La historia

Azulejo de cerámica portuguesa Art Nouveau

Azulejo de cerámica portuguesa Art Nouveau


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Azulejo de cerámica portuguesa Art Nouveau - Historia


"Azulejo" es una palabra utilizada en España y Portugal para designar una baldosa vidriada: una baldosa de terracota cubierta con un vidriado opaco. En estos dos países, los azulejos se han utilizado con frecuencia desde el siglo XIII para revestir y decorar paredes, fuentes, pavimentos, techos, bóvedas, baños o chimeneas.

Esta palabra viene del árabe الزليج "al zulaycha" que significa pequeña piedra pulida, y no "azul" azul, como suele decirse. Es cierto que hay muchos azulejos azules, y eso puede explicar esta confusión, pero, históricamente, los primeros azulejos que aparecieron en España en el s. XIII. donde principalmente verde, marrón y amarillo.

¿Por qué "pequeña piedra pulida"? Porque la idea fue primero reproducir los mosaicos grecorromanos de Oriente Medio o África del Norte, no ensamblando pequeñas piezas de mármol pulido ("teselas"), sino fragmentos de azulejos vidriados de colores. Es comprensible que se requiera menos esfuerzo para cortar un azulejo hecho a mano local que para pulir trozos de canicas procedentes de lugares distantes.

Los familiarizados con Marruecos han visto necesariamente zellige, un tipo de mosaico hecho con pequeños trozos de azulejos vidriados de colores. En este país, todavía se producen "zellij" para revestir suelos, paredes, piscinas, baños, etc. Esta antigua artesanía todavía está muy viva en Marruecos, la mayoría de los artesanos se encuentran en Fez. El "zillij" marroquí y los "azulejos" hispanos comparten la misma etimología y el mismo parentesco con el mosaico.

Orígenes orientales

Las primeras baldosas vidriadas conocidas provienen de Egipto y Mesopotamia. En 2620 a. C., el faraón Djoser, fundador de la 3ª dinastía, construyó en Saqqarah por su arquitecto Imhotep una pirámide cuyas galerías que conducen a la cámara funeraria están cubiertas por tejas vidriadas de color verde con líneas amarillas que imitan los tallos de papiro. El esmalte, a veces llamado "esmalte", que es una fina capa de vidrio que se vuelve opaca, es, por tanto, un descubrimiento antiguo. Sin embargo, en la antigüedad, esta técnica era exclusivamente oriental y, de hecho, se perdió posteriormente: el mundo grecorromano no la conocía. Para decorar superficies, griegos y romanos desarrollaron varias técnicas como la pintura sobre yeso húmedo ("fresco"), estuco o mosaico.

El redescubrimiento del esmalte opaco

En el siglo IX, los persas sasánidas redescubrieron el uso del estaño como opacificante para el vidrio, y comenzaron a producir nuevamente baldosas vidriadas con un vidriado opaco. Sus vecinos abasíes -Bagdad era su capital- también empezaron a dominar esta técnica, que luego se difundió por todo el mundo árabe-musulmán, desde las puertas de Constantinopla hasta España. Bajo los fatimíes, los alfareros egipcios decoraron con azulejos muchas paredes de palacios, tumbas o mezquitas, en El Cairo.

Europa a través de España

Por tanto, son los árabes quienes trajeron este arte a Europa desde Oriente Medio. El primer uso de las tejas esmaltadas consistió en ensamblajes geométricos de piezas de tejas cortadas ("alicatado"). Todavía se pueden admirar bellos ejemplos en la Alhambra de Granada. Los patrones utilizados son complejos y reflejan el gusto por la geometría en el mundo islámico. Sin embargo, alicatado es un proceso que sigue siendo caro porque requiere mucho trabajo manual para cortar baldosas. Y el proceso de corte genera un importante desperdicio de azulejos. Para superar estos inconvenientes, los artesanos finalmente imaginaron aplicar esmaltes de colores directamente sobre las baldosas de arcilla, pero separando zonas para evitar la mezcla de colores.

Estas separaciones se realizan dibujando los contornos con una sustancia grasa mezclada con un pigmento negro (óxido de manganeso). Esta mezcla se convierte en una fina línea negra después de hornear. Este proceso se denomina en España "cuerda seca". Los azulejos producidos por este método tienen en su mayoría patrones moriscos, similares a las composiciones hechas con alicatado. Los patrones tienen a menudo un hermoso estilo radial, a veces tienen lo que ahora llamaríamos un efecto cubista.

Alrededor de 1500, el proceso de cuerda seca fue reemplazado por dos técnicas similares. Con arista baldosas el tabique se realiza mediante finas crestas de arcilla. Con cuenca baldosas, se hace con surcos. En ambos casos, se utiliza un molde de madera tallado con el patrón para estampar la teja de arcilla blanda. Por lo tanto, no hay más línea negra entre los elementos de diferentes colores. Estas dos técnicas estaban destinadas a producir bajo costo alicatados. Los principales centros de producción en español fueron Málaga, Sevilla, Valencia (Manises y Paterna) y Talavera de la Reina.


La influencia de la mayólica italiana

En 1492 Granada, el último estado islámico de la península, cayó en manos de los reyes cristianos que supuso el fin de la Reconquista. Eso, y la influencia del Renacimiento procedente de Italia, produjo cambios fundamentales en la evolución del arte y la arquitectura, y en particular, en el azulejo. En Italia la técnica de mayólica Habían aparecido platos y jarrones con una decoración elaborada y colorida: volutas, follajes, personajes, grotescos, etc. La ciudad de Faenza, en el centro de Italia, se convirtió en un importante centro de producción. Tanto es así, que el nombre de la ciudad dio la palabra «faïence» en francés. Allí, los azulejos comenzaron a decorarse con una decoración elaborada.

En 1498 vino a instalarse en Sevilla un pintor italiano de mayólicas, Francesco Niculoso, llamado Niculoso Pisano porque era de Pisa. Introdujo en España la técnica de la mayólica y la aplicó con brillantez a los azulejos. Hasta entonces, se cortaban y ensamblaban baldosas monocromáticas, los colores eran brillantes y se aplicaban con una intensidad uniforme. Con el nuevo estilo de mayólica italiana, las baldosas se pintan como un panel de madera o un lienzo. Y se utilizan una variedad de colores: azul, amarillo claro, amarillo oscuro, verde, marrón, blanco, negro, violeta. Lo que es particularmente revolucionario es el uso de claroscuro, un uso de contrastes de colores para lograr una sensación de volumen. De una repetición de patrones casi industrial, pasamos a una creación artística. Alicatado o cuerda seca los azulejos fueron hechos por artesanos, los paneles de azulejos ahora son pintados por artistas. El estilo de los azulejos se transforma por completo: grandes paneles decorados representan escenas figurativas y narrativas. Establecido en Sevilla, la influencia de Pisano fue enorme en toda la península: fue imitado en Toledo, Valencia, Talavera de la Reina, y también en Portugal. Y es en Portugal donde más prosperará este arte hasta el punto de convertirse en una de las formas artísticas más características del país.

Otro maestro de la mayólica italiana tuvo una influencia significativa en el arte del azulejo y la arquitectura: Guido di Savino dejó Venecia y se estableció alrededor de 1500 en Amberes, en Flandes, entonces una provincia española. Gracias a Guido di Savino, también conocido como Guido Andries, Amberes se convirtió en un importante centro de producción, y la técnica de la mayólica finalmente se difundió por todo el norte de Europa (ver www.delft.fr). El primer fabricante francés de mayólica de renombre es Masséot Abaquesne en Rouen. En los Países Bajos, los alfareros y los pintores de mayólica prosperaron en Ámsterdam, Rotterdam, Haarlem, Makkum y, por supuesto, en Delft.

Estilos siguiendo sus tiempos

Los estilos del arte del siglo XVI expresan una amplia diversidad de temas: religión, caza, guerra, mitología, etc. Los pintores de azulejos se inspiran libremente en estampados ornamentales de toda Europa, especialmente los grotescos: motivos profanos de la antigua Roma reinterpretados por Rafael. para decorar el Palacio del Vaticano. Estos grotescos son "fantásticos" en el sentido literal, y este tema será ampliamente reproducido y mezclado con temas religiosos en particular. Este es el momento del comercio con inspiración del Lejano Oriente que también viene de India y China. Las telas exóticas inspiran a los pintores de azulejos a pintar paneles de azulejos para la parte frontal de los altares en muchas iglesias portuguesas.

A finales del siglo XVII, los pintores de azulejos holandeses pintan azulejos y paneles azules y blancos bajo la influencia de la porcelana china. La porcelana es muy cara pero muy apreciada en toda Europa. Los alfareros están tratando de competir, y esto produce "porcelana" de loza, especialmente en Delft. Los aristócratas portugueses encargan paneles holandeses azules y blancos para sus palacios e iglesias. Algunos fabricantes de tejas holandeses se instalarán finalmente en Portugal: Willem van der Kloet y Jan van Oort en particular. Este tipo de azulejo azul y blanco tendrá mucho éxito en Portugal y pronto, en el siglo XVIII, estos paneles serán imitados por los azulejos portugueses hasta el punto de que los azulejos azules y blancos cubrirán todo el país. Este arte estaba entonces en su apogeo, el dominio de los pintores de azulejos es tal que a menudo firman sus paneles. En el siglo XVIII, los marcos son cada vez más invadidos por el estilo barroco y los enredos de festones, ángeles y elementos arquitectónicos. Luego aparece el estilo rococó, con nuevamente una ornamentación compleja. Las decoraciones a menudo se inspiran en Watteau y sus grabados que representan escenas galante, pastoral y bucólica, y paseos de parejas aristocráticas.

