierro. Otra influencia fue la del arte "vegetal" tardío de La Tène en el movimiento Art Nouveau.

Por lo general, el arte celta es ornamental, evita las líneas rectas y solo ocasionalmente utiliza la simetría, sin la imitación de la naturaleza central en la tradición clásica, que a menudo implica un simbolismo complejo. El arte celta ha utilizado una variedad de estilos y ha mostrado influencias de otras culturas en sus nudos, espirales, patrones clave, letras, zoomorfos, formas vegetales y figuras humanas. Como lo expresó la arqueóloga Catherine Johns: "Lo común del arte celta en un amplio lapso cronológico y geográfico es un exquisito sentido de equilibrio en el diseño y desarrollo de patrones. Las formas curvilíneas se establecen de manera que se forman áreas y espacios llenos, positivos y negativos. un todo armonioso. Se ejerció control y moderación en el uso de texturas y relieves superficiales. Se diseñaron patrones curvilíneos muy complejos para cubrir con precisión las superficies más torpes y de formas irregulares ". [5]


Cronología de la escultura celta antigua - Historia

La historia del arte es la escuela académica de estudio basada en el arte y su historia de desarrollo, así como en el contexto estilístico (formato, diseño, apariencia, género). Esto incluye formas grandes como la arquitectura, así como formas menores como los objetos decorativos.

La historia del arte se puede estudiar de muchas formas y se divide en múltiples disciplinas coexistentes. Las facciones incluyen pero no se limitan a conocedores, críticos e historiadores académicos del arte.

Arte prehistórico

El arte prehistórico comprende todas las artes y oficios que se producen en culturas que carecen del desarrollo del lenguaje escrito y del mantenimiento de registros. El arte de una cultura pasa de ser descrito como prehistórico cuando desarrolla la escritura y el mantenimiento de registros o ha establecido una conexión significativa con otra cultura que lo ha hecho.

Antiguo Cercano Oriente

El desarrollo del arte en las sociedades del mundo antiguo sería característicamente diferente de lo que fue en las sociedades prehistóricas. La historia del arte de los libros de texto en el antiguo Cercano Oriente incluiría el arte de las sociedades mesopotámica, sumeria, acadia, neo-sumeria, babilónica, hitita, elamita, asiria, neobabilónica, aquemida, persa y sasánida.

Arte Egipcio Antiguo

Esta categoría de arte incluye el arte que pertenece a la civilización ubicada en el Valle del Nilo desde el 5000 a. C. hasta el 300 d. C. La obra de arte egipcia fue muy estilizada y simbólica en este período, siendo la pintura y la escultura el arte más popular. Se observó que la calidad del arte egipcio a lo largo del período antiguo era de alta calidad y se mantuvo bastante estable durante el 3000 a. C. al 300 d. C. con poca influencia de culturas externas.

Arte griego

Arte griego especializado principalmente en arquitectura y escultura. El arte griego influyó tanto en Occidente como en Oriente. No solo el arte en el Imperio Romano atrajo la influencia griega, sino que hacia el este, las conquistas de Alejandro Magno facilitaron siglos de contacto entre las culturas india, centroasiática y griega. El arte greco-budista fue un legado de esta interacción. Las expectativas altamente técnicas de los griegos influirían en el arte en Europa durante muchas generaciones. En el siglo XIX, las tradiciones artísticas griegas dominaban todo el mundo del arte occidental.

Arte romano

El arte romano abarca la Antigua Roma y los territorios del Imperio Romano. Si bien se cree que el arte romano tomó prestado del arte griego (del que se basó bastante), también contiene elementos de la cultura etrusca, egipcia y nativa itálica. Un destacado historiador de Roma, Plinio, escribió que, si bien muchas formas de arte avanzadas durante la época griega permanecieron más avanzadas que el arte romano, incluso durante los períodos prominentes de Roma.

Arte paleocristiano

El arte cristiano primitivo especifica la obra de arte producida por los cristianos en el período de tiempo 100-500. El arte anterior al 100 no podía distinguirse como cristiano sin incertidumbre. Más allá de 500, el arte de los cristianos retrató elementos del arte bizantino.

El arte cristiano era difícil de rastrear. Una de las razones es que la mayoría de los cristianos fueron perseguidos y se les impidió producir obras de arte. También pueden consistir en clases bajas, lo que se refleja en la falta de patrocinio para la creación artística. Aparte de eso, las restricciones bíblicas desaprobaban la producción de madera o piedra tallada en forma de ídolo. Los cristianos pueden haber comprado símbolos paganos, pero les han transferido la ideología cristiana.

Arte bizantino

El arte bizantino se refiere al arte creado en los territorios del Imperio Bizantino entre los siglos IV y XV. El Imperio Bizantino fue la continuación política del Imperio Romano y, por lo tanto, la herencia artística clásica se lleva a cabo a través del arte bizantino. Constantinopla, la capital bizantina, estaba adornada con gran cantidad de esculturas clásicas.

La característica más destacada del arte bizantino fue que se volvió más abstracto, favoreciendo el simbolismo en lugar de las representaciones realistas.

Arte en la Europa temprana

Esta categoría incluye el arte de las sociedades europeas y germánicas antes de la cristianización de Europa. Algunos de estos incluyen sociedades escita, celta, europea de la Edad del Hierro, ango-sajona y vikinga.

Arte islámico

Esta categoría abarca el arte producido en el siglo VII en adelante por personas que residen en lugares habitados o gobernados por poblaciones culturalmente islámicas. El arte islámico no incluye necesariamente solo el arte religioso. También incluye elementos de otros aspectos de la sociedad islámica. Algunos teólogos islámicos desalentaron activamente los elementos seculares en el arte.

El arte islámico incluye el uso extensivo de caligrafía decorada y el uso de arabescos, la repetición geométrica de diseños vegetales o florales.

Arte medieval temprano

El arte de la época medieval tenía un enfoque principalmente religioso, financiado por figuras influyentes de la Iglesia como obispos, abadías o mecenas seculares adineradas. Un elemento distintivo del arte medieval se refiere a la falta de realismo. Con el colapso del Imperio Romano vino la pérdida del conocimiento del realismo y del dibujo en perspectiva. A pesar de esto, el arte se utilizó durante esta época para transmitir ideología religiosa, y el arte icónico a menudo era suficiente para tal tarea.

Arte gótico

El arte gótico siguió a una progresión del arte medieval que surgió en Francia de la tradición del arte románico a mediados del siglo XII, encabezada por el desarrollo de la arquitectura gótica. Se hizo popular al norte de los Alpes, pero nunca superó los estilos clásicos italianos. El gótico internacional se desarrolló a finales del siglo XIV, y siguió desarrollándose hasta finales del siglo XV. El arte gótico tardío creció en Alemania, así como en muchas áreas, hasta bien entrado el siglo XVI. El arte gótico prominente incluye pintura sobre paneles, escultura, manuscrito iluminado, fresco y vidrieras.

Arte renacentista en Italia

El arte del Renacimiento temprano surgió en la ciudad-estado italiana de Florencia. Comenzó con Donatello y su resurgimiento de técnicas clásicas como el contrapposto y temas como el desnudo sin apoyo. Muchos artistas lo siguieron, estudiando ideas perdidas como la arquitectura romana. Un gran número de artistas importantes, como Brunelleschi, Donatello, Giotto y Lorenzo Ghiberti trabajaron en la Catedral de Florencia.

En el siglo XV, el arte renacentista progresó aún más, y en el siglo XVI se denominó Alto Renacimiento. Los artistas destacados de esta época incluyen a Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio. Si bien no hay estilos "renacentistas" distintos per se durante este período, el arte de los maestros del Alto Renacimiento se caracteriza por una asombrosa habilidad técnica. El arte del Alto Renacimiento tenía tal autoridad que se utilizaría como referencia para la instrucción durante muchas generaciones por venir. Los artistas podían declarar la inspiración divina, elevando el nivel del arte a un estado que antes se limitaba a la poesía. El arte se convertiría en una profesión respetable que no lo había sido.

Arte renacentista fuera de Italia

El arte del Renacimiento fuera de Italia a menudo se conoce como Renacimiento del Norte, que se refiere al hecho de que la mayor parte de Europa fuera de Italia se encuentra al norte. El realismo en el arte respetado en Italia no influyó en el norte hasta finales del siglo XV. La influencia gótica siguió siendo popular incluso hasta el inicio de los estilos barrocos. Muchos artistas del norte en el siglo XVI viajaron a Roma en busca de inspiración, que a menudo encontraron en el arte del Alto Renacimiento.

Mientras que los pintores italianos eran más parciales a los estilos grecorromanos, el arte germánico y holandés tendía a ser de naturaleza más religiosa y mitológica. El arte del Renacimiento del Norte también se especializó en el género y la pintura de paisajes.

Arte barroco

El arte barroco creció durante los siglos XVII y XVIII. Se considera parte de la Contrarreforma, el movimiento que buscaba reconfigurar la Iglesia Católica como respuesta a la Reforma Protestante. El arte barroco puso gran énfasis en el alto detalle y las decoraciones excesivamente ornamentadas. Se convertiría en rococó a mediados del siglo XVIII, que estaba aún más ricamente decorado y llamativo. El desprecio por tal ornamentación eventualmente inspiraría el neoclasicismo.

Arte del siglo XVIII

El arte del siglo XVIII incluye el Barroco tardío a principios del siglo XVIII, el Rococó a mediados del siglo XVIII, el Neoclasicismo del siglo XVIII al XIX y el Romanticismo a fines del siglo XVIII y XIX. Los estilos barroco y rococó eran muy ornamentados, y los artistas de estos estilos a menudo servían a los reyes. El rococó que vino después del barroco cayó rápidamente en desgracia cuando murió Luis XIV. El disgusto por él entre los artistas y el público allanó el camino para el desarrollo del neoclasicismo.

Los neoclásicos buscaron volver al arte más simple del Renacimiento debido a su disgusto por la grandeza de los estilos barroco y rococó. Algunos de los neoclásicos más reconocidos incluyen Canova, Ingres y Jacques-Louis David.

El romanticismo surgió del rechazo de un cierto grupo de personas a las ideas de la Ilustración y al arte de los neoclásicos. El arte romántico se centró en la utilización del movimiento y el color para transmitir emociones, en oposición al uso clasicista de la mitología y las tradiciones grecorromanas. El romanticismo enfatizó retratar la belleza y el poder de la naturaleza.

Arte del siglo XIX

El arte en el siglo XIX comenzó con la continuación del neoclasicismo y el romanticismo hasta mediados de siglo. Después de eso, se popularizó una nueva clasificación del arte: el modernismo. La fecha de 1863 se identifica comúnmente como el comienzo del arte moderno; fue el año en que Edouard Manet exhibió el cuadro "Le dejeuner sur l’herbe" en París. Sin embargo, esto no quiere decir que sea el padre del arte moderno, ya que hubo muchos otros que también se embarcaron hacia nuevos estilos que constituirían todos el período del arte conocido como modernismo.

Arte del siglo XX

El arte del siglo XX llegó a conocerse como modernismo, que comenzó en el siglo XIX. Movimientos como el postimpresionismo y el art nouveau del siglo anterior llevaron a Die Brucke en Alemania y al fauvismo en Francia. El corazón de Die Brucke condujo a lo que se llamó expresionismo que pedía las emociones. Kandinsky de Munich dirigió otro grupo alemán llamado Der Blaue Reiter, que asoció las imágenes del jinete azul con el arte espiritual / místico del futuro. El cubismo de Picasso rechazó las ideas plásticas del Renacimiento al introducir múltiples dimensiones a las imágenes bidimensionales.

Arte contemporáneo

El arte contemporáneo se asocia más comúnmente con lo producido desde la Segunda Guerra Mundial. Las exposiciones de arte contemporáneo suelen realizarse en museos y otras instituciones de arte similares. Estos lugares son administrados por artistas y cuentan con el apoyo de premios, subvenciones, premios y ventas directas de las obras expuestas.

Las instituciones de arte contemporáneo son a menudo criticadas por sus comportamientos exclusivistas, o más específicamente, por sus tendencias a regular lo que puede o no ser considerado arte contemporáneo. El arte externo, técnicamente contemporáneo porque se crea en la actualidad, puede ser ignorado en gran medida por las instituciones de arte contemporáneo porque los artistas son autodidactas y, por lo tanto, trabajan más allá de cualquier contexto histórico del arte.

Grabados / Grabados

El grabado es el proceso de creación de arte mediante la impresión (generalmente en papel). El grabado se diferencia de la fotografía en que contiene un elemento de producción original, a diferencia de la reproducción de una imagen, como en la fotografía. Cada impresión está hecha para ser una copia única con cualidades originales otorgadas por los procesos de grabado, lo que contrasta con la fotografía en la que una copia se puede hacer en múltiples copias.

Las impresiones se realizan transfiriendo tinta de tramas o matrices prefabricadas al soporte de papel. Ejemplos de matrices son placas de cobre o zinc, placas de polímero para grabar y grabar aluminio, piedra o polímero para litografía, bloques de madera para grabados en madera y xilografías y linóleo para linóleo.

Fotografía

La fotografía es el proceso de creación de imágenes al permitir que la radiación se queme en una película o sensores de imagen sensibles a la radiación. Durante el siglo XX la gente comenzó a defender y aceptar la fotografía como bellas artes. En los Estados Unidos, fotógrafos como Edward Steichen, John Szarkowski, Alfred Stieglitz, Edward Weston y F. Holland Day pasaron sus vidas promoviendo la fotografía como bellas artes. Esto resultó en un movimiento llamado pictorialismo, que utilizaba focos suaves para fotografías de ensueño y de aspecto romántico. Una reacción a esto fue la defensa de la fotografía directa, que consistía en fotografiar objetos como eran y no como imitaciones o representaciones de otras cosas.