Después de estas frivolidades, el siglo XIX promueve la vuelta a la virtud y la sencillez del mundo antiguo. El estilo se conoce como "neoclásico". Los paneles de azulejos están inspirados en estampados de Robert Adam y su hermano James. Los marcos de los paneles se simplifican. Este estilo marca especialmente el regreso a una rica policromía.


Art Nouveau en Francia

A finales del siglo XIX, el Art Nouveau aparece en Francia y da un impulso a la cerámica arquitectónica, con el uso de loza resistente a las heladas. Los sujetos representados suelen ser vegetales, con movimientos ondulantes y femeninos. La influencia de los carteles de Alphonse Mucha y Eugene Grasset es evidente. La Exposición Universal celebrada en París en 1900 celebró estas cerámicas arquitectónicas. El proceso de cloisonné regresó después de varios siglos de abandono. Las fachadas de las casas, las tiendas y los restaurantes están adornados con paneles de azulejos decorativos, o más simplemente con frisos, a menudo florales, a veces en relieve.


Hoy en día, no hay más homogeneidad de estilo en las creaciones de paneles de azulejos. En su mayoría son obra de un artista, rara vez un ceramista, que se expresa ocasionalmente con este arte. Las estaciones de metro de Lisboa o el Casa da Mùsica en Oporto (arquitecto Rem Koolhaas) demuestran que es hoy en Portugal donde el uso de la cerámica en la arquitectura está particularmente vivo.


Azulejos Art Nouveau

El estudio de azulejos Almaviva, con sede en París, ofrece réplicas de azulejos y murales de cerámica Art Nouveau.
Estos paneles están hechos con técnicas cerámicas tradicionales empleadas alrededor de 1900: técnica cloisonné, también llamada & # 8220cuerda seca & # 8220, o relieve tubular.
Puede ver ejemplos de estos frisos Art Nouveau y paneles de cerámica en nuestra sala de exposición de Montparnasse en el centro de París.

El Art Nouveau es un movimiento artístico que floreció en Europa entre 1892 y 1914. Se caracteriza por el uso de arabescos y curvas inspiradas en el mundo vegetal.
Dependiendo del país, Art Nouveau recibió varias denominaciones. En Francia, a veces se le llama "estilo de fideos" o "estilo de metro" en referencia a las entradas del metro parisino hechas en 1900 por Hector Guimard.
El término francés & # 8220Art Nouveau & # 8221 también se utiliza en Inglaterra. En Alemania, este movimiento artístico se llama Jugendstil, en Austria Sezessionstil, en Italia Stile Liberty, y en España Modernismo.
Alrededor de 1920, el Art Nouveau cede al Art Deco y las líneas rectas reemplazan a las curvas.
El Art Nouveau se refleja en todos los registros de la creación: pintura, carteles, objetos, mobiliario, joyería, arquitectura, etc. En arquitectura, la cerámica está muy presente, tanto en fachadas como en interiores.

Las fachadas suelen estar decoradas con baldosas de gres vidriado. Los paneles cerámicos Art Nouveau también decoran el interior de restaurantes o pubs, o vestíbulos de edificios.

En la Feria Mundial de 1900 celebrada en París, se pone mucho énfasis en la cerámica Art Nouveau. A la entrada del puente Alejandro III, en la Esplanade des Invalides, un vasto palacio de estuco, llamado Pabellón de Manufacturas Francesas, presenta una profusión de esculturas de cerámica y frisos a lo largo de un camino que iba del Sena a los Inválidos. A mitad de camino se construyó la Porte de Sèvres, una puerta monumental cubierta con bajorrelieves en cerámica. Esta puerta se ha conservado y ahora se encuentra en el Boulevard Saint-Germain, justo detrás de la iglesia de Saint-Germain-des-Prés. En el centro de la puerta, hay una escultura de una mujer en estilo Art Nouveau que representa el arte de la cerámica. Un friso en bajorrelieve representa el arte de la cerámica.

El movimiento de artes y oficios ingleses y estadounidenses también utilizaba con frecuencia baldosas de cerámica para fachadas e interiores. Suelen ser baldosas de gres con relieve y colores oscuros.


Antigüedades solares

Solar Antiques es uno de los mejores lugares de Lisboa para comprar azulejos antiguos. Tienen una vasta colección de azulejos antiguos de los siglos XVI al XVIII. También tienen hermosos murales aunque son un poco caros.
Dirección: R. Dom Pedro V 70.

Fabrica Sant'Anna

Si está buscando comprar azulejos contemporáneos en Lisboa, Fabrica Sant'Anna es probablemente la mejor tienda de azulejos para comprar uno. La hermosa colección de azulejos pintados a mano se reproduce utilizando los métodos exactos del siglo XVIII. También tienen una bonita colección de trabajos de cerámica decorativa.
Dirección: Calçada Boa Hora 96.

Loja dos Descobrimentos

Loja dos Descobrimentos es una gran tienda en el distrito de Alfama con muchos azulejos pintados a mano de calidad. Tienen azulejos tradicionales y clásicos con diseños vibrantes y elegantes. Incluso puede tener uno hecho a medida para usted. También tienen una extensa colección de obras de cerámica de todo Portugal.
Dirección: Rua dos Bacalhoeiros, 12.

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Talleres de pintura y fabricación de azulejos en Lisboa

Si está interesado en hacer sus propios azulejos en Lisboa, puede reservar un taller de día completo y una visita al Museo Nacional del Azulejo aquí.

También puedes ir a Loja Dos Descobrimentos que mencionamos anteriormente ya que también tienen talleres de pintura de azulejos. Vea su sitio web aquí. Todo lo que tiene que hacer es enviarles un correo electrónico con la fecha y la hora en que le gustaría realizar el taller y ellos se pondrán en contacto con usted.

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Art Nouveau

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Art Nouveau, estilo de arte ornamental que floreció entre 1890 y 1910 en toda Europa y los Estados Unidos. El Art Nouveau se caracteriza por el uso de una línea larga, sinuosa y orgánica, y se empleó con mayor frecuencia en arquitectura, diseño de interiores, diseño de joyería y vidrio, carteles e ilustración. Fue un intento deliberado de crear un nuevo estilo, libre del historicismo imitativo que dominaba gran parte del arte y el diseño del siglo XIX. Aproximadamente en esta época se acuñó el término Art Nouveau, en Bélgica, por el periódico L'Art Moderne para describir la obra del grupo de artistas Les Vingt y en París de S. Bing, que llamó a su galería L’Art Nouveau. El estilo se llamó Jugendstil en Alemania, Sezessionstil en Austria, Stile Floreale (o Stile Liberty) en Italia y Modernismo (o Modernista) en España.

En Inglaterra, los precursores inmediatos del estilo fueron el esteticismo del ilustrador Aubrey Beardsley, que dependía en gran medida de la calidad expresiva de la línea orgánica, y el movimiento Arts and Crafts de William Morris, quien estableció la importancia de un estilo vital en las artes aplicadas. En el continente europeo, el Art Nouveau fue influenciado por los experimentos con la línea expresiva de los pintores Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec. El movimiento también se inspiró en parte en la moda de los patrones lineales de los estampados japoneses (ukiyo-e).

La característica ornamental distintiva del Art Nouveau es su línea asimétrica ondulada, que a menudo toma la forma de tallos y capullos de flores, zarcillos de enredaderas, alas de insectos y otros objetos naturales delicados y sinuosos; la línea puede ser elegante y graciosa o infundida con un poderoso rítmico y fuerza similar a un látigo. En las artes gráficas, la línea subordina todos los demás elementos pictóricos —forma, textura, espacio y color— a su propio efecto decorativo. En la arquitectura y las demás artes plásticas, toda la forma tridimensional se ve envuelta en el ritmo lineal orgánico, creando una fusión entre estructura y ornamento. La arquitectura muestra en particular esta síntesis de adorno y estructura, por ejemplo, se empleó una combinación liberal de materiales (hierro, vidrio, cerámica y ladrillo) en la creación de interiores unificados en los que las columnas y vigas se convirtieron en gruesas enredaderas con zarcillos extendidos y ventanas. ambas aberturas para la luz y el aire y las excrecencias membranosas del todo orgánico. Este enfoque se oponía directamente a los valores arquitectónicos tradicionales de la razón y la claridad de estructura.

Hubo una gran cantidad de artistas y diseñadores que trabajaron en el estilo Art Nouveau. Algunos de los más destacados fueron el arquitecto y diseñador escocés Charles Rennie Mackintosh, que se especializó en una línea predominantemente geométrica e influyó particularmente en el Sezessionstil austriaco, los arquitectos belgas Henry van de Velde y Victor Horta, cuyas estructuras extremadamente sinuosas y delicadas influyeron en el arquitecto francés Héctor. Guimard, otra figura importante el vidriero estadounidense Louis Comfort Tiffany el diseñador francés de muebles y herrajes Louis Majorelle el diseñador gráfico y artista checoslovaco Alphonse Mucha el diseñador francés de vidrio y joyería René Lalique el arquitecto estadounidense Louis Henry Sullivan, que usó herrajes Art Nouveau parecidos a plantas para decorar sus edificios de estructura tradicional y el arquitecto y escultor español Antonio Gaudí, quizás el artista más original del movimiento, que fue más allá de la dependencia de la línea para transformar edificios en construcciones orgánicas curvas, bulbosa y de vivos colores.

Después de 1910, el Art Nouveau parecía anticuado y limitado y, en general, se abandonó como un estilo decorativo distinto.En la década de 1960, sin embargo, el estilo fue rehabilitado, en parte, por importantes exposiciones organizadas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1959) y en el Musée National d'Art Moderne (1960), así como por una gran retrospectiva a escala de Beardsley celebrada en el Victoria & amp Albert Museum de Londres en 1966. Las exposiciones elevaron el estatus del movimiento, que a menudo había sido visto por los críticos como una tendencia pasajera, al nivel de otros grandes movimientos de arte moderno de finales del siglo XIX. siglo. Las corrientes del movimiento se revitalizaron luego en el arte pop y op. En el dominio popular, las líneas orgánicas floridas del Art Nouveau revivieron como un nuevo estilo psicodélico en la moda y en la tipografía utilizada en las portadas de álbumes de rock y pop y en la publicidad comercial.


Interpretación contemporánea

Aparte de los azulejos, Rita también produce una amplia gama de alfarería. Toros rotundos y caprichosos se sientan uno al lado del otro con grandes cuencos, copas e incluso colgantes de collares.

Cerámica de arcilla local (c) Julianna Barnaby

Al recorrer su taller, queda claro el importante papel que el paisaje y el entorno local juegan en su trabajo. Desde la cerámica gris oscuro, el color inspirado en las rocas de esquisto dentado que dominan la costa, hasta las velas hechas con cera de abejas de una cooperativa local, no hay nada que no refleje el entorno y la cultura del Alentejo.

Es raro que tengas un sentido tan completo del lugar & # 8211, pero el Alentejo es así, una experiencia sensorial completa que no puedes esperar para explorar.


Decoraciones en azulejos antiguos

Figura 4 Tres de las formas más comunes en que se decoraban los azulejos antiguos. A.) pintado a mano mostrando pinceladas obvias B.) Transfer decorado colores y líneas establecidos como sólidos C.) Transferencias terminadas a mano contornos aplicados por transfer, rellenados con cepillado a mano.

Figura 5 Los diseños a todo color de todos los mosaicos nuevos de este artículo se realizaron mediante impresión en color moderna. La impresión en color moderna se puede identificar por una estructura de roseta circular que se muestra arriba.

Nuevos azulejos firmados Mucha. Diseños copiados de obras originales: Nocturnal Slumber, 1899, Fig.6 Evening Reverie, 1899, Fig.7.

Figura 8 Azulejo único nuevo firmado Mucha 6 × 6 ″. Del trabajo original Le Lierre (Ivy) 1901.

Higos. 9-12 Nuevos mosaicos, copias directas de mosaicos originales diseñados por William De Morgan. (Fig. 9), dos juegos de baldosas, Stork & Fish (Fig. 10), Bird & Fish (Fig. 11), Tudor Galeon, (Fig. 12) Cocina egipcia.
William De Morgan fue uno de los principales diseñadores de azulejos ingleses de finales del siglo XIX, ca. 1870-1907. También fue un experto en la química de la cerámica y los vidriados. Se reprodujeron más de 16 de los diseños originales de De Morgan, incluidos varios diseños originalmente destinados a placas..

Higos. 13-15 Reproducción de juegos de chimenea de cinco azulejos. Muchas baldosas victorianas se diseñaron específicamente para chimeneas en cinco juegos de baldosas. Tres de los nuevos conjuntos se muestran arriba.

Figura 16 Las nuevas baldosas individuales también están disponibles en una amplia gama de motivos geométricos y florales.

Higos. 17-18 La mayoría de las baldosas nuevas se copian de diseños del siglo XIX, pero se copian de baldosas del siglo XVIII.

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Contenido

El término Art Nouveau se utilizó por primera vez en la década de 1880 en la revista belga L'Art Moderne para describir el trabajo de Les Vingt, veinte pintores y escultores que buscan reformas a través del arte. El nombre fue popularizado por el Maison de l'Art Nouveau ("Casa del Arte Nuevo"), una galería de arte inaugurada en París en 1895 por el marchante de arte franco-alemán Siegfried Bing. En Gran Bretaña, el término francés Art Nouveau era de uso común, mientras que en Francia, a menudo se llamaba con el término Estilo moderno (similar al término británico Estilo moderno), o Estilo 1900. [9] En Francia, a veces también se llamaba Estilo Jules Verne (según el novelista Jules Verne), Estilo Métro (después de las entradas de hierro y vidrio del metro de Héctor Guimard), Arte Belle Époque, o Arte fin de siècle. [10]

El Art Nouveau está relacionado, pero no es idéntico, a los estilos que surgieron en muchos países de Europa aproximadamente al mismo tiempo. Sus nombres locales se usaban a menudo en sus respectivos países para describir todo el movimiento.

  • En Bélgica, a veces se denomina Estilo coup de fouet ("Estilo de latigazo cervical"), Paling Stijl ("Estilo anguila"), o Estilo nouille ("Estilo Noodle") por sus detractores. [10]
  • En Gran Bretaña, además del Art Nouveau, era conocido como el Estilo moderno, o, debido a obras de la Escuela de Glasgow, como el Estilo de Glasgow. El término Moderno también se utiliza en Azerbaiyán, Kazajstán, Rusia y Ucrania, y Modernas en Lituania.
  • En Alemania y Escandinavia, se llamó Reformstil ("Estilo de reforma"), o Jugendstil ("Estilo juvenil"), después de la popular revista de arte alemana de ese nombre, [10] así como Wellenstil ("Estilo de onda"), o Lilienstil ("Estilo Lily"). [9] Ahora se llama Jugend en Finlandia, Suecia y Noruega, Juugend en Estonia, y Jūgendstils en Letonia.
  • En Dinamarca, se conoce como Skønvirke ("Obra de belleza").
  • En Austria y los países vecinos que entonces formaban parte del Imperio Austro-Húngaro, Wiener Jugendstil, o Secesionesstil ("Estilo de la Secesión"), según los artistas de la Secesión de Viena (en húngaro: szecesszió, Checo: secese, Eslovaco: secesia, Polaco: secesja).
  • En Italia, a menudo se llamaba estilo Liberty, en honor a Arthur Lasenby Liberty, el fundador de Liberty & amp Co de Londres, cuyos diseños textiles eran populares. A veces también se le llamaba Stile floreale ("Estilo floral"), o Arte nuova ("Arte nuevo"). [10]
  • En los Estados Unidos, debido a su asociación con Louis Comfort Tiffany, a veces se le llamaba "estilo Tiffany". [3] [11] [9] [12]
  • En los Países Bajos, se llamó Nieuwe Kunst ("Arte Nuevo"), o Nieuwe Stijl ("Nuevo estilo"). [11] [9]
  • En portugal, Arte nova.
  • En España, Modernismo, Modernismo (en catalán) y Arte joven ("Arte joven").
  • En Suiza, Style Sapin ("estilo pino"). [9]
  • En Finlandia, Estilo Kalevala.
  • En Rusia, Модерн ("Moderno") o, para pintar, Мир Искусства (Mir Iskusstva, "Mundo del Arte").
  • En Japón, Shiro-Uma. [13]
  • En Rumania, Arta Nouă ("Arte Nuevo") o Noul Stil ("Nuevo estilo"). [14]

Orígenes Editar

Grabado en madera japonés de Utagawa Kunisada (década de 1850)

Diseño textil impreso de William Morris (1883)

Diseño de papel tapiz Swan, Rush e Iris de Walter Crane (1883)

Silla diseñada por Arthur Mackmurdo (1882-1883)

El nuevo movimiento artístico tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en los diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts fundado por los alumnos de Morris. Los primeros prototipos del estilo incluyen la Casa Roja con interiores de Morris y arquitectura de Philip Webb (1859), y el lujoso Peacock Room de James Abbott McNeill Whistler. El nuevo movimiento también estuvo fuertemente influenciado por los pintores prerrafaelitas, incluidos Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones, y especialmente por artistas gráficos británicos de la década de 1880, incluidos Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert y especialmente Aubrey. Beardsley. [15] La silla diseñada por Arthur Mackmurdo ha sido reconocida como precursora del diseño Art Nouveau. [dieciséis]