Arte chino

El arte en China se remonta al año 10.000 a. C. y consta de esculturas y cerámica simple. Después de este período hubo una serie de dinastías artísticas, cada una de las cuales duró unos pocos cientos de años. El arte en la República de China en Taiwán y otras comunidades chinas en el extranjero puede considerarse arte chino porque se origina en la cultura y el patrimonio de China.

Arte japonés

El arte japonés tiene una larga historia, desde el año 10.000 a. C. hasta el presente. Abarca una variedad de estilos, que incluyen cerámica antigua, esculturas de madera y bronce, y seda o papel entintado. El arte japonés moderno también incluye manga o dibujos animados.

Históricamente, Japón fue vulnerable a la aparición repentina de ideas nuevas y extrañas, solo para ser seguidas por eras duraderas de aislamiento y contacto mínimo con el mundo fuera de Japón. Con el tiempo, los japoneses absorbieron y asimilaron elementos de culturas extranjeras con sus propios gustos estéticos autóctonos. En los siglos VII y VIII, Japón desarrolló un arte complejo con la difusión del budismo. En el siglo IX, Japón comenzó a depender menos de la influencia china y desarrolló formas de arte indígenas. El arte secular comenzó a florecer cada vez más. Hasta finales del siglo XV fueron populares tanto el arte religioso como el secular. Sin embargo, con la Guerra de Onin, Japón pasó por un siglo de agitación económica, política y social. Después de eso, con el surgimiento del estado shogunato Tokugawa vino el declive de la religión, y las artes sobrevivientes se volvieron en gran parte seculares.

Arte en India

El arte indio se origina en la India en el 3000 a. C., y se extiende hasta la actualidad. Comparado con el arte occidental, el arte indio es más ornamentado y sensual. El diseño fuerte es característico del arte indio tanto en la antigüedad como en la actualidad.
El arte indio se clasifica típicamente en cuatro períodos específicos:
-Antiguo (3500 a. C. - 1200 d. C.)
-Ascendencia islámica (1192-1757)
-Colonial (1757-1947)
-Independencia y poscolonial (post-1947)

Arte en el sudeste asiático

El arte del sudeste asiático está asociado con el área geográfica que incluye la moderna Tailandia, Laos, Vietnam, Camboya, Myanmar (antes Birmania), Singapur, Indonesia y Malasia. Todas estas áreas también se conocen colectivamente como Indochina. Las influencias provienen principalmente de China, India y culturas indígenas. De todos los países del sudeste asiático, Vietnam tiene la mayor influencia de la cultura china. En muchas culturas del sudeste asiático, la influencia hindú se conserva a pesar de la conversión islámica.

Arte Africano

Art of Africa constituye una de las creaciones más diversas, debido a la gran cantidad de sociedades y civilizaciones independientes, cada una con su propia cultura artística. El arte africano también incluye el arte de Disporas africanos, como los afroamericanos. Las características comunes a la mayoría del arte de la cultura africana incluyen: énfasis en las formas humanas, abstracción visual (en oposición a la representación naturalista), énfasis en la escultura, cualidades tridimensionales y escala no lineal.

Arte en las Américas

La historia del arte en las Américas comenzó en la época precolombina con las culturas indígenas. Esta categoría se refiere a las artes de los pueblos indígenas de las Américas desde la antigüedad hasta la actualidad. Los pueblos indígenas a los que se hace referencia incluyen los de América del Sur, Mesoamérica y América del Norte, incluida Groenlandia.

Arte de las culturas del Pacífico

El arte de las culturas del Pacífico se refiere a las de las regiones oceánicas de la actual Australia, Melanesia, Micronesia y Polinesia, incluidas áreas tan lejanas como Hawai y la Isla de Pascua. El arte de estos pueblos varía en diferentes regiones y culturas. Los temas sobrenaturales y de fertilidad son los más comunes. Las máscaras, los tatuajes, la pintura, los petroglifos, el tallado en piedra y madera y los textiles son las formas de arte más comunes.


3. Los antiguos túmulos celtas revelan una sociedad compleja.

Antiguo asentamiento celta Chysauster Village, un pueblo de finales de la Edad del Hierro y pueblo romano-británico de casas con patio en Cornualles, Inglaterra.

Fotos de geografía / Universal Images Group / Getty Images

Los celtas estaban lejos de ser salvajes, como lo demuestra el intrincado trabajo en metal y las joyas excavadas en los antiguos fuertes celtas y túmulos funerarios en toda Europa. Uno de esos montículos cerca de Hochdorf, Alemania, contenía los restos de un cacique celta y una gran cantidad de artefactos que apuntaban a una sociedad celta compleja y estratificada.

El cacique de Hochdorf y el montículo # x2019s data del 530 a. C., lo que los arqueólogos llaman el período tardío de Hallstatt, cuando la cultura celta se concentraba en Europa Central. El cacique estaba tendido en un largo sofá de bronce con ruedas y vestido con galas de oro que incluían una banda tradicional celta para el cuello llamada torc. Estaba rodeado de ornamentados cuernos para beber y un gran caldero de bronce, que todavía contenía los restos de hidromiel de alta calidad.

Arnold dice que el sofá con ruedas fue reemplazado en los túmulos funerarios celtas posteriores por carros de dos ruedas que llevaron a los muertos honrados al más allá. El equipo para beber apunta al papel fundamental de la fiesta como una herramienta sociopolítica para los celtas. Lo que los griegos y romanos describieron como & # x201C beber en exceso & # x201D fue en realidad una forma de que las élites celtas fortalecieran los lazos con sus aliados. Y eso continuó en el gran más allá.

& # x201C Los celtas creían en un tipo de vida futura BYOB, & # x201D dice Arnold. & # x201C Tuviste que llevar alcohol contigo y hacer una gran fiesta cuando llegaste al otro lado. Una señal de un buen líder fue la generosidad. & # X201D


Historia de la escultura


Éxtasis de santa Teresa (1647-52)
Por Bernini.

Cualquier relato cronológico de los orígenes y la evolución del arte tridimensional debería ocupar adecuadamente varios volúmenes, si no una biblioteca completa de libros. Comprimirlo en una sola página significa que la mayor parte de la historia se omite inevitablemente. Aun así, ¡sigue siendo una gran historia! Desde la Prehistoria, pasando por la Antigüedad clásica, la era gótica, el Renacimiento hasta el siglo XXI, la historia de la escultura está llena de artistas extraordinarios, la mayoría de ellos anónimos, cuya expresividad visual permanece con nosotros en forma de maravillosas estatuas de mármol, relieves de piedra y bronces inmortales.

Incluso hoy, visite cualquier catedral, o cualquiera de las grandes ciudades, plazas o edificios del mundo, y seguramente verá grandes ejemplos de arte 3-D.


Los burgueses de Calais (1885-95)
Por Auguste Rodin.

TIPOS DE ESCULTURA
Para bronces, estatuas y relieves,
ver: Escultura de bronce.
Para Pentelic, Parian, Carrara
piedra, ver: Escultura de mármol.
Para otras formas similares de
tallado, ver: Escultura en piedra.
Para esculturas en madera,
ver: Tallado en madera.
Para esculpir en arcilla, consulte:
Escultura de cerámica.

Cronología de la escultura de bellas artes

Escultura prehistórica

La escultura comienza en la Edad de Piedra. Exactamente cuándo, no lo sabemos. Los primeros ejemplos conocidos son las dos efigies de piedra primitivas conocidas como La Venus de Berekhat Ram y La Venus de Tan-Tan. La Venus de Berekhat Ram (que data de c.230.000 a. C. o antes) es una estatuilla basáltica hecha durante el Período Achelense, que fue descubierta en los Altos del Golán. La Venus de Tan-Tan (c. 200, 000 a. C. o antes) es una estatuilla de cuarcita del mismo período.

Si estos objetos son formas preesculturales, la escultura prehistórica más antigua adecuado Surgió alrededor del 35.000 a. C. en forma de tallas de animales, pájaros y figuras teriantrópicas, realizadas durante el Perigordio Inferior / Período Auriñaciense y descubiertas en las cuevas de Vogelherd, Hohle Fels y Hohlenstein-Stadel, en el Jura de Suabia, Alemania. La escultura figurativa más antigua es la talla de marfil conocida como el Hombre León del Hohlenstein Stadel (38.000 a. C.).

LOS MEJORES ESCULTORES DEL MUNDO
Para obtener una lista de los 100 principales 3-D
artistas (500 a. C. - presente),
ver: Grandes escultores.

MOVIMIENTOS, PERIODOS, ARTISTAS
Para más información, ver:
Historia del Arte

CRONOLOGÍA DE BELLAS ARTES
Para obtener detalles sobre el desarrollo
de la pintura y la escultura occidentales
ver: Cronología de la Historia del Arte.

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA
Además de ser el más duradero
forma de arte, la escultura es ciertamente
el más influyente. Históricamente,
casi todos los reyes, papas y tiranos
han reconocido la propaganda
efecto de escultura inspiradora.
Retrato distribuido de los emperadores romanos
bustos de ellos mismos a cada rincón
de su imperio la Iglesia Romana
decoraron sus catedrales, abadías
e iglesias con decenas de miles
de estatuas y esculturas en relieve para
transmitir el mensaje de la Biblia
Faraones, reyes y emperadores
del Antiguo Egipto, Persia, Grecia
y el mundo moderno, han invertido
fortunas en escultura monumental
para conmemorar el éxito en la batalla.
Tiranos modernos, de Stalin a Saddam
Hussein, han erigido estatuas como
monumentos a su glorioso gobierno.
Por supuesto, nada se compara con el
mensaje inspirador de América
Estatua de la Libertad, probablemente la No 1
obra propagandista de la escultura.
Además de tener una gran narrativa
contenido capaz de promover un
mensaje específico, la escultura también es
un arduo oficio cuyos creadores
dependen en gran medida de ambas herramientas,
tecnología. Desde el mas temprano
culturas-herramienta del Paleolítico,
El progreso escultórico se ha marcado
por el descubrimiento de nuevos materiales
Y equipamiento. Sorprendentemente, por el
nacimiento de Cristo, la mayor parte del escultor
métodos y técnicas tradicionales
ya había sido descubierto,
incluyendo trabajos en bronce y el
la orfebrería refinada practicada
por tribus nómadas.
En cualquier caso, por todas estas razones,
la historia de la escultura está de cerca
vinculado con la política, la tecnología
y prosperidad financiera de la sociedad.
Sobre todo, su historia es inextricablemente
relacionado con la arquitectura, el padre
arte cuyas estructuras forman tal
hogar importante para decorativos
obras escultóricas. Cada importante
El movimiento arquitectónico ha sido
acompañado de una gran demanda de
esculturas de todo tipo.

LAS MEJORES OBRAS DE ARTE DEL MUNDO
Para obtener una lista de obras maestras de
escultura, por escultores de todo el
edades, consulte: Las esculturas más grandes de la historia.

APRECIACIÓN DEL ARTE 3-D
Por dos ensayos sobre artes plásticas
agradecimiento, consulte:
Cómo apreciar la escultura
Arte en 3-D desde la Edad de Piedra hasta 1850.
Cómo apreciar la escultura moderna
Escultores de los siglos XIX / XX.

SIGNIFICADO DEL ARTE
Para obtener más información sobre los diferentes tipos,
estilos y valores de la tradición y
arte visual contemporáneo, ver:
Definición de art.

Otro tipo temprano de escultura de la Edad de Piedra son las figurillas obesas en miniatura llamadas Venus: como las Venus de Willendorf, Kostenky, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy y Gagarino. Hechas de materiales tan variados como hueso de mamut, arcilla cerámica y ceniza de hueso, así como varios tipos de piedra como esteatita, caliza oolítica, serpentina y roca volcánica, estas figuras de venus se han ubicado en sitios de toda Europa, desde Rusia hasta España. Los antropólogos creen que pueden haber sido utilizados en rituales de fertilidad, aunque sigue siendo un misterio por qué las mujeres gordas deberían ser tan icónicas. (¿Falta de comida? Ed).

Escultura mesolítica (c. 10.000-4.000 a. C.)

El arte mesolítico fue testigo de más bajorrelieves y esculturas independientes, como las estatuillas antropomórficas desenterradas en Nevali Cori y Gobekli Tepe cerca de Urfa en el este de Turquía, y las estatuas de Lepenski Vir (por ejemplo, The Fish God) en Serbia. También fue testigo de la creación del Shigir Idol (7500 a. C.), la talla de madera más antigua del mundo, que se encuentra cerca de Sverdlovsk en Rusia. Podría decirse que la mayor obra de arte mesolítica es la escultura de terracota de Rumania, conocida como La Pensador de Cernavoda, una imagen inconfundible del pensamiento cognitivo.

Escultura neolítica (4000-2000 a. C.)

El arte neolítico se destaca sobre todo por su cerámica, pero también presenta esculturas independientes y estatuillas de bronce, en particular de la civilización del valle del Indo, el norte del Cáucaso y el arte precolombino en las Américas. La forma más espectacular de arte neolítico fue la arquitectura piramidal egipcia cuyas cámaras funerarias llevaron a una mayor demanda de varios tipos de relieves, así como estatuas y estatuillas portátiles. (Ver escultura egipcia.) De hecho, el advenimiento de la Edad del Bronce (en Europa: 3000-1200 a. C.), así como la aparición de ciudades y edificios públicos, y el desarrollo de herramientas más sofisticadas, desencadenaron un aumento general en la demanda de todo tipo de arte, incluida la escultura. Véase, por ejemplo, la escultura mesopotámica (3000-500). Fue durante esta época que el arte comenzó a asumir un papel importante al reflejar las aspiraciones de los gobernantes poderosos y las deidades a las que adoraban. En resumen, las comunidades prósperas y ambiciosas eran buenas para la escultura.