En Francia, recibió la influencia del historiador y teórico de la arquitectura Eugène Viollet-le-Duc, enemigo declarado del estilo arquitectónico histórico Beaux-Arts. En su libro de 1872 Entretiens sur l'architecture, escribió, "Utilice los medios y conocimientos que nos ha dado nuestro tiempo, sin las tradiciones intermedias que ya no son viables hoy, y de esa manera podemos inaugurar una nueva arquitectura. Para cada función su material para cada material su forma y su adorno ". [17] Este libro influyó en una generación de arquitectos, incluidos Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard y Antoni Gaudí. [18]

Los pintores franceses Maurice Denis, Pierre Bonnard y Édouard Vuillard desempeñaron un papel importante en la integración de la pintura de bellas artes con la decoración. "Creo que ante todo debe decorar un cuadro", escribió Denis en 1891. "La elección de temas o escenas no es nada. Es por el valor de los tonos, la superficie coloreada y la armonía de las líneas que puedo llegar al espíritu y despierta las emociones ". [19] Todos estos pintores hicieron pintura tradicional y pintura decorativa en pantallas, en vidrio y en otros medios. [20]

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo. Esta fue una ola de entusiasmo por la impresión japonesa en madera, en particular las obras de Hiroshige, Hokusai y Utagawa Kunisada, que se importaron a Europa a partir de la década de 1870. El emprendedor Siegfried Bing fundó una revista mensual, Le Japon artistique en 1888, y publicó treinta y seis números antes de que terminara en 1891. Influyó tanto en coleccionistas como en artistas, incluido Gustav Klimt. Los rasgos estilizados de los grabados japoneses aparecieron en los gráficos, la porcelana, las joyas y los muebles de estilo Art Nouveau. Desde principios de 1860, se manifestó repentinamente una influencia del Lejano Oriente. En 1862, los amantes del arte de Londres o París, pudieron comprar obras de arte japonesas, porque en ese año, Japón apareció por primera vez como expositor en la Exposición Internacional de Londres. También en 1862, en París, La Porte Chinoise La tienda, en la Rue de Rivoli, estaba abierta, donde se vendían ukiyo-e japoneses y otros objetos del Lejano Oriente. En 1867, Ejemplos de adornos chinos de Owen Jones apareció, y en 1870 Arte e industrias en Japón por R. Alcock, y dos años más tarde, O. H. Moser y T. W. Cutler publicaron libros sobre arte japonés. Algunos artistas de Art Nouveau, como Victor Horta, poseían una colección de arte del Lejano Oriente, especialmente japonés. [13]

Las nuevas tecnologías en impresión y publicación permitieron que Art Nouveau llegara rápidamente a una audiencia global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en color, jugaron un papel fundamental en la popularización del nuevo estilo. El estudio en Inglaterra, Arts et idèes y Arte y decoración en Francia, y Jugend en Alemania permitió que el estilo se extendiera rápidamente a todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley en Inglaterra y Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec y Félix Vallotton lograron el reconocimiento internacional como ilustradores. [21] Con los carteles de Jules Chéret para la bailarina Loie Fuller en 1893, y de Alphonse Mucha para la actriz Sarah Bernhardt en 1895, el cartel se convirtió no solo en publicidad, sino en una forma de arte. Sarah Bernhardt puso a un lado una gran cantidad de sus carteles para venderlos a los coleccionistas. [22]

Desarrollo - Bruselas (1893–1898) Editar

Fachada del Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893)

Escalera del Hôtel Tassel

Silla Bloemenwerf realizada por Van de Velde para su residencia (1895)

Las primeras casas de estilo Art Nouveau, Hankar House de Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel de Victor Horta (1892–1893), [4] [5] se construyeron casi simultáneamente en Bruselas. Hankar se inspiró particularmente en las teorías del arquitecto francés Eugène Viollet-le-Duc. Con el objetivo de crear una síntesis de bellas artes y artes decorativas, trajo a Adolphe Crespin [fr] y Albert Ciamberlani [fr] para decorar el interior y el exterior con esgrafiadoo murales. Hankar decoró tiendas, restaurantes y galerías en lo que un crítico local llamó "un verdadero delirio de originalidad". Murió en 1901, justo cuando el movimiento comenzaba a recibir reconocimiento. [23]

Victor Horta fue uno de los arquitectos más influyentes del Art Nouveau temprano, y su Hôtel Tassel (1892-1893) es uno de los hitos del estilo. [24] [25] La formación arquitectónica de Horta fue como asistente de Alphonse Balat, arquitecto de Leopoldo II de Bélgica, en la construcción de los monumentales Invernaderos de hierro y vidrio de Laeken. [26] En 1892-1893, le dio a esta experiencia un uso muy diferente. Diseñó la residencia de un destacado químico belga, Émile Tassel, en un sitio muy estrecho y profundo. El elemento central de la casa era la escalera, no cerrada por paredes, sino abierta, decorada con una barandilla de hierro forjado ondulado y colocada debajo de una claraboya alta. Los pisos estaban sostenidos por esbeltas columnas de hierro como los troncos de los árboles. Los pisos y paredes de mosaicos fueron decorados con delicados arabescos en formas florales y vegetales, que se convirtieron en la firma más popular del estilo. [27] [28] En poco tiempo, Horta construyó tres casas adosadas más, todas con interiores abiertos y todas con tragaluces para obtener la máxima luz interior: el Hôtel Solvay, el Hôtel van Eetvelde y la Maison & amp Atelier Horta. Los cuatro son ahora parte de un sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Henry van de Velde, nacido en Amberes, fue otra figura fundadora en el nacimiento del Art Nouveau. Los diseños de Van de Velde incluyeron el interior de su residencia, el Bloemenwerf (1895). [29] [30] El exterior de la casa se inspiró en la Casa Roja, la residencia del escritor y teórico William Morris, el fundador del movimiento Arts and Crafts. Con formación como pintor, Van de Velde se dedicó a la ilustración, luego al diseño de muebles y finalmente a la arquitectura. Para Bloemenwerf, creó los textiles, el papel tapiz, los cubiertos, las joyas e incluso la ropa, que combinaban con el estilo de la residencia. [31] Van de Velde fue a París, donde diseñó muebles y decoración para Samuel Bing, cuya galería de París dio nombre al estilo. También fue uno de los primeros teóricos del Art Nouveau, que exigió el uso de líneas dinámicas, a menudo opuestas. Van de Velde escribió: "Una línea es una fuerza como todas las demás fuerzas elementales. Varias líneas juntas pero opuestas tienen una presencia tan fuerte como varias fuerzas". En 1906 partió de Bélgica hacia Weimar (Alemania), donde fundó la Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios, donde se prohibió la enseñanza de estilos históricos. Jugó un papel importante en el Werkbund alemán, antes de regresar a Bélgica. [32]

El debut de la arquitectura Art Nouveau en Bruselas fue acompañado por una ola de Arte Decorativo en el nuevo estilo. Artistas importantes fueron Gustave Strauven, que usó hierro forjado para lograr efectos barrocos en las fachadas de Bruselas, el diseñador de muebles Gustave Serrurier-Bovy, conocido por sus sillas muy originales y muebles de metal articulado y el diseñador de joyas Philippe Wolfers, que hizo joyas en forma de libélulas. , mariposas, cisnes y serpientes. [33]

La Exposición Internacional de Bruselas celebrada en 1897 atrajo la atención internacional al estilo Horta, Hankar, Van de Velde y Serrurier-Bovy, entre otros, participaron en el diseño de la feria, y Henri Privat-Livemont creó el cartel de la exposición.

París - Maison de l'Art Nouveau (1895) y Castel Beranger (1895–1898) Editar

Siegfried Bing invitó a artistas a mostrar obras modernas en su nueva Maison de l'Art Nouveau (1895).

La galería Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing (1895)

Póster de Félix Vallotton para la nueva Maison de l'Art Nouveau (1896)

El marchante y editor de arte franco-alemán Siegfried Bing jugó un papel clave en la publicidad del estilo. En 1891, fundó una revista dedicada al arte de Japón, que ayudó a dar a conocer el japonismo en Europa. En 1892 organizó una exposición de siete artistas, entre ellos Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec y Eugène Grasset, que incluyó tanto pintura moderna como obra decorativa. Esta exposición se mostró en la Société nationale des beaux-arts en 1895. En el mismo año, Bing abrió una nueva galería en el 22 de la rue de Provence de París, la Maison de l'Art Nouveau, dedicada a nuevas obras tanto de bellas artes como de Artes Decorativas. El interior y el mobiliario de la galería fueron diseñados por el arquitecto belga Henry van de Velde, uno de los pioneros de la arquitectura Art Nouveau. los Maison de l'Art Nouveau mostró pinturas de Georges Seurat, Paul Signac y Toulouse-Lautrec, vidrio de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé, joyas de René Lalique y carteles de Aubrey Beardsley. Las obras que se muestran allí no eran en absoluto uniformes en estilo. Bing escribió en 1902, "Art Nouveau, en el momento de su creación, no aspiraba en modo alguno a tener el honor de convertirse en un término genérico. Era simplemente el nombre de una casa abierta como punto de encuentro para todos los jóvenes y artistas ardientes impacientes por mostrar la modernidad de sus tendencias ". [34]

El estilo se notó rápidamente en la vecina Francia. Después de visitar el Horta's Hôtel Tassel, Héctor Guimard construyó el Castel Béranger, uno de los primeros edificios de París en el nuevo estilo, entre 1895 y 1898. [nb 1] Los parisinos se habían estado quejando de la monotonía de la arquitectura de los bulevares construidos bajo Napoleón III por Georges-Eugène Haussmann. El Castel Beranger era una curiosa mezcla de neogótico y Art Nouveau, con líneas curvas y formas naturales. Guimard, un hábil publicista de su trabajo, declaró: "Lo que debe evitarse a toda costa es. El paralelo y la simetría. La naturaleza es el mayor constructor de todos, y la naturaleza no hace nada que sea paralelo y nada que sea simétrico". [36]

Los parisinos dieron la bienvenida al estilo original y pintoresco de Guimard, el Castel Béranger fue elegido como una de las mejores fachadas nuevas de París, iniciando la carrera de Guimard. Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas para el nuevo sistema de metro de París, que llamó la atención de millones de visitantes sobre el estilo de la ciudad. Exposición Universal. [10]

París Exposición Universal (1900) Editar

The Bigot Pavilion, que muestra el trabajo del artista de cerámica Alexandre Bigot

Entrada al pabellón de Austria, con exposiciones diseñadas por Josef Hoffmann

Entrada de la estación de metro de París en Abbesses diseñado por Hector Guimard para el 1900 Exposición universelle

Armas Lindgren y Eliel Saarinen ganaron el reconocimiento internacional por su diseño del pabellón de Finlandia

Menú diseñado por Alfons Mucha para el restaurante del Pabellón de Bosnia

Pórtico del Pabellón de Porcelana de Sevres (1900), ahora en la plaza Félix-Desruelles de París

El París 1900 Exposición universelle marcó el punto culminante del Art Nouveau. Entre abril y noviembre de 1900, atrajo a casi cincuenta millones de visitantes de todo el mundo y mostró la arquitectura, el diseño, la cristalería, el mobiliario y los objetos decorativos del estilo.La arquitectura de la Exposición era a menudo una mezcla de arquitectura Art Nouveau y Beaux-Arts: la sala principal de exposiciones, el Grand Palais, tenía una fachada Beaux-Arts completamente ajena a la espectacular escalera Art Nouveau y sala de exposiciones en el interior.

Todos los diseñadores franceses realizaron trabajos especiales para la Exposición: joyas de cristal y joyería de Lalique de Henri Vever y Georges Fouquet Daum vidrio la Manufacture nationale de Sèvres en cerámica de porcelana de Alexandre Bigot lámparas de vidrio esculpido y jarrones de Émile Gallé muebles de Édouard Colonna y Louis Majorelle y muchas otras destacadas empresas de artes y oficios. En la Exposición de París de 1900, Siegfried Bing presentó un pabellón llamado Art Nouveau Bing, que contó con seis interiores diferentes completamente decorados en el estilo. [37] [38]

La Exposición fue el primer escaparate internacional para diseñadores y artistas Art Nouveau de toda Europa y más allá. Entre los ganadores del premio y los participantes estaban Alphonse Mucha, quien realizó murales para el pabellón de Bosnia-Herzegovina y diseñó el menú para el restaurante del pabellón los decoradores y diseñadores Bruno Paul y Bruno Möhring de Berlín Carlo Bugatti de Turín Bernhardt Pankok de Baviera El arquitecto ruso -diseñador Fyodor Schechtel y Louis Comfort Tiffany and Company de los Estados Unidos. [39] El arquitecto vienés Otto Wagner fue miembro del jurado y presentó un modelo del baño Art Nouveau de su propio apartamento en Viena, con una bañera de vidrio. [40] Josef Hoffmann diseñó la exposición vienesa en la exposición de París, destacando los diseños de la Secesión de Viena. [41] Eliel Saarinen ganó por primera vez el reconocimiento internacional por su diseño imaginativo del pabellón de Finlandia. [42]

Si bien la Exposición de París fue, con mucho, la más grande, otras exposiciones hicieron mucho para popularizar el estilo. La Exposición Universal de Barcelona de 1888 marcó el inicio del modernismo en España, con algunos edificios de Lluís Domènech i Montaner. los Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna de 1902 en Turín, Italia, mostró diseñadores de toda Europa, incluidos Victor Horta de Bélgica y Joseph Maria Olbrich de Viena, junto con artistas locales como Carlo Bugatti, Galileo Chini y Eugenio Quarti. [43]

Art Nouveau en Francia Editar

Póster para la bailarina Loie Fuller de Jules Chéret (1893)

Póster de Alfons Mucha para Gismonda protagonizada por Sarah Bernhardt (1894)

Escalera del Petit Palais, París (1900)

Portada del edificio Lavirotte de Jules Lavirotte, 29, avenida rapp, París (1901)

La joyería de Georges Fouquet a las 6, rue Royale, París, diseñado por Alphonse Mucha, ahora en el Museo Carnavalet (1901)

Peine de cuerno, oro y diamantes de René Lalique (c. 1902) (Musée d'Orsay)

La Villa Majorelle en Nancy para el diseñador de muebles Louis Majorelle por el arquitecto Henri Sauvage (1901–02)

Muebles de dormitorio de la Villa Majorelle (1901–02), ahora en el Museo de Bellas Artes de Nancy

Reja de vidrio y hierro forjado de la puerta de entrada de la Villa Majorelle (1901)

Después de la Exposición de 1900, la capital del Art Nouveau fue París. Las residencias más extravagantes del estilo fueron construidas por Jules Lavirotte, quien cubrió por completo las fachadas con una decoración escultórica de cerámica. El ejemplo más llamativo es el Edificio Lavirotte, en 29, avenida rapp (1901). Los edificios de oficinas y los grandes almacenes presentaban patios altos cubiertos con cúpulas de vidrieras y decoración de cerámica. El estilo fue particularmente popular en restaurantes y cafés, incluyendo Maxim's a las 3, rue Royale, y Le Train azul en la Gare de Lyon (1900). [44]

El estatus de París atrajo a artistas extranjeros a la ciudad. El artista de origen suizo Eugène Grasset fue uno de los primeros creadores de carteles franceses Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat Noir en 1885, hizo sus primeros carteles para el Fêtes de Paris y un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890. En París, enseñó en la escuela de arte de Guérin (École normale d'enseignement du dessin), donde sus alumnos incluyeron a Augusto Giacometti y Paul Berthon. [45] [46] Théophile-Alexandre Steinlen, nacido en Suiza, creó el famoso cartel del cabaret de París Le Chat noir en 1896. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y, en 1895, realizó un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou en el Théâtre de la Renaissance. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt.

La ciudad de Nancy en Lorena se convirtió en la otra capital francesa del nuevo estilo. En 1901, el Alliance provinciale des industries d'art, también conocido como el École de Nancy, fue fundada, dedicada a trastocar la jerarquía que anteponía la pintura y la escultura a las artes decorativas. Los principales artistas que trabajaron allí fueron los creadores de jarrones y lámparas de vidrio Émile Gallé, los hermanos Daum en diseño de vidrio y el diseñador Louis Majorelle, que creó muebles con elegantes formas florales y vegetales. El arquitecto Henri Sauvage trajo el nuevo estilo arquitectónico a Nancy con su Villa Majorelle en 1902.

El estilo francés fue ampliamente difundido por nuevas revistas, incluyendo El estudio, Arts et Idées y Arte y decoración, cuyas fotografías y litografías en color dieron a conocer el estilo a diseñadores y clientes adinerados de todo el mundo.

En Francia, el estilo alcanzó su cumbre en 1900 y, a partir de entonces, pasó rápidamente de moda, prácticamente desapareciendo de Francia en 1905. El Art Nouveau era un estilo de lujo, que requería artesanos expertos y bien pagados, y no podía ser fácil o barato en masa. -producido. Uno de los pocos productos Art Nouveau que podría producirse en masa fue el frasco de perfume, y todavía se fabrican con el estilo actual.