Escultura del Mediterráneo Oriental (2000-1100 a. C.)

Tras el florecimiento de la arquitectura y otras artes en Egipto, el Levante también fue testigo del surgimiento de la cultura minoica en la isla de Creta, que se destacó por su escultura y su trabajo en metal. Después de una catástrofe desconocida (probablemente un terremoto) alrededor de 1500 a. C., la civilización minoica se derrumbó y Creta fue conquistada por los micénicos del continente griego, que fueron ellos mismos vencidos y la ciudad de Micenas destruida alrededor de 1100 a. C.

Escultura del Lejano Oriente (1700 a. C. - 1150 d. C.)

El arte chino durante la dinastía Shang (hacia 1600-1050) se desarrolló en líneas muy diferentes a las variedades occidentales. Para conocer la escultura de bronce más fina producida en China durante este período, consulte: Bronces de Sanxingdui (1200-1000 a. C.). Ejemplos famosos de escultura india y del sudeste asiático incluyen los extraordinarios relieves del templo hindú Kandariya Mahadeva del siglo XI (1017-29) en Madhya Pradesh, India y el templo Khmer de Angkor Wat del siglo XII (1115-45) en Camboya.

Escultura de la antigüedad clásica (c.1100-100 a. C.)

Debido al estancamiento cultural de la `` Edad Oscura '' griega (1100-900 a.C.) y al predominio de la cerámica durante el Período Geométrico (900-700 a.C.), la escultura griega no apareció realmente hasta el Período Daedálico o de Estilo Oriental alrededor del 650 a.C. A partir de entonces, se desarrolló de acuerdo con la cronología tradicional del arte griego durante la antigüedad clásica, como sigue: Período Arcaico (c.650-500 BCE) Período Clásico (c.500-323 BCE) y Período Helenístico (c.323-100 BCE). Para obtener más información, consulte: Escultura griega simplificada.

Escultura griega arcaica (c.600-500 a. C.)
El período arcaico fue una época de experimentación lenta pero continua; la forma más apreciada de la escultura griega arcaica fue el kouros (pl.kouroi), o desnudo masculino de pie.

Escultura griega clásica (c.500-323 a. C.)
Dividido en Período Clásico Temprano, Período Clásico Alto y Período Clásico Tardío, este fue el punto culminante de la creatividad griega. En las artes plásticas, escultores famosos como Policleto (siglo V a. C.), Mirón (activo 480-444 a. C.) y Fidias (c. 488-431 a. C.) (ver su obra en el Partenón) lograron un nivel de realismo, más desarrollado por artistas posteriores como Callimachus (Activo 432-408 BCE), Skopas (Activo 395-350 BCE), Lysippos (c.395-305 BCE), Praxiteles (Activo 375-335 BCE) y Leochares (Activo 340-320 BCE ) - que permanecería insuperable hasta el Renacimiento italiano.

Escultura griega helenística (c. 323-27 a. C.)
Durante este período (caracterizado por la expansión de la cultura griega por todo el mundo civilizado), el realismo clásico fue reemplazado por un mayor heroicismo y expresionismo. Véase: Escuela de escultura helenística de Pergamene (241-133 a. C.). Las obras famosas de la escultura griega helenística incluyen: Galia moribunda de Epigonus los Victoria alada de Samotracia Laocoonte y sus hijos por Hagesandrus, Polydorus y Athenodorus (42-20 a. C.), y el Venus de Milo. Para conocer los mayores relieves helenísticos, consulte: Altar de Zeus de Pérgamo (166-56 a. C.).

A pesar de la desaparición política y militar de las ciudades-estado griegas alrededor del 200 a. C., y el consiguiente ascenso de Roma, la escultura griega conservó su estatus como la mejor jamás realizada. Incluso los romanos no lograron superar su sentido de inferioridad frente al arte griego, aunque eran lo suficientemente lindos como para copiar tantas obras griegas como fuera posible, y es en gran parte a través de estas copias que se conoce el arte de la escultura griega. La influencia real de las estatuas y relieves helenísticos se produjo entre 1600-1700 años después, cuando fue "descubierta" por artistas del Renacimiento temprano en Italia, después de lo cual formó la piedra angular del arte europeo durante los siguientes cuatro siglos. En resumen, los griegos obtienen el máximo de puntos.

Escultura celta en metal (400-100 a. C.)

No olvidemos a los celtas, una serie de tribus nómadas que emergieron del Cáucaso alrededor del 800 a. C. y se extendieron gradualmente hacia el oeste por Europa (600-100 a. C.) hasta la península Ibérica, Gran Bretaña e Irlanda. Aunque eran muy móviles y maestros de la herrería y la orfebrería, estaban demasiado desorganizados para competir con el altamente disciplinado y centralizado Estado de Roma. Finalmente, totalmente romanizados, al menos en el continente, su arte celta en metal incluyó algunas de las mejores esculturas de metal de la época (por ejemplo, el Barco más ancho c.100-50 a. C.). También fueron comerciantes excepcionales y sus intrincados diseños de trabajos en metal fueron exportados e imitados en todo el mundo conocido. Para trabajos en piedra de los celtas, consulte: Escultura celta. Para monumental Keltoi escultura de piedra, ver: la Piedra Turoe.

La escultura de arcilla más grande del mundo
El Ejército de Terracota (que data del 246-208 a. C.), una enorme colección de guerreros de arcilla y caballos, fue esculpido en la provincia de Shaanxi, China, bajo las órdenes del emperador Qin Shi Huangdi. Miles de figuras permanecen enterradas en el sitio. Véase también Escultura budista china (100-presente). Para el arte en la India, vea la escultura india (3300 a. C. - 1850).

Escultura romana (c. 200 a. C. - c. 200 d. C.)

Hasta aproximadamente el 27 a. C., a pesar de la influencia de los escultores etruscos anteriores, conocidos por su "joi de vivre", la escultura romana no estaba idealizada y era realista, a partir de entonces se volvió severamente heroica y bastante mediocre. Fue diseñado sobre todo para expresar la majestuosidad y el poder del dominio romano, además de una serie de magníficos relieves históricos (por ejemplo, el bajorrelieve en espiral de la columna de Trajano) y monumentos raros (por ejemplo, el Ara Pacis Augustae), Los escultores romanos se emplearon principalmente en la producción de bustos de retratos de los emperadores y otros dignatarios. En resumen, no es gran cosa.

Escultura bizantina (330-1450 d.C.)

Hasta el siglo IV, la escultura paleocristiana había sido casi exclusivamente relieves de tumbas para sarcófagos en Roma. Cuando el Imperio Romano se dividió en Oriente y Occidente, la capital de Oriente estaba ubicada en Constantinopla. El arte del Imperio Romano de Oriente, con sede en Bizancio, era casi completamente religioso, pero, aparte de algunos relieves de marfil poco profundos y orfebrería, la marca ortodoxa del cristianismo oriental no permitía obras de arte en 3-D como estatuas o altos relieves. Bueno para pintores, malo para escultores.

Escultura durante la Edad Media (c.500-800)

Como sugiere el nombre, esta fue una época oscura y tranquila para los escultores europeos. La Iglesia era débil, los bárbaros (que no eran grandes en escultura) eran fuertes y las ciudades empobrecidas y sin cultura. Hubo algo de actividad en Constantinopla y en la periferia de Europa, por ejemplo en Irlanda, donde (desde 800-1100) la iglesia monástica comenzó a encargar una serie de cruces de piedra independientes conocidas como esculturas de la cruz alta celta, decoradas con escenas del Evangelio y otras esculturas celtas. patrones de estilo, pero poco arte medieval se creó en el continente.

Nota sobre escultura y arquitectura

Antes de continuar, vale la pena enfatizar la conexión clave entre la arquitectura pública o los programas de construcción y la escultura. En términos simples, los edificios públicos generalmente necesitaban una decoración escultórica, tanto por dentro como por fuera. Las columnas de soporte a menudo incorporan motivos decorativos o estatuas y relieves, al igual que fachadas, portales y varias pantallas interiores. Por lo tanto, cada nuevo programa importante de obras públicas, típicamente anunciado por un nuevo estilo de arquitectura, desencadenó un enorme programa paralelo de escultura. En resumen, los escultores medievales amaban a los arquitectos.

Escultura románica temprana (carolingia, otoniana) (c.800-1050)

El resurgimiento de la escultura medieval comenzó con Carlomagno I, rey de los francos, que fue coronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en 800. El imperio carolingio se disolvió con bastante rapidez, pero el patrocinio de las artes por parte de Carlomagno fue un primer paso crucial en la revitalización de la cultura europea, entre otras cosas. porque muchas de las iglesias románicas y góticas se construyeron sobre los cimientos de la arquitectura carolingia. Los logros arquitectónicos de Carlomagno fueron continuados por los emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico Otto I, II y III, en un estilo conocido como otoniano. Así que el arte de la escultura estaba de regreso, aunque en una escala modesta. Ver también: Artistas medievales.

Escultura románica (c.1000-1200)

En el siglo XI, una Iglesia cristiana más segura comenzó a reafirmarse. Este expansionismo doctrinal llevó a las Cruzadas para liberar a Tierra Santa de las garras del Islam.El éxito de los Crusaders y su adquisición de Holy Relics desencadenó la construcción de nuevas iglesias y catedrales en toda Europa en el estilo arquitectónico románico en toda regla, un estilo conocido en Gran Bretaña e Irlanda como arquitectura & quot; Norman & quot ;. Esto, a su vez, dio lugar a una gran ola de encargos de esculturas y vidrieras románicas. Así, finalmente, volvió el arte de esculpir. Y con esta nueva demanda de arte plástico llegó el establecimiento de nuevos talleres de tallado y modelado, aprendizajes y reconocimiento para maestros artesanos. De hecho, en el siglo XII los principales escultores se volvieron muy buscados por los abades, arzobispos y otros mecenas seculares, por su contribución única al impacto visual de los edificios religiosos en construcción.

Escultura gótica (c.1150-1300)

El programa de construcción de la Iglesia estimuló el desarrollo de nuevas técnicas arquitectónicas. Estas técnicas se combinaron a mediados y finales del siglo XII en un estilo que los arquitectos renacentistas más tarde llamaron & quot; arquitectura gótica & quot. Elementos característicos de estilo románico como arcos de medio punto, muros enormemente gruesos y ventanas pequeñas, fueron reemplazados por arcos apuntados, techos altos, paredes delgadas y enormes vidrieras. Esto transformó por completo el interior de muchas catedrales en refugios inspiradores, donde el mensaje cristiano se transmitió en una variedad de arte bíblico, incluidas hermosas vidrieras y una amplia variedad de esculturas. Las fachadas y las puertas de las catedrales estaban típicamente llenas de relieves escultóricos que representan escenas bíblicas, así como filas de esculturas que representan a profetas, apóstoles, antiguos reyes de Judea y otras figuras del evangelio. Los interiores presentaban estatuas de columnas y más relieves, todo dispuesto de acuerdo con un intrincado plan de iconografía del evangelio diseñado para educar e inspirar a los adoradores analfabetos.

En esencia, la catedral gótica tenía la intención de representar el Universo en miniatura, una pieza única de arte cristiano diseñada para transmitir un sentido del poder y la gloria de Dios y la naturaleza ordenada racional de su plan mundano. Entre las mayores casas de la escultura arquitectónica gótica se encuentran las catedrales francesas de Notre Dame de Paris, Chartres, Reims y Amiens, las catedrales alemanas de Colonia, Estrasburgo y Bamberg, y las iglesias inglesas de la Abadía de Westminster y la Catedral de York, entre muchas otras. En resumen, la escultura gótica representó el punto culminante del arte religioso monumental. Aunque la Iglesia continuaría invirtiendo fuertemente en el poder de la pintura y la escultura para inspirar a las masas (especialmente en el período barroco de la Contrarreforma), la era gótica fue realmente el apogeo del arte religioso "idealista". De ahora en adelante, el arte de la escultura se enredaría cada vez más en la política tanto secular como papal.

Escultura del Renacimiento italiano (hacia 1400-1600)

El Renacimiento italiano se inspiró en el "redescubrimiento" y la reverencia por las artes de la Antigüedad clásica, especialmente en el campo de la arquitectura y la escultura. El arte renacentista también estuvo influido por una fuerte creencia en el humanismo y la nobleza del hombre. Comenzó en Florencia, inspirándose en personas como el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), el escultor Donatello (1386-1466), el pintor Tommaso Masaccio y el teórico Leon Battista Alberti (1404-72), y financiado por el Familia Medici. Luego se extendió a Roma, donde recibió el apoyo de las ambiciones papales del Papa Sixto IV (1471-84), el Papa Julio II (1503-13), el Papa León X (1513-21) y el Papa Pablo III (1534-45). - y Venecia. Las artes en el norte de Europa (notablemente Flandes, Holanda, Alemania e Inglaterra) también experimentaron un renacimiento, particularmente en pintura al óleo, grabado y, en menor medida, tallado en madera, aunque este llamado Renacimiento del Norte se desarrolló de manera algo independiente debido a la Reforma ( c.1520) y la consiguiente falta de patrocinio religioso por parte de una Iglesia protestante que veía con malos ojos la pintura y la escultura religiosas.

Escultura del Renacimiento temprano (1400-90)

Dado el respeto otorgado al Renacimiento italiano, es fácil olvidar que muchos artistas italianos estaban fuertemente influenciados por las tradiciones y la artesanía góticas. Los escultores renacentistas, en particular, estaban en deuda con sus predecesores góticos. Basta estudiar los relieves de las fachadas y portales de las catedrales del siglo XII para ver el extraordinario realismo tridimensional y emocionalismo que se estaba logrando siglos antes del Renacimiento. La gran diferencia entre los escultores góticos y renacentistas es que los nombres de estos últimos son ahora mundialmente famosos, mientras que muchos de los primeros son desconocidos.

Teniendo esto en cuenta, los escultores del Renacimiento temprano buscaron mejorar aún más las obras góticas, inspirándose en gran parte en la escultura clásica romana y griega. Al hacerlo, inyectaron a sus estatuas una variedad de emociones y las imbuyeron de nueva energía y pensamiento. Los tres grandes artistas tridimensionales del Renacimiento temprano fueron Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolo di Betto Bardi, conocido como Donatello, y Andrea del Verrocchio (1435-88).

En 1401, se llevó a cabo un concurso para la comisión de crear un par de puertas de bronce para el Baptisterio de San Juan de Florencia, una de las iglesias más antiguas de la ciudad. Lorenzo Ghiberti ganó debidamente el encargo de las puertas, que tardó 27 años en terminar. Siguió una segunda comisión similar, que ocupó Ghiberti durante 25 años más. Sin embargo, sus puertas se convirtieron en un símbolo tangible del arte florentino, lo que provocó que Miguel Ángel se refiriera a ellas como "las puertas del paraíso".

Donatello, el primer genio real de la escultura renacentista italiana, reinventó el medio de la escultura de la misma manera que Masaccio, Piero della Francesca y Mantegna revolucionaron el arte de la pintura. Capaz de revestir sus figuras de intenso realismo y emoción, su obra maestra es su escultura de bronce. David (hacia 1435-53), la primera escultura desnuda de tamaño natural desde la Antigüedad, que fue creada para la familia Medici y ubicada en el Palazzo Medici de Florencia. La esbelta forma del pastor bíblico apenas parece capaz de la habilidad homicida necesaria para matar a Goliat, pero tanto su pensativa pose femenina como su clásico contrapposto (giro de caderas) ejercen un efecto hipnótico en el espectador. Seguramente debe ser una de las estatuas más grandes jamás creadas. Para obtener más información, consulte: David de Donatello.

Andrea del Verrocchio

los David (c.1475) de Andrea del Verrocchio es más refinado pero menos intenso que la estatua de Donatello, mientras que su estatua ecuestre del condottiere Bartolommeo Colleoni (Década de 1480) es menos heroica pero transmite una mayor sensación de movimiento y arrogancia que la de Donatello Gattamelata (1444-53) en Padua.

Otros escultores importantes del Renacimiento temprano incluyen: Jacopo della Quercia (c.1374-1438) Nanni di Banco (c.1386-1421) los escultores de terracota Luca Della Robbia (1400-1482), su sobrino Andrea Della Robbia (1435-1525) ), Niccolo Dell'Arca (1435-94) y Guido Mazzoni (1450-1518) Antonio Rossellino (1427-79) Antonio Pollaiuolo (1432-98).

Escultura del Alto Renacimiento (hacia 1490-1530)

Los escultores del Renacimiento estuvieron dominados por Miguel Ángel (1475-1564), el mayor escultor del Renacimiento italiano y posiblemente de todos los tiempos. El historiador de arte Anthony Blunt dijo de las obras de Miguel Ángel como Piedad (1497-9, mármol, Basílica de San Pedro, Roma), David (1501-4, mármol, Galleria dell'Accademia, Florencia) y Morir esclavo (1513-16, mármol, Louvre, París) que poseían una & quot calidad sobrehumana & quot; pero también & quot; una sensación de cuota de melancolía, de sombría inquietud. reflejan la tragedia del destino humano. ”Algunas de las tallas de mármol de Miguel Ángel tienen una belleza y un pulido impecables, lo que demuestra su absoluto dominio técnico. En el campo del desnudo masculino heroico sigue siendo el máximo exponente. Para obtener más información, consulte David de Miguel Ángel.

Otros escultores importantes del Alto Renacimiento son el artista y arquitecto veneciano Jacopo Sansovino (1486-1570) y Baccio Bandinelli (1493-1560).

Escultura del Renacimiento del Norte (hacia 1400-1530)

En el norte de Europa, el arte de la escultura fue ejemplificado en particular por dos asombrosos artesanos que llevaron el arte de esculpir en madera a nuevas alturas: el escultor alemán de tilo Tilman Riemenschneider (1460-1531), conocido por sus relieves y esculturas de madera independientes y el el tallador de madera Veit Stoss (1450-1533) conocido por sus delicados retablos.

Otros escultores importantes del norte de los Alpes incluyen:
Hans Multscher (hacia 1400-1467) Giorgio da Sebenico (1410-1473)
Michel Colombe (hacia 1430-1512) Gregor Erhart (hacia 1460-1540).

Escultura manierista (1530-1600)

Si la confianza y el orden del período del Alto Renacimiento se reflejaban en sus formas idealizadas de escultura figurativa, la escultura manierista reflejaba el caos y la incertidumbre de una Europa atormentada por la división religiosa y una Roma recientemente saqueada y ocupada por soldados mercenarios franceses. Los escultores manieristas introdujeron una nueva expresividad en sus obras, ejemplificada por los poderosos Violación de los sabinos por Giambologna (1529-1608), y Perseo (1545-54) de Benvenuto Cellini (1500-71). Sin embargo, compare la famosa estatua de mármol yacente naturalista de Santa cecilia por Stefano Maderno (1576-1636). Véase también Juan de Juni (1507-1577), que extendió el Renacimiento a España, Alonso Berruguete (c.1486-1561) que introdujo el manierismo en España, y Francesco Primaticcio (1504-1570) que lanzó el manierismo en Francia. Para los mejores escultores manieristas franceses, ver: Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611) y Adriaen de Vries (1560-1626).

Escultura barroca (hacia 1600-1700)

A finales del siglo XVI, en respuesta a la Reforma Protestante, la Iglesia Católica Romana lanzó su propia Contrarreforma. Esta campaña de propaganda, diseñada para persuadir a los fieles de que regresen a la Iglesia "verdadera", empleó toda la panoplia de las artes visuales, incluida la arquitectura, la escultura y la pintura, y se asoció con un lenguaje más grandioso y dramático conocido como arte barroco. Implicó un patrocinio masivo para los artistas, ¡buenas noticias para los escultores!

Incluso la Plaza de San Pedro en Roma fue remodelada para asombrar a los visitantes. El genio arquitecto / escultor Bernini (1598-1680) diseñó una serie de columnatas que conducen a la catedral, lo que dio a los visitantes la impresión de que estaban siendo abrazados por los brazos de la Iglesia católica.

Bernini fue el más grande de todos los escultores barrocos. Después de trabajar para el cardenal Scipione Borghese, se convirtió en el principal escultor del papa Urbano VIII. Atraído por el naturalismo dramático de lo que se llama el estilo barroco helenístico de los siglos II y I a.C. (por ejemplo, véanse obras como El galo vencido matándose a sí mismo y a su esposa) La contribución única de Bernini fue la creación de obras maestras ilusionistas sensacionales (por ejemplo, representando un momento en el tiempo), de una manera que hasta ahora solo habían logrado los pintores. Era como si tratara los materiales relativamente intratables de la escultura como si fueran completamente maleables. Su técnica escultórica y su composición eran tan impresionantes que atrajo no pocas críticas de rivales envidiosos.

Su principal rival fue Alessandro Algardi (1598-1654), el escultor favorito del Papa Inocencio X. Si Bernini personificó el naturalismo dramático griego, el estilo de Algardi fue más comedido (los críticos dicen débil). Otro rival fue el escultor flamenco Francois Duquesnoy (1594-1643) cuyo estilo era completamente clásico. Duquesnoy era más bien una figura sombría que trabajaba con un estilo severo y sin emociones que, sin embargo, fue muy apreciado por los escritores académicos por su perfecta síntesis de la naturaleza y la antigüedad. Las cortinas fluyen elegantemente, siguiendo la forma del cuerpo, mientras que la figura se equilibra en perfecta gracia y reposo, todo lo contrario del movimiento dinámico y la sensación intensa de Bernini.

La escultura barroca francesa fue ejemplificada por Francois Girardon (1628-1715), una especie de Algardi francés, y su rival Antoine Coysevox (1640-1720) cuyo estilo más suelto era todavía relativamente moderado en comparación con Bernini, y Pierre Puget (1620-94) quien fue uno de los pocos escultores en recuperar la inmediatez de la mejor obra de Bernini.

Otros escultores barrocos incluyen: Juan Martines Montanes (1568-1649), Alonzo Cano (Granada, 1601-67) y Andreas Schluter (1664-1714), el mayor escultor barroco del norte de Alemania. En el sur de Alemania, uno de los más grandes maestros fue Jorg Zurn (1583-1638), quien produjo el impresionante Altar Mayor de la Virgen María (1613-16) de cinco pisos, en la Iglesia de San Nicolás en Uberlingen, en la costa norte. del lago de Constanza (Bodensee).

Escultura rococó (hacia 1700-1789)

Básicamente una reacción francesa contra la seriedad del barroco, el arte rococó comenzó en la corte francesa en el Palacio de Versalles antes de extenderse por Europa. Si la escultura barroca era dramática y seria, el rococó era todo lujos y nada de sustancia, aunque en realidad no era tanto un estilo diferente del barroco sino más bien una variación del estilo llevado a cabo por Bernini y sus contemporáneos. Aun así, se puede hablar de las cualidades rococó en una obra de escultura: informalidad, alegría, preocupación por los asuntos del corazón y evitación consciente de la seriedad.

El escultor más exitoso de la primera mitad del siglo XVIII fue Guillaume Coustou (1677-1746), Director de la Academia Francesa desde 1707, quien continuó la tendencia barroca de su tío Coysevox. Su alumno, Edme Bouchardon (1698-1762), es una figura más interesante. cuyo sentimiento por lo antiguo le llevó a anticipar la tendencia posterior al neoclasicismo.
Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), uno de los favoritos de Madame de Pompadour, fue otro ejemplo importante del estilo rococó, ya que su principal rival fue Etienne-Maurice Falconet (1716-91), quien se especializó en figuras eróticas que tienen una deriva tenue. de originales helenísticos. Su obra maestra, sin embargo, sigue siendo su clásico monumento & quot; Jinete de Bronce & quot a Pedro el Grande en San Petersburgo - ver Escultura rusa.

En Inglaterra, los principales escultores de los siglos XVII / XVIII fueron el clasicista Michael Rysbrack (1694-1770), el más teatral Louis Francois Roubiliac (1705-62) y el eminente tallador de madera Grinling Gibbons (1648-1721). La escultura rococó alemana fue ejemplificada en obras del escultor de Dresde Balthazar Permoser (1651-1732), pequeños grupos de artesanos que trabajaban en las iglesias católicas del sur de Alemania, e Ignaz Gunther (1725-75) cuyas esculturas figurativas tienen un realismo de superficie dura y policromado. superficie que recuerda a la talla de madera medieval alemana.

El caprichoso y decadente rococó fue barrido por la Revolución Francesa, que marcó el comienzo del nuevo estilo más severo del neoclasicismo.

Escultura neoclásica (floreció hacia 1790-1830)

El arte neoclásico, básicamente arte griego con un toque moderno, estuvo dominado por la arquitectura neoclásica. Los edificios neoclásicos incluyen el Panteón (París), el Arco de Triunfo (París), la Puerta de Brandenburgo (Berlín) y el Edificio del Capitolio de los Estados Unidos. La escultura neoclásica implicó un énfasis en las virtudes del heroicismo, el deber y la seriedad. Los principales escultores neoclásicos incluyeron al extremadamente severo y heroico Antonio Canova (1757-1822), el atribulado maestro de retratos y busto Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), el más naturalista / realista Jean-Antoine Houdon (1741-1828), el bastante ligero Claude Michel de corazón llamado Clodion (1738-1814), y los escultores ingleses Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) y Sir Richard Westmacott (1775-1856). Sólo más tarde, en el siglo XVIII, apareció un digno sucesor de Canova en la persona del escultor danés Bertel Thorwaldsen (1770-1844), quien abordó la antigüedad con una altivez comparable aunque con menos originalidad.

Escultura del siglo XIX

En muchos sentidos, el siglo XIX fue una época de crisis para la escultura. En términos simples, el desarrollo arquitectónico se había agotado en gran medida, el patrocinio religioso había disminuido como resultado de la Revolución Francesa y el clima general de `` populismo '' comenzó a causar mucha confusión en las mentes de los patrocinadores institucionales y privados en cuanto a lo que constituían sujetos aceptables ( y estilos) para la representación escultórica. Al estar involucrados en una forma de arte más cara que los pintores y, por lo tanto, dependientes de comisiones de alto costo, los escultores a menudo se encontraban a merced de la opinión pública en forma de ayuntamientos y comités. Aparte de una serie de grandiosos monumentos públicos y las habituales estatuas conmemorativas de obispos y reyes, ejecutadas invariablemente en el estilo estéril y conformista requerido por las autoridades (por ejemplo, el Albert Memorial), los escultores tuvieron pocas oportunidades de mostrar su originalidad. La pintura, por otro lado, estaba experimentando cambios enormes y emocionantes. En resumen, no fue un buen momento para involucrarse en el arte 3-D.

Los escultores del siglo XIX que merecen una mención incluyen al versátil James Pradier (1790-1852), los románticos Francois Rude (1784-1855), David d'Angers (1788-1856), Antoine-Louis Barye (1796-1875) y Auguste Preault. (1809-79) y la escultora neorrenacentista florentina Felicie de St Fauveau (1799-1886). Uno de los artistas más talentosos fue el alegre Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75), cuya sensualidad fue adaptada a las demandas de los escultores decorativos de la década de 1860 por Ernest Carrier-Belleuse (1824-87), por lo demás más conocido por la hecho de que uno de sus alumnos era un escultor desconocido llamado Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) fue un seguidor más contemplativo y serio de Carpeaux. Entre los clasicistas del siglo XIX, figuras destacadas incluyeron a John Gibson (1791-1866), el talentoso pero frustrado Alfred Stevens (1817-75), el versátil George Frederick Watts (1817-1904) y el estadounidense Hiram Powers (1805-73). .