Art Nouveau en Bélgica Editar

Detalle del jardín de invierno del Hôtel van Eetvelde

Antiguos grandes almacenes Old England de Paul Saintenoy, Bruselas (1898-1899)

Casa Saint-Cyr de Gustave Strauven, Bruselas (1901-1903)

Casa del arquitecto Paul Cauchie con esgrafiado, Bruselas (1905)

Cama y espejo de Gustave Serrurier-Bovy (1898-1899), ahora en el Musée d'Orsay, París

Philippe Wolfers, Plume de Paon, (Colección Fundación Rey Balduino, depósito: KMKG-MRAH)

Bélgica fue uno de los primeros centros del Art Nouveau, gracias en gran parte a la arquitectura de Victor Horta, quien diseñó una de las primeras casas Art Nouveau, el Hôtel Tassel en 1893, y otras tres casas adosadas en variaciones del mismo estilo. Ahora son sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Horta tuvo una fuerte influencia en la obra del joven Héctor Guimard, que vino a ver el Hôtel Tassel en construcción y luego declaró que Horta era el "inventor" del Art Nouveau. [47] La ​​innovación de Horta no fue la fachada, sino el interior, utilizando una abundancia de hierro y vidrio para abrir el espacio e inundar de luz las habitaciones, y decorarlas con columnas de hierro forjado y barandillas de formas vegetales curvas, que se repitieron en los pisos y paredes, así como los muebles y alfombras que diseñó Horta. [48]

Paul Hankar fue otro pionero del Art Nouveau de Bruselas. Su casa se completó en 1903, el mismo año que el Hôtel Tassel de Horta, y contó con murales esgrafiados en la fachada. Hankar fue influenciado tanto por Viollet-le-Duc como por las ideas del movimiento de artes y oficios inglés. Su idea de concepción fue unir las artes decorativas y las bellas artes en un todo coherente. Encargó al escultor Alfred Crick y al pintor Adolphe Crespin [fr] la decoración de las fachadas de las casas con su obra. El ejemplo más llamativo fue la casa y el estudio construido para el artista Albert Ciamberlani a los 48 años, rue Defacqz/Defacqzstraat en Bruselas, para lo que realizó una exuberante fachada cubierta de murales esgrafiados con figuras pintadas y ornamentos, recreando la arquitectura decorativa del Quattrocento o Italia del siglo XV. [26] Hankar murió en 1901, cuando su trabajo apenas estaba recibiendo reconocimiento. [49]

Gustave Strauven fue asistente de Horta, antes de comenzar su propia práctica a los 21 años. Su obra más famosa es la Maison Saint Cyr en la plaza Ambiorix de Bruselas. De tan solo cuatro metros de ancho, está decorado de arriba a abajo con adornos curvos, en un estilo virtualmente Art Nouveau-Barroco.

Otros artistas importantes de Art Nouveau de Bélgica incluyeron al arquitecto y diseñador Henry van de Velde, aunque la parte más importante de su carrera la pasó en Alemania, influyó fuertemente en la decoración del Jugendstil. Otros incluyeron al decorador Gustave Serrurier-Bovy y al artista gráfico Fernand Khnopff. [5] [50] [51] Los diseñadores belgas aprovecharon una abundante oferta de marfil importado del Congo Belga. Las esculturas mixtas, que combinaban piedra, metal y marfil, de artistas como Philippe Wolfers, eran populares. [52]

Nieuwe Kunst en los Países Bajos Editar

The Amsterdam Commodities Exchange, por Hendrik Petrus Berlage (1896-1903)

Armario / escritorio de Berlage (1898)

Póster de aceite de ensalada de Delft de Jan Toorop (1893)

Jarrón con diseño floral abstracto de Theo Colenbrander (1898)

Jarrón de porcelana diseñado por J. Jurriaaan Kok y decorado por W.R. Sterken (1901)

En los Países Bajos, el estilo se conocía como el Nieuwe Stijl ("Nuevo estilo"), o Nieuwe Kunst ("New Art"), y tomó una dirección diferente del estilo más floral y curvo en Bélgica. Fue influenciado por las formas más geométricas y estilizadas del Jugendstil alemán y la Secesión de Viena de Austria. [52] También fue influenciado por el arte y las maderas importadas de Indonesia, luego de las Indias Orientales Holandesas, particularmente los diseños de los textiles y batik de Java.

El arquitecto y diseñador de muebles más importante del estilo fue Hendrik Petrus Berlage, quien denunció los estilos históricos y abogó por una arquitectura puramente funcional. Escribió: "Es necesario luchar contra el arte de la ilusión, y reconocer la mentira, para encontrar la esencia y no la ilusión". [53] Como Víctor Horta y Gaudí, fue un admirador de las teorías arquitectónicas de Viollet-le-Duc. [53] Sus muebles fueron diseñados para ser estrictamente funcionales y respetar las formas naturales de la madera, en lugar de doblarla o torcerla como si fuera metal. Señaló el ejemplo de los muebles egipcios y prefirió las sillas con ángulos rectos. Su primera y más famosa obra arquitectónica fue la Beurs van Berlage (1896-1903), la Bolsa de Productos de Ámsterdam, que construyó siguiendo los principios del constructivismo. Todo era funcional, incluidas las líneas de remaches que decoraban las paredes de la sala principal. A menudo incluía torres muy altas en sus edificios para hacerlos más prominentes, una práctica utilizada por otros arquitectos Art Nouveau de la época, incluidos Joseph Maria Olbrich en Viena y Eliel Saarinen en Finlandia. [54]

Otros edificios de este estilo incluyen el American Hotel (1898-1900), también de Berlage y Astoria (1904-1905) de Herman Hendrik Baanders y Gerrit van Arkel en Ámsterdam, la estación de tren de Haarlem (1906-1908) y la antigua oficina edificio de Holland America Lines (1917) en Rotterdam, ahora Hotel New York.

Destacados artistas gráficos e ilustradores del estilo incluyeron a Jan Toorop, cuyo trabajo se inclinó hacia el misticismo y el simbolismo, incluso en sus carteles de aceite para ensaladas. En sus colores y diseños, también mostraron en ocasiones la influencia del arte de Java. [54]

Entre las figuras importantes de la cerámica y la porcelana holandesas se encuentran Jurriaan Kok y Theo Colenbrander. Utilizaron patrones florales coloridos y motivos Art Nouveau más tradicionales, combinados con formas inusuales de cerámica y colores oscuros y claros contrastantes, tomados de la decoración batik de Java. [55]

Estilo moderno y escuela de Glasgow en Gran Bretaña Editar

Edificio de pub (1899-1900) de James Hoey Craigie (1870-1930). 59 Dumbarton Road, Glasgow

Diseño de portada de Arthur Mackmurdo para un libro sobre Christopher Wren (1883)

Edificio "The Hatrack" de James Salmon, 142a, 144 St. Vincent Street, Glasgow (1899-1902)

La antigua imprenta de Everard, Broad Street, Bristol, de Henry Williams (1900)

El Art Nouveau tiene sus raíces en Gran Bretaña, en el movimiento Arts and Crafts que comenzó en la década de 1860 y alcanzó el reconocimiento internacional en la década de 1880. Pidió un mejor tratamiento de las artes decorativas y se inspiró en la artesanía y el diseño medievales, y en la naturaleza. [56] Un ejemplo temprano notable del estilo moderno es el diseño de Arthur Mackmurdo para la portada de su ensayo sobre las iglesias de la ciudad de Sir Christopher Wren, publicado en 1883, al igual que su silla de caoba del mismo año. [57]

Otros innovadores importantes en Gran Bretaña incluyeron a los diseñadores gráficos Aubrey Beardsley, cuyos dibujos presentaban las líneas curvas que se convirtieron en la característica más reconocible del estilo. También se podría aducir hierro forjado de flujo libre de la década de 1880, o algunos diseños textiles florales planos, la mayoría de los cuales deben algún ímpetu a los patrones de diseño del siglo XIX. Otros artistas gráficos británicos que tuvieron un lugar importante en el estilo fueron Walter Crane y Charles Ashbee. [58]

Los grandes almacenes Liberty en Londres desempeñaron un papel importante, a través de sus coloridos diseños florales estilizados para textiles y los diseños de plata, peltre y joyería de Manxman (de ascendencia escocesa) Archibald Knox. Sus diseños de joyas en materiales y formas rompieron por completo con las tradiciones históricas del diseño de joyas.

Para la arquitectura Art Nouveau y el diseño de mobiliario, el centro más importante de Gran Bretaña fue Glasgow, con las creaciones de Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow, cuyo trabajo se inspiró en la arquitectura baronial escocesa y el diseño japonés. [59] A partir de 1895, Mackintosh exhibió sus diseños en exposiciones internacionales en Londres, Viena y Turín; sus diseños influyeron particularmente en el estilo de la Secesión en Viena. Sus creaciones arquitectónicas incluyeron el edificio Glasgow Herald (1894) y la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow (1897). También se ganó una gran reputación como diseñador y decorador de muebles, trabajando en estrecha colaboración con su esposa, Margaret Macdonald Mackintosh, una destacada pintora y diseñadora. Juntos crearon diseños llamativos que combinaban líneas rectas geométricas con una decoración floral suavemente curvada, en particular un símbolo famoso del estilo, la rosa de Glasgow ". [60]

Léon-Victor Solon, hizo una importante contribución a la cerámica Art Nouveau como director de arte en Mintons. Se especializó en placas y jarrones revestidos de tubos comercializados como "artículos secesionistas" (generalmente descritos con el nombre del movimiento artístico vienés). [61] Además de la cerámica, diseñó textiles para la industria de la seda de puerro [62] y doble cebo para un encuadernador (G.T.Bagguley de Newcastle bajo Lyme), que patentó el Sutherland vinculante en 1895.

George Skipper fue quizás el arquitecto Art Nouveau más activo de Inglaterra. El edificio Edward Everard en Bristol, construido entre 1900 y 2001 para albergar la imprenta de Edward Everard, presenta una fachada Art Nouveau. Las figuras representadas son de Johannes Gutenberg y William Morris, ambos eminentes en el campo de la imprenta. Una figura alada simboliza el "Espíritu de luz", mientras que una figura sosteniendo una lámpara y un espejo simboliza la luz y la verdad.