Tampoco debemos olvidar al imaginativo escultor francés Auguste Bartholdi (1834-1904), más conocido como el creador de la escultura de fama mundial. La estatua de la libertad - en el puerto de Nueva York. También el gran escultor monumental estadounidense Daniel Chester French (1850-1931), conocido por la figura sentada de Lincoln en el Lincoln Memorial en Washington DC.

La gran excepción fue el incomparable genio francés Auguste Rodin (1840-1917). Rodin, uno de los pocos auténticos maestros de la escultura moderna, se veía a sí mismo como el sucesor de su icónico héroe Miguel Ángel, aunque el florentino era un tallador de mármol, mientras que Rodin era principalmente un modelador de bronce. Además, mientras Miguel Ángel ejemplifica las formas nobles y atemporales de la Antigüedad clásica, las obras más características de Rodin transmiten una modernidad inconfundible y un naturalismo dramático. Podría decirse que los verdaderos predecesores de Rodin fueron los escultores góticos, pues era un apasionado admirador de las catedrales góticas de Francia, de cuyos heroicos relieves derivó gran parte de su inspiración. En cualquier caso, el impacto de Rodin en su forma de arte fue mayor que el de cualquier escultor desde el Renacimiento.

Escultura del siglo XX: el advenimiento del modernismo

Con la escultura menos capaz de reflejar las nuevas tendencias del arte moderno durante el siglo XIX, dejando a artistas como Auguste Rodin (1840-1917) libres para perseguir un monumentalismo derivado esencialmente de la ideología renacentista, y otros para celebrar los valores victorianos en forma de patriotismo y personajes históricos, también ejecutados a la gran manera de épocas anteriores, no fue hasta la aparición de escultores modernos del siglo XX como Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) y Naum Gabo (Naum Neemia Pevsner) ( 1890-1977), esa escultura realmente comenzó a cambiar, a principios de siglo. Para conocer la influencia de las culturas tribales en el desarrollo de la escultura del siglo XX, consulte: Primitivismo / Arte primitivo. Al respecto, véase el trabajo de Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915) y su mentor Jacob Epstein (1880-1959). En particular, tenga en cuenta el impacto de la escultura africana en los escultores modernos de la Ecole de Paris.

De hecho, las primeras décadas del siglo XX vieron las bellas artes en un fermento. El revolucionario movimiento cubista, inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963), rompió muchos de los cánones sagrados del arte tradicional y desencadenó una ola de experimentación tanto en pintura como en escultura. Este último fue redefinido significativamente por una serie de escultores como Marcel Duchamp (1887-1968) - ver sus & quotreadymades & quot - Jacques Lipchitz (1891-1973) y Alexander Archipenko (1887-1964), así como Brancusi, Boccioni y Gabo. El representacionalismo fue rechazado en favor de nuevas expresiones abstractas de espacio y movimiento, a menudo utilizando materiales no tradicionales nunca antes utilizados en escultura.

A raíz del cubismo, la Gran Guerra (1914-18) y la Revolución Bolchevique de 1917 tuvieron un gran impacto adicional en los artistas de toda Europa, como se ejemplifica en los influyentes movimientos iconoclastas del dadaísmo y el constructivismo. Los escultores se unieron a los pintores en la producción de obras de arte que reflejan nuevos iconos como la máquina, así como nuevas ideologías de diseño (por ejemplo, las teorías de la escuela de diseño Bauhaus) y la forma (por ejemplo, lo increíble Merzbau de Kurt Schwitters).

La década de 1920 en París vio el surgimiento del surrealismo, un movimiento enormemente influyente que buscaba un nuevo "superrealismo" en un estilo que abarcaba tanto la abstracción como el naturalismo. Los artistas surrealistas famosos que trabajan en 3-D incluyen: Salvador Dali (1904-89), quien produjo su obra surrealista. Sofá Mae West Lips y Teléfono de langosta Meret Oppenheim (1913-85) quien creó Desayuno Peludo y FE McWilliam (1909-1992) que produjo Ojos, nariz y mejillas. Otros escultores modernos como Jean Arp (1886-1966), así como Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-75), líderes de la escultura británica moderna, estaban experimentando con nuevas formas de abstracción biomórfica / orgánica, mientras que los estadounidenses Alexander Calder (1898-1976) fue pionero en la escultura móvil y el arte cinético, y David Smith (1906-65) estaba desarrollando la escultura metálica abstracta. Muchos escultores desarrollaron su estilo a medida que avanzaba el siglo: Alberto Giacometti (1901-66), por ejemplo, comenzó de manera surrealista durante las décadas de 1920 y 1930 antes de perfeccionar sus obras figurativas semiabstractas únicas. Véase también el artista británico-estadounidense modernista Jacob Epstein (1880 & # 1501959), cuyas obras figurativas audaces resultaron muy controvertidas.

Escultura de posguerra (1945-70)

No surgió ninguna escultura en Nueva York o París que se compare con el estilo de pintura predominante del expresionismo abstracto (c. 1945-62), aunque ciertamente hubo innovación, principalmente en el uso de nuevos materiales y un creciente estado de ánimo de conceptualismo, un estilo que se centra en la idea detrás del objeto tridimensional, en lugar del objeto en sí, así como en una confusión entre pintura y escultura. Principales innovaciones, principalmente de escultores estadounidenses, pero vea Ciudad destruida (1953) del escultor ruso Ossip Zadkine (1890-1967) - incluido el & quot; muros esculpidos & quot; de Louise Nevelson (1899-1988) - ensamblajes compuestos de objetos encontrados, en su mayoría madera, rociados con pintura blanca, negra u dorada y dispuestos en caja- como estantes que ocupan una pared las esculturas de fieltro de Robert Morris (n. 1931) las obras de neón y fluorescentes de Bruce Nauman (n. 1941) las obras de César (1921-98) hechas de piezas de automóviles las esculturas de chatarra (por ejemplo, montones de teléfonos rotos) de Arman (Armand Fernandez) (n. 1928) el arte cinético de Jean Tinguely (1925-1991) y la escultura abstracta del artista británico Sir Anthony Caro (1924-2013).

Cronológicamente, el primer gran movimiento de posguerra que involucró a escultores fue el Pop-Art de la década de 1960, que se originó en el trabajo pionero de Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (n. 1930) durante la década de 1950. Las famosas esculturas Pop incluyen: Dios de la guerra japonés (1958) del pionero Eduardo Paolozzi (n. 1924), Latas de cerveza (1964) de Jasper Johns, el lienzo, gomaespuma y cartón Hamburguesa de piso (1962) y Extremos de maricas gigantes (1967) de Claes Oldenburg (n. 1929), y el ingenioso Sofá Joe (1968) de los italianos Jonathan De Pas (1932-91), Donato D'Urbino (n. 1935) y Paolo Lomazzi (n. 1936), todos mostrando vestigios del arte surrealista anterior. La escultura pop no es nada serio, pero es muy divertido.

En completo contraste con el arte pop, el minimalismo de la década de 1960 exploró la pureza de las formas ultra simplificadas hasta el punto de lo absurdo. Los escultores minimalistas famosos incluyen a Sol LeWitt (n. 1928), el artista conceptual estadounidense conocido por sus construcciones esqueléticas y geométricas en forma de caja, las formas simplificadas e intransigentes de Donald Judd (1928-94), el artista experimental Walter de Maria (n. 1935) y Carl Andre, nacido en Massachusetts (n. 1935). La escultura minimalista puede ser totalmente apreciada por cualquier persona con un doctorado en Interpretación de Bellas Artes.

Land Art: Escultura ambiental

La década de 1960 también fue testigo de un tipo de escultura completamente nuevo conocido como Land Art (Earthworks o Environmental art). Como niños construyendo castillos de arena en la playa, los artistas se adentraron en la naturaleza y cavaron, excavaron y remodelaron el paisaje natural para crear (lo que esperaban que fuera) arte. El escultor ambiental pionero fue el pesimista Robert Smithson (1938-73). Últimamente, la pareja de artistas Christo y Jeanne-Claude Javacheff han alcanzado la fama envolviendo partes del entorno en telas de colores, mientras que Andy Goldsworthy (n. 1956) se especializa en esculturas ambientales temporales (por ejemplo, hechas de nieve) que se descomponen o desaparecen.

Escultura contemporánea posmodernista

En 1970, una cantidad cada vez mayor de arte contemporáneo se estaba volviendo extremadamente experimental: los críticos de arte podrían decir que es loco, incomprensible y kitsch. A partir de la década de 1970, esta tendencia fue bautizada como "arte posmodernista". Nadie sabe realmente lo que significa esta palabra y, si lo saben, no pueden explicarlo. En lo que respecta a la escultura posmodernista, lo mejor que se puede decir es que lleva la escultura al límite de la expresión tridimensional y, con frecuencia, se cruza con otras formas de arte como la instalación, el arte de ensamblaje puro e incluso el teatro. Uno de los escultores posmodernistas más famosos es el ganador del premio Turner británico, nacido en India, Anish Kapoor (n. 1954).

El posmodernismo está ejemplificado por las obras de Damien Hirst (n. 1965), el líder ingenioso e impulsado por el mercado del movimiento de Jóvenes Artistas Británicos de la década de 1980, que alcanzó la fama mundial por La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive (1991), un tiburón tigre muerto encurtido en un tanque de formaldehído - ¿Es una escultura o una instalación? Nadie lo sabe realmente. Otras obras controvertidas de Hirst incluyen: Virgen madre (2005) una obra enorme que representa a una mujer humana embarazada, cortada para mostrar el feto, el tejido muscular y el cráneo y su cráneo con incrustaciones de diamantes. Por el amor de Dios (2007). Los críticos afirman que Hirst no es más que un showman muy innovador, pero los coleccionistas, así como el público, parecen amarlo. Deja que la historia tenga la última palabra sobre este artista multimillonario.

No todas las esculturas contemporáneas son controvertidas como el tiburón muerto de Hirst. El final del siglo XX ha sido testigo de una serie de escultores excepcionales trabajando en modos más o menos tradicionales, aunque con una concepción modernista. Ejemplos famosos de escultura contemporánea incluyen: las esculturas de metal a gran escala de Mark Di Suvero (n. 1933), las formas públicas monumentales de Richard Serra (n. 1939), las figuras hiperrealistas de Duane Hanson (1925-96) y John. De Andrea (n. 1941), las estructuras ambientales de Antony Gormley (n. 1950), las fabulosas figuras realistas de Rowan Gillespie (n. 1953), las innovadoras obras neo-pop de Jeff Koons (n. Esculturas surrealistas de araña Maman de Louise Bourgeois (1911-2010).

Esculturas aclamadas de principios del siglo XXI incluyen obras de Eduardo Chillida (1924-2002) (por ejemplo, la pieza de hierro Berlina, 2000, Bundeskanzleramt, Berlín-Tiergarten) de Sudobh Gupta (n. 1964) y Damian Ortega (n. 1967), entre otros demasiado numerosos para mencionarlos.

Escultura arquitectónica

Aunque fuera del alcance de este artículo, cabe mencionar grandes obras icónicas de escultura arquitectónica, entre las que se encuentran: El coloso de Rodas, La estatua de la libertad, La torre Eiffel, La columna de Nelson, El Chicago Picasso, y El pico de Dublín, entre otros.

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& # 149 Para obtener más información sobre los orígenes y la historia de la escultura, consulte: Enciclopedia de artes visuales.


Contenido

Durante la glaciación cuaternaria más reciente, capas de hielo de más de 3.000 m (9.800 pies) de espesor recorrieron el paisaje de Irlanda, pulverizando rocas y huesos y erradicando cualquier posible evidencia de asentamientos humanos tempranos durante el período cálido de Glenavia [5] restos humanos pre que datan de la última glaciación se han descubierto en el extremo sur de Gran Bretaña, que escapó en gran medida de las capas de hielo que avanzaban.

Durante el Último Máximo Glacial (hace aproximadamente 26 000-19 000 años), [6] Irlanda era un páramo ártico o tundra. Los efectos de este período en Irlanda se conocen como glaciación general de Midland [7] o glaciación de Midlandian. [8] Anteriormente se creía que durante este período el hielo cubría dos tercios de Irlanda. [9] [7] La ​​evidencia posterior de los últimos 50 años ha demostrado que esto no es cierto y publicaciones recientes sugieren que la capa de hielo se extendía más allá de la costa sur de Irlanda. [10]

Durante el período entre 17.500 y 12.000 años atrás, un período más cálido conocido como Bølling-Allerød permitió la rehabilitación de las áreas del norte de Europa por cazadores-recolectores itinerantes. La evidencia genética sugiere que esta reocupación comenzó en el suroeste de Europa y los restos de fauna sugieren la existencia de un refugio en Iberia que se extendió hasta el sur de Francia. Aquellos originalmente atraídos al norte durante el período pre-boreal serían especies como renos y uros. Algunos sitios tan al norte como Suecia, habitados hace más de 10.000 años, sugieren que los humanos podrían haber utilizado los extremos glaciares como lugares desde los que cazaban animales migratorios.

Estos factores y cambios ecológicos llevaron a los humanos al borde de las zonas libres de hielo más septentrionales de Europa continental al inicio del Holoceno y esto incluyó regiones cercanas a Irlanda. Sin embargo, durante la primera parte del Holoceno, la propia Irlanda tenía un clima que era inhóspito para la mayoría de los animales y plantas europeos. La ocupación humana era poco probable, aunque la pesca era posible.

Gran Bretaña e Irlanda pueden haber estado unidas por un puente terrestre, pero debido a que este vínculo hipotético se habría cortado por el aumento del nivel del mar tan temprano en el período cálido, probablemente hacia el 16.000 a.C., poca flora o fauna terrestre templada habría cruzado a Irlanda. [11] [12] Las serpientes y la mayoría de los demás reptiles no pudieron repoblar Irlanda porque cualquier puente terrestre desapareció antes de que las temperaturas fueran lo suficientemente cálidas para ellos. [13] El descenso del nivel del mar también unió a Gran Bretaña a Europa continental y esto persistió mucho más tiempo, probablemente hasta alrededor del 5600 a. C. [14]

Los primeros humanos modernos conocidos en Irlanda se remontan al Paleolítico tardío. Esta fecha se retrasó unos 2.500 años por una datación por radiocarbono realizada en 2016 en un hueso de oso excavado en 1903 en la "Cueva de Alice y Gwendoline", en el condado de Clare. El hueso tiene marcas de corte que muestran que fue descuartizado cuando estaba fresco y dio una fecha de alrededor del 10.500 a. C., lo que muestra que los humanos estaban en Irlanda en ese momento. [15] En contraste, un pedernal trabajado por un humano encontrado en 1968 en Mell, Drogheda, que es mucho más antiguo, probablemente muy anterior al 70.000 a. C., normalmente se considera que fue llevado a Irlanda en una capa de hielo, probablemente de lo que es ahora el fondo del Mar de Irlanda. [dieciséis]

Un sitio británico en la costa este del Mar de Irlanda, que data del 11.000 a. C., indicó que la gente estaba en el área comiendo una dieta marina que incluía mariscos. Estos humanos modernos también pueden haber colonizado Irlanda después de cruzar un puente terrestre del sur, ahora libre de hielo, que unía el sureste de Irlanda y Cornualles, si existía, o más probablemente, por barco. En el sur, el mar de Irlanda frente al sur de Gales era al menos mucho más estrecho que hoy hasta el año 12.000 a. C. [11] en el norte, el cruce marítimo hacia Kintyre en Escocia, aunque demasiado profundo para haber sido un puente terrestre. , es incluso hoy sólo doce millas en su punto más corto y entonces habría sido menos. [11] Es posible que estas personas hayan encontrado pocos recursos fuera de la pesca de marisco en la costa y las bellotas, por lo que es posible que no hayan ocupado continuamente la región. La primera línea costera de Irlanda está ahora casi completamente bajo el mar, por lo que se pierde evidencia de poblaciones costeras, [11] aunque se están explorando formas de investigar sitios submarinos.

El regreso de las heladas en el Younger Dryas, que duró desde 10,900 aC hasta 9700 aC, puede haber despoblado Irlanda. Durante el Younger Dryas, el nivel del mar siguió aumentando y nunca regresó ningún puente terrestre sin hielo entre Gran Bretaña e Irlanda. [17]

La última edad de hielo llegó a su fin en Irlanda alrededor del año 8000 a. C. [18] Hasta la única datación del Paleolítico de 2016 descrita anteriormente, la evidencia más temprana de ocupación humana después del retroceso del hielo se remonta al Mesolítico, alrededor del 7000 a. C. [19] Aunque los niveles del mar aún eran más bajos que en la actualidad, es muy probable que Irlanda ya fuera una isla cuando llegaron los primeros colonos en barco, muy probablemente desde Gran Bretaña. [11] Los primeros habitantes de la isla eran gente de mar que dependía en gran parte de su sustento del mar, y más tarde los asentamientos o campamentos en el interior por lo general estaban cerca del agua. [20] Aunque los arqueólogos creen que los pueblos del Mesolítico dependían en gran medida de los entornos ribereños y costeros, el ADN antiguo indica que probablemente habían cesado el contacto con las sociedades mesolíticas en la isla de Gran Bretaña y más allá. [21]

Se ha encontrado evidencia de cazadores-recolectores del Mesolítico en toda la isla: varias de las excavaciones clave del Mesolítico temprano son el sitio de asentamiento en Mount Sandel en el condado de Londonderry (Coleraine), las cremaciones en Hermitage, el condado de Limerick en la orilla del río Shannon y el camping en Lough Boora en el condado de Offaly. Además de estos, se han observado dispersiones líticas del Mesolítico temprano alrededor de la isla, desde el norte en el condado de Donegal hasta el sur en el condado de Cork. [22] La población se ha estimado tentativamente en alrededor de 8.000.

Los cazadores-recolectores del Mesolítico vivían de una dieta variada a base de mariscos, aves, jabalíes y avellanas. [24] [25] No hay evidencia de ciervos en el Mesolítico irlandés y es probable que los primeros ciervos rojos se introdujeran en las primeras etapas del Neolítico. [26] La población humana cazaba con lanzas, flechas y arpones con puntas de pequeñas hojas de piedra llamadas microlitos, mientras complementaba su dieta con frutos secos, frutas y bayas recolectadas. Vivían en refugios estacionales, que construían estirando pieles de animales o paja sobre marcos de madera. Tenían fogones al aire libre para cocinar su comida. Durante el Mesolítico, la población de Irlanda probablemente nunca fue más de unos pocos miles. Los artefactos sobrevivientes incluyen pequeñas hojas y puntas de microlitos, y más tarde herramientas y armas de piedra más grandes, en particular el versátil copo de Bann. [27]

Muchas áreas de Europa ingresaron al Neolítico con un 'paquete' de cultivares de cereales, animales de pastoreo (bueyes / vacas domesticados, ovejas, cabras), alfarería, tejidos, viviendas y cultivos funerarios, que llegan simultáneamente, un proceso que comienza en Europa central como LBK (cultura de la cerámica lineal) alrededor del 6000 a. C. Dentro de varios cientos de años, esta cultura se observa en el norte de Francia. Una cultura neolítica alternativa, la cultura La Hoguette, que llegó a la región noroccidental de Francia, parece ser un derivado de la cultura IberoItalia-Adriático Oriental Impresionado Cardial Ware (cerámica Cardium). La cultura de La Hoguette, como la cultura Cardial occidental, crió ovejas y cabras con mayor intensidad. Hacia el 5100 a. C. hay evidencia de prácticas lecheras en el sur de Inglaterra, y el ganado inglés moderno parece derivar de las "Táuridas T1" que fueron domesticadas en la región del Egeo poco después del inicio del Holoceno. Estos animales probablemente se derivaron del ganado LBK. Alrededor del 4300 a. C., el ganado llegó al norte de Irlanda durante el período mesolítico tardío. El ciervo rojo se introdujo desde Gran Bretaña por esta época. [26]

Desde alrededor del 4500 aC llegó a Irlanda un paquete neolítico que incluía cultivares de cereales, cultura de vivienda (similar a las del mismo período en Escocia) y monumentos de piedra. Se importaron ovejas, cabras, ganado vacuno y cereales del suroeste de Europa continental, tras lo cual la población aumentó significativamente. La prueba clara más temprana de los agricultores en Irlanda o Gran Bretaña es de Ferriter's Cove en la península de Dingle, donde se encontraron un cuchillo de pedernal, huesos de ganado y un diente de oveja y datan de c. 4350 a. C. [28] En los campos de Céide en el condado de Mayo, un extenso sistema de campos neolíticos (posiblemente el más antiguo conocido en el mundo) se ha conservado bajo un manto de turba. Los campos de Céide, formados por pequeños campos separados entre sí por muros de piedra seca, se cultivaron durante varios siglos entre el 3500 y el 3000 a. C. El trigo y la cebada fueron los principales cultivos que se cultivaron. La cerámica hizo su aparición casi al mismo tiempo que la agricultura. En el Ulster (cerámica de Lyle's Hill) y en Limerick se han excavado piezas similares a las que se encuentran en el norte de Gran Bretaña. Son típicos de esta vajilla los cuencos de boca ancha y fondo redondo. [29]

Esto sigue un patrón similar al de Europa occidental o al inicio gradual del Neolítico, como se ve en La cultura de La Hoguette de Francia y la Cultura de loza cardial impresa de Iberia. El avance del cultivo de cereales se ralentiza notablemente en el norte de Francia. Algunas cepas de cereales, como el trigo, eran difíciles de cultivar en climas fríos; sin embargo, la cebada y el centeno alemán eran sustitutos adecuados. Se puede especular [ ¿por quién? ] que el aspecto DQ2.5 del haplotipo AH8.1 puede haber estado involucrado en la ralentización del cultivo de cereales en Irlanda, Escocia y Escandinavia, ya que este haplotipo confiere susceptibilidad a una enfermedad inducida por la proteína Triticeae, así como a la diabetes tipo I y otras enfermedades autoinmunes. que puede haber surgido como resultado indirecto de la neolitización. [ cita necesaria ]

Algunas regiones de Irlanda mostraron patrones de pastoreo que indicaron que algunos pueblos neolíticos continuaron moviéndose e indica que las actividades pastorales dominaron las actividades agrarias en muchas regiones o que hubo una división del trabajo entre los aspectos pastorales y agrarios del Neolítico. En el apogeo del Neolítico, la población de la isla era probablemente de más de 100.000 y tal vez hasta 200.000. Pero parece que hubo un colapso económico alrededor del 2500 a. C. y la población disminuyó durante un tiempo.

Monumentos Editar

La característica más llamativa del Neolítico en Irlanda fue la aparición repentina y la dramática proliferación de monumentos megalíticos. Las más grandes de estas tumbas eran claramente lugares de importancia religiosa y ceremonial para la población neolítica, y probablemente fueron fosas comunes utilizadas durante un largo período. En la mayoría de las tumbas que se han excavado, se han encontrado restos humanos, generalmente, pero no siempre, cremados. También se han descubierto objetos funerarios: cerámica, puntas de flecha, cuentas, colgantes, hachas, etc. Estas tumbas megalíticas, de las que ahora se conocen más de 1200, se pueden dividir en su mayor parte en cuatro grandes grupos, todos ellos originalmente cubiertos de tierra, que en muchos casos ha sido erosionada para dejar los impresionantes marcos de piedra. :


Arte Celtas Antiguos

Arte de los antiguos celtasse caracteriza por el horror vacui aplicado a los diseños, aunque a veces también se encuentran representaciones artísticas minimalistas. Están llenos de colores y mucha imaginación, deleitando diseños intrincados, elementos geométricos y estilizados que luego fueron utilizados como inspiración por los artistas de Christian en la confección de destacados y hermosos manuscritos iluminados en el arte celta medieval o en el período del arte insular de los monjes celtas.

Los primeros vestigios artísticos fundados de la cultura celta incluyen muchas representaciones estilizadas de aves, animales y humanos, elaboradas con tal maestría, detalle y fluidez que realmente dan la impresión de estar llenas de vida y movimiento. Produjeron trabajos en metal, piedra y madera sofisticados y decoraron estos objetos con una variedad de diseños geométricos, anudados y en espiral, animales estilizados y figuras humanas.

Arte celta es ornamental, evita las líneas rectas y sólo ocasionalmente se utiliza la simetría. Las figuras estilizadas permiten combinar formas engañosas de representación que se pueden apreciar de manera diferente en función de la posición en la que el espectador esté observando el objeto. Su arte a menudo contiene un simbolismo complejo en el que los patrones y el número y su repetición conforman el diseño de la figura completa.

Los patrones geométricos están bajo el control de las líneas redondeadas y una variedad infinita de remolinos, curvas y otras formas, a veces con una apariencia de forma vagamente natural que sugiere una forma vegetal o animal muy indefinida en lugar de una natural y claramente definida. Pero era característico de los celtas para evitar en su arte toda imitación exacta del mundo de la naturaleza, tienden a estilizarlos como se mencionó anteriormente, representando el concepto abstracto, reduciendo sus diseños por ejemplo a pura decoración.

Estos intrincados diseños y patrones se aplicaron a armas, adornos y hogares de todo tipo, en oro, bronce, madera, piedra, cerámica y posiblemente también textiles y telas.

Con el fin de estudiar mejor el arte y la cultura celta, se han subdividido en diferentes períodos por un equipo multidisciplinario de especialistas. Actualmente están surgiendo nuevos conocimientos sobre esta cultura a partir de las excavaciones arqueológicas que permiten que esta nomenclatura sea más adecuada. Los nuevos descubrimientos permiten una mejor comprensión identificando las diferencias entre los artefactos y su relación con el lugar y el momento de su creación.

Diferentes periodos del arte y la cultura celta:

Ningún resto arquitectónico ha sobrevivido intacto desde los primeros antiguo período de los celtas, aunque los estudios arqueológicos recientes en un lugar llamado Castell Henllys han ayudado a reconstruir algunos aspectos sobre la construcción de casas circulares por los celtas en el período de la Edad del Bronce.

En un lugar cerca de Salzburgo, en Austria se descubrió en Hallstatt, reliquias de aproximadamente 750 a 400 a. C. presagian en algunos casos un alto nivel de civilización y un comercio considerable fueron: ámbar del Báltico, vidrio fenicio y pan de oro de mano de obra oriental. encontrado allí. Las espadas de hierro también estaban en el grupo cuyas empuñaduras y vainas están ricamente decoradas con oro, marfil y ámbar. La cultura de Hallstatt produjo arte con adornos geométricos, pero marcado por patrones de líneas rectas y rectángulos en lugar de curvas.

Sin embargo, el trabajo del esmalte fue un ejemplo del dominio desarrollado por los celtas de Gran Bretaña antes de que tuviera lugar la conquista romana, lo que significa que algunas habilidades como esta fueron desarrolladas por ellos incluso antes de tener contacto con los romanos. El arte de los celtas de Irlanda se mantuvo durante mucho tiempo fuerte y puro porque ni los romanos ni otras culturas invaden ese país durante siglos.