Jugendstil en Alemania Editar

Cubierta de Sartén revista de Joseph Sattler (1895)

Cubierta de Jugend de Otto Eckmann (1896)

Tapiz Los cinco cisnes por Otto Eckmann (1896-1897)

Tirador de puerta Jugendstil en Berlín (circa 1900)

Vajilla y juego de comedor Jugendstil de Peter Behrens (1900-1901)

Plato de peltre Jugendstil de WMF Diseño n. ° 232. c.1906

El Art Nouveau alemán es comúnmente conocido por su nombre alemán, Jugendstil, o "estilo juvenil". El nombre está tomado de la revista artística, Die Jugend, o Juventud, que se publicó en Munich. La revista fue fundada en 1896 por Georg Hirth, quien permaneció como editor hasta su muerte en 1916. La revista sobrevivió hasta 1940. A principios del siglo XX, Jugendstil se aplicó solo a las artes gráficas. [63] Se refirió especialmente a las formas de tipografía y diseño gráfico que se encuentran en revistas alemanas como Jugend, Sartén, y Simplicissimus. Jugendstil Más tarde se aplicó a otras versiones del Art Nouveau en Alemania, Holanda. El término fue tomado del alemán por varios idiomas de los estados bálticos y los países nórdicos para describir el Art Nouveau (ver la sección de Nombres). [11] [64]

En 1892, Georg Hirth eligió el nombre de Secesión de Munich para la Asociación de Artistas Visuales de Munich. La Secesión de Viena, fundada en 1897, [65] y la Secesión de Berlín también tomaron sus nombres del grupo de Munich.

Las revistas Jugend y Simplicissimus, publicado en Munich, y Sartén, publicado en Berlín, fueron importantes defensores de la Jugendstil. Jugendstil El arte combinaba curvas sinuosas y líneas más geométricas, y se utilizaba para portadas de novelas, anuncios y carteles de exposiciones. Los diseñadores a menudo creaban estilos originales de tipografía que funcionaban armoniosamente con la imagen, p. Ej. Tipografía Arnold Böcklin en 1904.

Otto Eckmann fue uno de los artistas alemanes más destacados asociados con ambos Die Jugend y Sartén. Su animal favorito era el cisne, y su influencia fue tan grande que el cisne llegó a servir como símbolo de todo el movimiento. Otro diseñador destacado en el estilo fue Richard Riemerschmid, quien hizo muebles, cerámica y otros objetos decorativos en un estilo geométrico sobrio que apuntaba hacia el Art Deco. [66] El artista suizo Hermann Obrist, residente en Munich, ilustró la golpe de fouet o motivo de latigazo, una doble curva muy estilizada que sugiere un movimiento tomado del tallo de la flor de ciclamen.

La casa de Ernst Ludwig por Joseph Maria Olbrich (1900) ahora alberga el Museo de la Colonia de Darmstadt

Complejo de spa Sprudelhof en Bad Nauheim (1905-1911)

Puerta Art Nouveau con un motivo decorativo de girasol (Rybnik Silesia)

La Colonia de Artistas de Darmstadt fue fundada en 1899 por Ernest Ludwig, Gran Duque de Hesse. El arquitecto que construyó la casa del Gran Duque, así como la estructura más grande de la colonia (Torre de la boda), fue Joseph Maria Olbrich, uno de los fundadores de la Secesión de Viena. Otros artistas notables de la colonia fueron Peter Behrens y Hans Christiansen. Ernest Ludwig también se encargó de reconstruir el complejo de spa en Bad Nauheim a principios de siglo.Un complejo Sprudelhof [de] completamente nuevo se construyó en 1905-1911 bajo la dirección de Wilhelm Jost [de] y logró uno de los principales objetivos del Jugendstil: una síntesis de todas las artes. [67] Otro miembro de la familia reinante que encargó una estructura Art Nouveau fue la princesa Isabel de Hesse y del Rin. Fundó el Convento Marfo-Mariinsky en Moscú en 1908 y su katholikon es reconocida como una obra maestra del Art Nouveau. [68]

Otra unión notable en el Imperio alemán fue la Deutscher Werkbund, fundada en 1907 en Munich por instigación de Hermann Muthesius por artistas de la colonia de Darmstadt Joseph Maria Olbrich, Peter Behrens por otro fundador de la Secesión de Viena, Josef Hoffmann, así como por Wiener Werkstätte (fundada por Hoffmann), por Richard Riemerschmid, Bruno Paul y otros artistas y compañías. [69] Posteriormente, el belga Henry van de Velde se unió al movimiento [nb 2]. La Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios [de], fundada por él en Weimar, fue antecesora de la Bauhaus, una de las corrientes más influyentes de la arquitectura modernista. [71]

En Berlín, Jugendstil fue elegido para la construcción de varias estaciones de tren. La más notable [72] es Bülowstraße de Bruno Möhring (1900-1902), otros ejemplos son Mexikoplatz (1902-1904), Botanischer Garten (1908-1909), Frohnau (1908-1910), Wittenbergplatz (1911-1913) y Pankow. (1912-1914) estaciones. Otra estructura notable de Berlín es Hackesche Höfe (1906) que utilizó ladrillo vidriado policromado para la fachada del patio.

Art Nouveau en Estrasburgo (entonces parte del Imperio Alemán como la capital de la Reichsland Elsaß-Lothringen) era una marca específica, ya que combinaba influencias de Nancy y Bruselas, con influencias de Darmstadt y Viena, para operar una síntesis local que reflejaba la historia de la ciudad entre los reinos germánico y francés.

Secesión en Austria – Hungría Editar

Secesión de Viena Editar

Vampiro en Ver Sacrum # 12 (1899) p. 8 por Ernst Stöhr

Mujer con un vestido amarillo de Max Kurzweil (1907)

Viena se convirtió en el centro de una variante distinta del Art Nouveau, que se conoció como la Secesión de Viena. El movimiento tomó su nombre de la Secesión de Munich establecida en 1892. La Secesión de Viena fue fundada en abril de 1897 por un grupo de artistas que incluía a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Ernst Stöhr y otros. [65] El pintor Klimt se convirtió en el presidente del grupo. Se opusieron a la orientación conservadora hacia el historicismo expresada por Vienna Künstlerhaus, el sindicato oficial de artistas. La Secesión fundó una revista, Ver Sacrum, para promover sus trabajos en todos los medios. [73] El arquitecto Joseph Olbrich diseñó el edificio abovedado de la Secesión con el nuevo estilo, que se convirtió en un escaparate para las pinturas de Gustav Klimt y otros artistas de la Secesión.

Klimt se convirtió en el más conocido de los pintores de la Secesión, a menudo borrando la frontera entre la pintura de bellas artes y la pintura decorativa. Koloman Moser fue un artista extremadamente versátil en el estilo de su trabajo, incluidas ilustraciones de revistas, arquitectura, platería, cerámica, porcelana, textiles, vidrieras y muebles.

Diseño floral de Alois Ludwig en la fachada de Maiolica House de Otto Wagner (1898)

El arquitecto más destacado de la Secesión de Viena fue Otto Wagner, [74] se unió al movimiento poco después de sus inicios para seguir a sus estudiantes Hoffmann y Olbrich. Sus principales proyectos incluyeron varias estaciones de la red ferroviaria urbana (Stadtbahn), los edificios Linke Wienzeile (que consisten en Majolica House, House of Medallions y la casa en Köstlergasse). La estación de Karlsplatz es ahora una sala de exposiciones del Museo de Viena. El hospital psiquiátrico Kirche am Steinhof de Steinhof (1904-1907) es un ejemplo único y finamente elaborado de la arquitectura religiosa de la Secesión, con un exterior abovedado tradicional pero un interior elegante y moderno en oro y blanco iluminado por abundantes vidrieras modernas.

En 1899 Joseph Maria Olbrich se trasladó a la Colonia de Artistas de Darmstadt, en 1903 Koloman Moser y Josef Hoffmann fundaron la Wiener Werkstätte, una escuela de formación y taller para diseñadores y artesanos de muebles, alfombras, textiles y objetos decorativos. [75] En 1905 Koloman Moser y Gustav Klimt se separaron de la Secesión de Viena, más tarde en 1907 Koloman Moser también dejó Wiener Werkstätte, mientras que su otro fundador, Josef Hoffmann, se unió al Deutscher Werkbund. [69] Gustav Klimt y Josef Hoffmann continuaron colaborando, organizaron la Exposición Kunstschau [de] en 1908 en Viena y construyeron el Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911) que anunció la llegada de la arquitectura modernista. [76] [77] Fue designado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en junio de 2009. [78]

Húngaro Szecesszió Editar

Palacio Gróf en Szeged de Ferenc Raichle (1913)

El pionero y profeta del Szecesszió (Secesión en húngaro), el arquitecto Ödön Lechner, creó edificios que marcaron una transición del historicismo al modernismo para la arquitectura húngara. [79] Su idea para un estilo arquitectónico húngaro fue el uso de cerámicas arquitectónicas y motivos orientales. En sus obras, utilizó pigorganita puesta en producción en 1886 por Zsolnay Porcelain Manufactory. [79] Este material se utilizó en la construcción de notables edificios húngaros de otros estilos, p. Ej. el edificio del parlamento húngaro y la iglesia de Matías.