La cultura y el arte de los antiguos celtas a lo largo de su línea de evolución no parecen haber inventado en modo alguno nuevas ideas, sin embargo tenían una aptitud extraordinaria para recoger conocimientos de los diferentes pueblos con los que la guerra o el comercio los pusieron en contacto, reciben influencias artísticas de los etruscos, griegos, Las culturas romana, fenicia y oriental y esta riqueza en técnicas, estilos y habilidades artesanales fueron ampliamente aprovechadas por los celtas que las dominaron todas con habilidades sorprendentes, pasando a sus sucesores una herencia cultural y artística hilvanada.

El Caldero de Gundestrup. Cortesía del Museo Nacional de Dinamarca.

Monolítico celta.


Arte celta antiguo

El arte de los celtas generalmente se asocia con el arte ornamental que se compone de patrones repetitivos, espirales, nudos, follaje y formas animales. El arte celta es esencialmente fácil de identificar debido a estas características reconocibles, pero los propios celtas son más difíciles de definir. Los celtas están asociados con una amplia zona geográfica y sus tradiciones están arraigadas en varias culturas a lo largo de largos períodos de tiempo.

Hacia el 800 a. C. El arte celta fue evidente en gran parte de Europa. Este estilo continental de arte celta, aunque menos sofisticado que los estilos posteriores, surgió durante la Edad del Hierro. Sus diseños muestran a menudo simetría axial. A menudo, los objetos funcionales como ganchos de cinturón o vasijas de vino eran los medios para los primeros trabajos decorativos de estilo celta. Esta era del arte, que se conocería como el período de Hallstatt, fue testigo del tallado de joyas, abalorios, estatuas e incluso vajillas.

A medida que continuaron las tradiciones del arte celta, su estilo se asoció con la gente de la cultura La Tene. Si bien la cultura La Tene se desarrolló a partir de los primeros pueblos de la región de la Edad del Hierro, muestra una marcada influencia mediterránea. Las tradiciones celtas se extendieron cada vez más en áreas como las Islas Británicas hacia el año 500 a. C. y se extendieron hasta el Mar Negro hasta el este. El arte se volvió más sofisticado y encarnó características mediterráneas más clásicas. Ciertamente hubo una influencia griega y también romana, lo que no es sorprendente dada la proximidad de los grupos en competencia. La metalistería continuó empleando diseños celtas reveladores que eran ricamente simbólicos. Además, el uso de esmalte rojo comenzó a aparecer en varios artículos como amuletos y jarrones.

Sin embargo, el arte celta de Irlanda es particularmente notable, ya que permaneció relativamente intacto durante el Imperio Romano. Su práctica del arte al estilo de La Tene evolucionó para incorporar influencias escandinavas. La orfebrería intrincada y simbólica era una forma popular de arte en las Islas Británicas. Algunos tesoros de arte celta famosos de esta área incluyen el Cáliz de Ardagh y el Broche de Tara. Además, ciertas regiones y su gente, como los pictos, agregaron su propio sello particular a las tradiciones del arte celta. A medida que avanzaba el tiempo en las Islas Británicas, el trabajo de Filigrana desarrolló una gran sofisticación y la iluminación de los textos obtuvo un estatus casi legendario como en los famosos Evangelios de Lindisfarne.

El arte celta a menudo se fusionó con nuevas influencias, como el cristianismo, como lo demuestran las cruces celtas extremadamente decorativas, como la Cruz Alta de Muiredach del siglo X. A medida que se crearon más monasterios irlandeses, creció la necesidad de más objetos decorativos. Por esta razón, el arte celta se asocia con frecuencia con Irlanda y otras partes de las Islas Británicas, aunque su rica historia también abarca grandes extensiones de Europa continental. La Edad Media fue testigo de un dramático Renacimiento celta en Irlanda conocido como Arte Insular, que también se coloca típicamente bajo el paraguas del arte celta. Sin embargo, no importa dónde se encuentre el arte celta, tiende a emplear rasgos similares como adornos de animales, formas geométricas, patrones clave y bucles entrelazados, diseños que son inconfundiblemente celtas.


7. Adoraban a una gran cantidad de dioses y diosas

Había cientos de dioses y diosas en el panteón celta, y algunos de ellos eran tan nichos que solo una tribu o incluso una familia los adoraba. Los druidas, que dirigían las ceremonias religiosas, estaban a cargo de los rituales que incluían sacrificios. Estas ceremonias generalmente se llevaban a cabo en santuarios en lugares naturales como colinas y arroyos, pero había algunas ceremonias secretas que se llevaban a cabo en arboledas sagradas escondidas. Los druidas eran muy importantes en la sociedad celta, ya que servían como jueces, maestros y guardianes del saber.


Cronología de la escultura celta antigua - Historia

"Los hábitos alimenticios y de banquete de los celtas fueron registrados por varios escritores clásicos, el más importante de ellos es Posidonio, un filósofo griego sirio que en sus Historias proporciona relatos de testigos presenciales de los galos en el siglo I a. C. Aunque no sobrevivió intacta, fue una fuente importante de información para varios escritores griegos posteriores, en particular Diodorus Siculus (siglo I a. C.) y Ateneo (fl. C. AF 200). saga, gran parte de la cual se cree que refleja la sociedad celta de la Edad del Hierro. Ateneo, citando a Posidonious, describe los arreglos informales de banquetes de los celtas de la siguiente manera: `` los celtas colocan hierba seca en el suelo cuando comen, utilizando mesas que están levantado ligeramente del suelo. El material clásico indica que la fiesta se centró en el caldero y los asadores y se caracterizó por una abundancia de carne asada y hervida, que se comía con las manos desnudas. La fiesta era una manifestación ceremonial de la naturaleza guerrera de la sociedad ".
---Comparación de Oxford con la comida, Alan Davidson [Oxford University Press: Oxford] 1999 (p. 149-50)
[NOTA: Este libro contiene mucha más información de la que se puede parafrasear aquí. También cita fuentes para estudio adicional. Su bibliotecario puede ayudarlo a encontrar una copia.]

"Los celtas, al igual que sus predecesores, preparaban su carne asándola o guisándola. Ambos métodos se hicieron más fáciles después de la introducción de los utensilios de metal. El bronce, conocido en Gran Bretaña desde mediados del segundo milenio antes de Cristo, se utilizó durante mucho tiempo con moderación para armas, cuchillos o joyas. La inspiración para los calderos de la carne provino de las colonias comerciales griegas en las costas mediterráneas francesas. Sus vasijas de bronce laminado remachado fueron vistas y copiadas por herreros irlandeses itinerantes alrededor del siglo VIII o VII a. C. También se fabricaron en Gran Bretaña, aunque al principio eran raros y probablemente estaban reservados para comidas rituales más que para el uso diario. El metal tenía muchas ventajas prácticas sobre la cerámica. Los nuevos recipientes se podían colocar directamente sobre las llamas de un fuego. romperse por sobrecalentamiento o por caída accidental. Eran aún más higiénicas, ya que podían limpiarse con arena o pedir y agua más a fondo que ollas de barro ".
---Comida y bebida en Gran Bretaña desde la Edad de Piedra hasta el siglo XIX, C. Anne Wilson [Academia Chicago: Chicago] 1992 (pág. 67)
[NOTA: Este libro es una excelente fuente para su proyecto. Se ordena por grupo de alimentos en general (cereales, panes, carnes, verduras, etc.) y luego por período de tiempo. Cada capítulo tiene páginas dedicadas a los alimentos / métodos de cocción celtas de la Edad del Hierro. Muestra a continuación. Pídale a su bibliotecario que le ayude a encontrar una copia de este libro.]

Carne:
Posidonio (135-51 a. C.) describió las comidas entre los celtas de la Galia. Los comensales se sentaban en el suelo sobre paja o pieles y comían la carne con los dedos de una manera limpiamente leonina, levantando miembros enteros con ambas manos. y mordiendo la carne, mientras que cualquier parte que sea difícil de arrancar, la cortan con una pequeña daga que cuelga de la vaina de la espada en su propia vaina '. Fueron atendidos por sus hijos e hijas mayores. Ardiendo con fuego, con calderos y asadores que contienen grandes trozos de carne. Valientes guerreros a quienes honran con las mejores porciones de la carne. ' La Edad del Hierro celta vio el establecimiento de la sal en las costas de Gran Bretaña. La sal ayudó a conservar la carne para el invierno, y especialmente el cerdo, tan querido por los celtas. Los jamones preparados por sus vecinos de la Galia se exportaron a Roma como un manjar pero no conocemos detalles sobre las carnes saladas de Gran Bretaña. Según una receta italiana de mediados del siglo II a. C., los jamones debían cubrirse con sal y sumergirse en su propia salmuera durante diecisiete días, secar por dos, frotar con aceite y vinagre, y fumaron durante dos días más. Es probable que los británicos celtas siguieran prácticas similares, salvo el aderezo de aceite y vinagre ".
---Comida y bebida en Gran Bretaña (pág.68)

"Los celtas, que comenzaron a establecerse en Gran Bretaña a partir del siglo VIII a. C., agregaron gallinas, patos y gansos a la lista de animales domesticados de Gran Bretaña. Se negaron a comerse los caballos salvajes y, en cambio, los domesticaron para montarlos y tirar de carros y carros. . Los celtas fueron los primeros en reconocer que el suelo de Gran Bretaña es más fértil que el de Europa continental, y talaron los bosques para plantar cereales y permitir que crecieran pastos para el pastoreo. Conservaron la carne, el pescado y la mantequilla en sal y exportaron a los británicos. carne de vacuno al continente. Los celtas también cultivaron el suelo con tanto éxito que exportaron grano a muchas partes de Europa. En Gran Bretaña, construyeron silos subterráneos de almacenamiento de grano. A continuación, el trigo era aventado y horneado, y se usaban molinillos de silla para molerlo hasta convertirlo en harina. Estos laboriosos agricultores también comenzaron la apicultura, con colmenas cónicas hechas de mimbre embadurnadas con barro o pardo. gramo. Emplearon ollas de barro poco profundas como vasos para beber, mientras que las ollas más profundas se hicieron para cocinar potajes (mezclas de carne, granos, hojas, raíces y hierbas) lentamente sobre el fuego. La miel y el agua, que se dejan juntas en una olla, fermentarán, y esta bebida, el hidromiel, a menudo se condimentaba con hierbas y frutas silvestres. Un poco de leche de vaca, oveja y cabra podría haberse bebido fresca, pero la mayor parte se habría convertido en queso y solo se habría bebido el suero. Los celtas elaboraban una cerveza sin lúpulo a partir de cebada y trigo, primero permitiendo que el grano germinara y luego deteniendo este proceso con calor y dejándolo fermentar. Finalmente, también importaron vino y, más tarde, empezaron a cultivar viñedos ellos mismos ”.
---Cambridge World History of Food, Kenneth F. Kiple y Kriemhild Conee Ornelas [Cambridge University Press: Cambridge] 2000, volumen dos (p. 1217-8)
[NOTA: la página 1217 contiene un resumen de los alimentos conocidos en las Islas Británicas antes de los celtas. Presumiblemente, estos alimentos también eran conocidos por estos pueblos.]

  • Comida y bebida en la Europa de la prehistoria / Jacqui Wood
  • Cocina prehistórica, Jacqui Wood (incluye recetas modernizadas)
  • "Los celtas," Alimentos en el mundo antiguo, Joan P. Alcock (págs. 172-180)

¿Qué comían los irlandeses antes de que llegara la papa?
Los libros de historia alimentaria pasan de la comida celta antigua a finales del siglo XVII, cuando los irlandeses abrazaron la patata. Seguramente, la comida no se detuvo durante siglos. "Comida irlandesa antes de la papa", A.T. Lucas, Gwerin: una revista semestral de la vida popular, Volumen III, No. 2, 1960 (p. 3-43) explora este período en profundidad. La información está agrupada por tipo de alimento: carne, pan, leche, queso, maíz (grano), mantequilla, bebidas. Este artículo académico no está disponible a través de Internet o bases de datos académicas. Puedes leerlo aquí, en tres cursos cortos: I, II y III.

Las coles y sus primas eran conocidas por los cocineros antiguos. Se pensaba que tenían varios atributos medicinales. Se dice que los romanos introdujeron las coles en Europa, con la posible excepción de Irlanda, donde [Según C. Anne Wilson /Comida y bebida en Gran Bretaña(1973)], la evidencia lingüística sugiere que ya era conocido por los celtas de la Edad del Hierro. En la Europa medieval, el repollo / col (a menudo en combinación con miembros de la familia de las cebollas) eran el alimento del hombre común. Las patatas fueron introducidas en Europa por exploradores del siglo XVI. Primero se los consideró curiosidades, pero no se los abrazó fácilmente como comida. Los franceses, luego los irlandeses, fueron de los primeros en reconocer el hecho de que las patatas pueden evitar que una nación muera de hambre. Las recetas de platos de patatas y repollo eran inevitables. Estos platos se desarrollaron según el gusto colectivo y la experiencia culinaria.

Colcannon. Originalmente un plato irlandés de patatas hervidas y repollo o col rizada machacadas y aromatizadas con cebolla, chalotes o puerros y crema o mantequilla. La palabra 'colcannon' proviene del gaélico cal ceannann ', que literalmente significa repollo blanco. Sin embargo, el cannon 'parte del nombre podría ser un derivado del antiguo cainnenn irlandés', traducido de diversas formas como ajo, cebolla o llek. Por lo tanto, se puede sugerir que en su forma más antigua, colcannon puede haber sido una simple mezcla de algunos brassica y allium. Una de las primeras referencias irlandesas al plato como puré de patatas y coles se encuentra en el Diario de Wiliam Bulkely, de Bryndda, cerca de Amlwch en Anglesey, que hizo dos viajes a Dublín en 1735. El plato se introdujo en Inglaterra en el siglo XVIII, donde se convirtió en el favorito de las clases altas. En Irlanda, el colcannon se asociaba tradicionalmente con las festividades de Hallowe'en (31 de octubre), cuando se usaba con fines de adivinación matrimonial. Encantos ocultos en un cuenco s de colcannon eran presagios de una propuesta de matrimonio en caso de que las chicas solteras tuvieran la suerte de encontrarlos, mientras que otras llenaban sus calcetines con cucharadas de colcannon y los colgaban de la manija de la puerta principal con la creencia de que el primer hombre que cruzara la puerta se convertiría en su futuro marido ".
---Compañero de Oxford a la comida, Alan Davidson [Oxford University Press: Oxford] 1999 (pág. 203)

"Hubo variaciones, aunque raras, incluso de que comían los pobres. Una era colcannon, o cale-cannon, nabos o repollo machacados con papas y cocidos. .) Colcannon entró en uso en inglés en 1774, pero el plato puede ser más antiguo.Lo que es más seguro es que Colcannon fue un placer: pocos campesinos cultivaron nabos o coles. Sin embargo, eso no impidió que se convirtiera en un manjar, porque, según los informes, a los campesinos les gustaba robar los ingredientes que faltaban de vez en cuando. Cuando los inmigrantes irlandeses llegaron a los Estados Unidos, introdujeron el colcannon en la cocina estadounidense ".
---The Potato: How the Humble Spud Rescató al mundo occidental, Larry Zuckerman [North Point Press: Nueva York] 1998 (p. 32)

[1847]
"Repollo y Patatas.
--Pica bastante bien la col hervida fría y las patatas, unirlas, sazonar con mantequilla, pimienta y sal, añadir un poquito de vinagre o agua caliente, humedecer sin que se moje, poner en una cazuela al fuego, remover bien, para que se caliente bien, pero no se queme, luego llévalo a un plato y sírvelo para el desayuno, o con carne salada hervida fría para la cena ".
---Libro de cocina de la señora americana de la Sra. Crowen, Sra. T. J. Crowen [Dick & Fitzgerald: Nueva York] 1847 (p. 194)

[1875]
"Colcannon.
- Hervir por separado pesos iguales de repollo joven, col rizada o espinaca y patatas. Pica las verduras y machaca las patatas y mézclalas bien con un poco de pimienta y sal, y una onza de mantequilla en una libra de verduras mixtas. Calentar la mezcla al fuego durante unos minutos, revolviendo todo el tiempo y luego presionarla en un molde caliente bien untado con mantequilla. Desmoldar y servir. O bien, presiónelo después de mezclarlo en un molde bien untado con mantequilla y póngalo en el horno durante media hora. Desmoldar y servir. Las verduras frías se pueden calentar de esta manera. Costo probable, 6 peniques. para un molde de una pinta. Suficiente para tres o cuatro personas ".
---Diccionario de cocina de Cassell con numerosas ilustraciones [Cassell, Petter, Galpin & Co.: Londres] 1875 (p. 150)

[1960]
"Colcannon.

Ingredientes: A cada 2 libras de papas cocidas tamizadas, agregue 1/2 libra de repollo verde tamizado, cocido con tocino, si es posible. 1 cucharadita de cebolla picada 1 oz. mantequilla 1 cucharada de crema 1/2 cucharadita de pimienta 1/2 cucharadita de sal.
Método: Cocine las papas al vapor durante 3/4 a 1 hora. Pelar y pasar por un colador. Agregue el repollo colado caliente. Derretir la mantequilla, agregar la cebolla, la leche y el condimento. Colóquelo a fuego suave, agregue la mezcla de verduras y caliente bien pero no deje que hierva. Sirve bien caliente. Sirve seis ".
---250 recetas irlandesas: tradicionales y modernas, [Mounth Salus Press: Dublín] 196? (págs. 76-77)

"El estofado irlandés es un plato irlandés célebre, pero su composición es motivo de controversia. Los puristas sostienen que los únicos ingredientes tradicionales y aceptables son las chuletas de cordero o cabrito, patatas, cebollas y agua. Otros añadirían elementos como zanahorias, nabos , y cebada perlada, pero los puristas sostienen que estropean el verdadero sabor del plato. Los ingredientes se hierven y se cuecen a fuego lento durante hasta dos horas. El cordero era el ingrediente dominante porque la importancia económica de las ovejas radicaba en su lana y leche y esto se aseguró de que solo los animales viejos o económicamente inviables terminaran en la olla, donde necesitaban horas de cocción lenta. El estofado irlandés es el producto de una tradición culinaria que se basaba casi exclusivamente en cocinar a fuego abierto. Parece que el estofado irlandés fue reconocido ya alrededor de 1800 ".
---Compañero de Oxford a la comida, Alan Davidson [Oxford University Press: Oxford] 1999 (pág. 407)

[1826]
"764. Guiso irlandés

Después de tomar la grasa suelta de un lomo o cuello de cordero, corte de tres a cuatro libras en chuletas pequeñas y bien formadas. Aplanarlos y condimentarlos con sal y especias mezcladas. Pelar seis u ocho cebollas sancochadas y pelar una cantidad de patatas. Coloque un poco de sebo rallado en el fondo de una sartén y media pinta de caldo, o derrita dos onzas de mantequilla. Corte en rodajas una capa de patatas, luego una capa de chuletas, luego esparza las cebollas, luego otra vez las patatas y las chuletas, etc. y dejar que la parte superior se cubra con patatas. Una pierna o un trocito de jamón, o un raspado de lengua ahumada, o un poco de carne de salchicha, es una gran adición a este plato familiar favorito. Debe cocinarse muy lentamente y la sartén debe estar bien tapada y constantemente. La papa fundida es una pasta excelente y saludable para cubrir pasteles de carne sencillos de todo tipo, en particular pasteles de carne grasa .-- Obs. Algunos cocineros envuelven una servilleta vieja alrededor de la tapa de la cacerola, que forma una especie de cementación al aderezar este y otros platos al horno. En Irlanda se utiliza una especie de horno artesanal, en forma de cacerola ancha, hecha de hierro fundido, con una tapa del mismo grosor, sobre la que se colocan brasas de césped. Ésta se coloca sobre otras brasas y se mantiene a igual fuego lento, que adereza un guiso, cuece un pudín o un poco de carne, y se encuentra muy útil en otras ocasiones como cacerola. El pastel de cazador es otra forma excelente de estofado irlandés, solo que a veces se hace con carne de res en lugar de chuletas de cordero y luego las papas siempre se hacen puré. Coloque las papas, la carne y las cebollas en capas alternas en una fuente para pastel de loza y hornee; la capa superior de papas se puede marcar cuidadosamente, untar en los bordes y glasear con huevos, si se aprueba. Un estofado irlandés de moda se hornea en un molde, en cazuela, y se da la vuelta cuando se sirve ".
---El manual del cocinero y el ama de casa, La señora Margaret Dods [Sra. Isobel Christian Johnston], facsímil 4ª edición revisada y ampliada 1829 [Rosters Ltd: Londres] 1988 (p. 377-378)

[1875]
"Estofado irlandés.

Tome de dos o tres libras de chuletas del mejor extremo de un cuello de cordero y corte casi toda la grasa, porque un estofado irlandés no debe ser grasoso. Si se desea, una porción de la pechuga puede cortarse en cuadrados y usarse, pero un cuello de cordero es el mejor porro para este propósito. Tome tantas papas como cantidad después de pelarlas hasta el doble del peso de la carne. Córtelos en rodajas y también en rodajas ocho cebollas grandes. Ponga una capa de mezcla de patatas y cebollas en el fondo de una cacerola. Colocar encima la carne y condimentarla abundantemente con pimienta y un poco con sal. Empaque bien los ingredientes y cubra la carne con otra capa de papa y cebolla. Vierta la mayor cantidad de agua o caldo que humedezca la capa superior, cubra bien la olla y deje que su contenido hierva a fuego lento durante tres horas. Tenga cuidado de no quitar la tapa, ya que esto dejará salir el sabor ".
---Diccionario de cocina de Cassell con numerosas ilustraciones [Cassell, Petter, Galpin & Co.: Londres] 1875 (p. 331)

[1936]
Guiso irlandés de Dinty Moore.

[1956]
"Estofado irlandés

Por cada libra de carne, deje 2 libras. papas, 1/2 libra de cebollas y suficiente agua para cubrir. (Un poco de ketchup de hongos o algunos hongos condimentados es una buena adición, pero no clásica).
2 libras de scrag o cuello medio de cordero
4 libras. patatas
1 libra de cebollas
condimento y 1 pinta de agua
un manojo de hierbas mixtas
2 hojas de laurel
Corta la carne en chuletas. Cortar la grasa, cortar las patatas por la mitad y cortar las cebollas en rodajas gruesas. Ponga en la sartén una capa de patatas, luego la carne, les más patatas y todos los demás ingredientes. Cubra bien y cocine a fuego lento durante 2-2 1/2 horas. Cuidado que no se pegue. y esquisto la sartén de vez en cuando. Este plato no debe quedar descuidado, la consistencia debe ser espesa y cremosa y debe estar muy bien sazonada. Las ciruelas pasas especiadas o rellenas son excelentes con ths. Si se rellenan, se apedrean y se rellenan con pulpa de ciruelas ".
---El libro de cocina Constance Spry, Constance Spry y Rosemary Hume [Pan Books Ltd.: Londres] 1956 (p. 570-571)

[1960]
"Estofado irlandés

Ingredientes: 2 libras de pechuga de cordero o 1 1/2 libras de chuletas gigot 5 cebollas medianas 2 libras de papas pimienta y sal 1 pt. agua fría 1 cucharadita de perejil picado.
Método: Cortar las papas en trozos limpios, quitando la piel y la grasa superflua. No se debe quitar toda la grasa porque las papas abosrb una cantidad creta. Ponga la carne en el fondo de la cacerola, luego agregue algunas rodajas de papa y cebolla. Sazone con pimienta y sal. Agregue agua, lleve a ebullición, descremada, cocine a fuego lento durante 1 hora. Coloque el resto de las patatas y la cebolla encima, tape y cocine a fuego lento durante una hora más. Cuando el estofado esté cocido, sírvase en un plato caliente con las patatas y la cebolla alrededor y la carne en el centro. Vierta un poco de salsa encima y sirva el resto en una salsera picante. Adorne con perejil ".
---250 recetas irlandesas: tradicionales y modernas, [Mounth Salus Press: Dublín] 196? (pág. 54-55)
[NOTA: "Un gigot es la pata trasera de un animal de carne, en el uso actual. Restringido al cordero, pero anteriormente también se usaba para ternera, venado, etc." ---Comida y bebida de la A a la Z, John Ayto [Oxford University Press: Oxford] 2002 (pág. 140)]

"Nochevieja. La última noche del año viejo se conocía en irlandés como Oiche na Coda Moire - La noche de la gran porción - debido a la creencia de que una gran cena en esta noche aseguraba plenitud y abundancia para el año. No se debe sacar comida de la casa en la víspera de Año Nuevo. En cualquier otra noche del año, un viajero hambriento o un vagabundo sin hogar puede esperar hospitalidad como algo natural, pero esa noche se le da comida y bebida a regañadientes, si Era mejor no preguntar. Esta costumbre se remontaba a la época en que el éxito o el fracaso de las cosechas significaban toda la diferencia entre el hambre y la abundancia. Se invocaban hechizos y encantamientos para protegerse del peligro. mujer de la casa en muchas partes del país para hornear un gran cordero en la víspera de Año Nuevo. Cuando se acercaba la noche, el hombre de la casa tomó tres bocados del pastel y lo arrojó contra la puerta principal en el nombre de la Santísima Trinidad. , expresando el agujero piadoso de que el hambre podría ser desterrado ed de Irlanda. Una vez terminada la ceremonia de destierro, los fragmentos del pastel fueron recogidos y comidos por la familia. En Imokilly, Co Cork, tenían la costumbre de arrojar las migas a la puerta y las ventanas para demostrar que nadie dentro tenía hambre. Kevin Danaher da una versión bastante más agradable de esta costumbre del oeste de Limerick en El año en Irlanda. La puerta fue golpeada tres veces con un gran pastel mientras el jefe de familia recitaba. 'Felicidad dentro y desdicha fuera De esta noche a esta noche doce meses En el nombre del Padre y del Hijo y del Espíritu Santo, Amén' Las campanas de la iglesia sonando, las sirenas ululantes, las hogueras encendidas, la gente uniendo las manos a la medianoche y cantando 'Auld Lang Syne ': estas son ahora las formas habituales de dar la bienvenida al Año Nuevo. El día de Año Nuevo siempre se conoció como La na gCeapairi, el día del pan con mantequilla. Posiblemente se trataba de un talismán contra el hambre o para demostrar que la comida era abundante. Se colocaron sándwiches de pan y mantequilla fuera de la puerta esta mañana ".
---Tierra de leche y miel: la historia de la comida y bebida tradicional irlandesa, Brid Mahon [Mercier Press: Boulder CO] 1991 (p. 146-148)

Lectura recomendada:
"Comida irlandesa antes de la papa", A.T. Lucas, Gwerin: una revista semestral de la vida popular, Volumen III, No. 2, 1960 (p. 8-43)
Tierra de leche y miel: la historia de la comida y bebida tradicional irlandesa/ Brid Mahon
--- mejor historia general
Un poco de historia de la cocina irlandesa/ Regina Sexton
--- recomendado por historiadores culinarios
Compañero de Oxford a la comida/ Alan Davidson
--- incluye entradas separadas para platos tradicionales
Come lo que es: gente, cultura y tradiciones alimentarias/ Thelma Barer-Stein
--- comidas populares, costumbres gastronómicas, comidas festivas y glosario. Grados 4-12.

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Ver el vídeo: EL ORIGEN DE LOS CELTAS (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Iccauhtli

    Absolutamente de acuerdo contigo. En ella algo también pienso, qué es buena idea.

  2. Izaak

    Respuesta autorizada



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