Las obras de Ödön Lechner [80] incluyen el Museo de Artes Aplicadas (1893-1896), otros edificios con características distintivas similares son el Museo Geológico (1896-1899) y el edificio de la Caja de Ahorros Postal (1899-1902), todos en Budapest. Sin embargo, debido a la oposición del establecimiento arquitectónico húngaro al éxito de Lechner, pronto no pudo obtener nuevos encargos comparables a sus edificios anteriores. [79] Pero Lechner fue una inspiración y un maestro para la siguiente generación de arquitectos que desempeñaron el papel principal en la popularización del nuevo estilo. [79] Dentro del proceso de Magiarización, se encargaron numerosos edificios a sus discípulos en las afueras del reino: p. Ej. Marcell Komor [hu] y Dezső Jakab recibieron el encargo de construir la sinagoga (1901-1903) y el ayuntamiento (1908-1910) en Szabadka (ahora Subotica, Serbia), la prefectura del condado (1905-1907) y el palacio de la cultura (1911-1910) 1913) en Marosvásárhely (ahora Târgu Mureș, Rumania). Más tarde, el propio Lechner construyó la Iglesia Azul en Pozsony (actual Bratislava, Eslovaquia) en 1909-1913.

Otro arquitecto importante fue Károly Kós, seguidor de John Ruskin y William Morris. Kós tomó el movimiento del nacional romanticismo finlandés como modelo y la lengua vernácula de Transilvania como inspiración. [81] Sus edificios más notables incluyen la Iglesia Católica Romana en Zebegény (1908–09), los pabellones del Zoológico Municipal de Budapest (1909–1912) y el Museo Nacional Székely en Sepsiszentgyörgy (ahora Sfântu Gheorghe, Rumania, 1911–12).

Mosaico de Miksa Róth en el edificio Török Bank [fr] en Budapest (1906)

Relieve en la fachada del Palacio Gresham por Géza Maróti en Budapest (1906)

Mueble de Ödön Faragó, de Budapest (1901)

El movimiento que promovió Szecesszió en las artes fue Gödöllő Art Colony, fundada por Aladár Körösfői-Kriesch, también seguidor de John Ruskin y William Morris y profesor de la Royal School of Applied Arts de Budapest en 1901. [82] Sus artistas participaron en muchos proyectos, incluida la Academia de Música Franz Liszt en Budapest. [83]

Un asociado de Gödöllő Art Colony, [84] Miksa Róth también participó en varias docenas de proyectos de Szecesszió, incluidos edificios de Budapest como el Palacio Gresham (vidrieras, 1906) y el Banco Török [fr] (mosaicos, 1906) y también creó mosaicos y vidrio para el Palacio de la Cultura (1911-1913) en Marosvásárhely.

Un notable diseñador de muebles es Ödön Faragó [hu], que combinó la arquitectura popular tradicional, la arquitectura oriental y el Art Nouveau internacional en un estilo muy pintoresco. Pál Horti [hu], otro diseñador húngaro, tenía un estilo mucho más sobrio y funcional, realizado en roble con delicadas tracerías de ébano y latón.

Otras variaciones Editar

Vidriera de Alphonse Mucha en la Catedral de San Vito de Praga

Alivio de cerámica del Teatro Viola en Praga por Ladislav Šaloun

El nuevo ayuntamiento de Praga (1908-1911)

El mas prolífico esloveno El arquitecto Art Nouveau fue Ciril Metod Koch. [85] Estudió en las clases de Otto Wagner en Viena y trabajó en el Ayuntamiento de Laybach (ahora Ljubljana, Eslovenia) de 1894 a 1923. Después del terremoto de Laybach en 1895, diseñó muchos edificios seculares en estilo de la Secesión que adoptó a partir de 1900. a 1910: [85] Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), renovado Hauptmann Building en estilo de la Secesión en 1904. Lo más destacado de su carrera fue el Loan Bank en Radmannsdorf (ahora Radovljica) en 1906. [85]

Los edificios de la Secesión más notables en Praga son ejemplos de arte total con arquitectura, escultura y pintura distintivas. [86] La estación principal de trenes (1901-1909) fue diseñada por Josef Fanta y presenta pinturas de Václav Jansa y esculturas de Ladislav Šaloun y Stanislav Sucharda junto con otros artistas. La Casa Municipal (1904-1912) fue diseñada por Osvald Polívka y Antonín Balšánek, pintada por el famoso pintor checo Alphonse Mucha y presenta esculturas de Josef Mařatka y Ladislav Šaloun. Polívka, Mařatka y Šaloun cooperaron simultáneamente en la construcción del Nuevo Ayuntamiento (1908-1911) junto con Stanislav Sucharda, y Mucha luego pintó las vidrieras de la Catedral de San Vito con su estilo distintivo.

El estilo de combinar Szecesszió húngaro y elementos arquitectónicos nacionales era típico del arquitecto eslovaco Dušan Jurkovič. Sus obras más originales son la Casa Cultural en Szakolca (ahora Skalica en Eslovaquia, 1905), los edificios del balneario en Luhačovice (ahora República Checa) en 1901-1903 y 35 cementerios de guerra cerca de Nowy Żmigród en Galicia (ahora Polonia), la mayoría de ellos estaban fuertemente influenciados por el arte popular y la carpintería locales de Lemko (Rusyn) (1915-1917).

Art Nouveau en Rumania Editar

El Casino Constanța de Daniel Renard y Petre Antonescu (1905-1910)

El centro de una estufa de una casa de la ciudad en el área de la plaza Rosetti (Bucarest)

Puerta en la plaza Mihail Kogălniceanu, Bucarest

Relieve en la fachada de un pequeño bloque, en el área detrás del Hospital Colțea, Bucarest

Mița the Cyclist House de Bucarest (1900), combinación entre el Renacimiento barroco y el Art Nouveau

Casa en la calle Dimitrie Racoviță, Bucarest

La casa Dianu de Craiova (1900-1905)

La casa Dinu Lipatti de Bucarest de Petre Antonescu (1902), [87] combinación de renacimiento barroco y Art Nouveau

La casa de Romulus Porescu de Bucarest de Dumitru Maimarolu (1905), [88] Art Nouveau con influencias del Renacimiento barroco

La parte superior de una estufa de azulejos del Museo George Severeanu, Bucarest

Detalle de una valla en el Lascăr Catargiu Boulevard, Bucarest

Frescos en el techo del pórtico de la iglesia del monasterio de Antim de Bucarest

Puerta de arco trilobulado del Renacimiento rumano de Bucarest, que muestra elementos Art Nouveau

El Casino Constanța es probablemente el ejemplo más famoso de Art Nouveau en Rumania. los Casino, Kurhaus o Kursaal El tema es específico de la Belle Époque. El autor del casino, iniciado en 1905 y terminado en 1910, es el arquitecto Daniel Renard, que estudió en París entre 1894 y 1900. Firmó tanto los planos arquitectónicos como decorativos del casino. Específico del Art Nouveau es la ornamentación en relieve de las fachadas, ya sea con motivos florales naturalistas, como los de la Escuela de Nancy, o motivos inspirados en la fauna marina, como conchas y delfines. Una de las casas Art Nouveau de Bucarest es la Casa Dinu Lipatti (nº 12, Bulevar Lascăr Catargiu), de Petre Antonescu, cuyo motivo central es el arco de entrada, sobre el que hay un mascaron femenino en alto relieve. Entre los ejemplos de arquitectura Art Nouveau en Bucarest se encuentran las casas adosadas, que a veces solo tienen ventanas en forma de herradura u otras formas u ornamentos específicos del Art Nouveau. Un ejemplo es la Casa Romulus Porescu (nº 12, calle Doctor Paleologu), que también tiene vidrieras del Renacimiento egipcio en las ventanas de las esquinas. Algunos de los edificios del Renacimiento barroco en Bucarest tienen influencias del Art Nouveau o neorocaille, entre ellos el Observatorio de Bucarest (n. ° 21, Bulevar Lascăr Catargiu), casa n. 58 en la calle Sfinții Voievozi, la Casa del Ciclista Mița (no. 9, calle Biserica Amzei, o no. 11, calle Christian Tell) y el Palacio Cantacuzino (no. 141, Avenida Victoria). [89] El estilo renacentista rumano, presente en la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico, incluye elementos Art Nouveau. [90]

Primavera, panel decorativo de Ștefan Luchian (1901)

Mujer joven por Ștefan Luchian, dibujo para la portada de la Revista Ileana

La portada de un pequeño libro de poesía de 1908.

La portada de un pequeño libro de poesía de 1908

La portada de una pequeña revista de poesía de la serie Biblioteca Societății (1912)

Uno de los pintores de Art Nouveau más notables de Rumanía fue Ștefan Luchian, quien rápidamente se hizo cargo de las direcciones innovadoras y decorativas del Art Nouveau durante un corto período de tiempo. El momento estuvo sincronizado con la fundación de la Sociedad Ileana en 1897, de la que fue miembro fundador, empresa que organizó una exposición (1898) en el Hotel Unión titulada La Exposición de Artistas Independientes y publicó una revista - la Revista Ileana. [91]

Transilvania tiene ejemplos de edificios Art Nouveau y del Renacimiento rumano, el primero de los cuales es de la era austrohúngara. La mayoría de ellos se encuentran en Oradea, apodada la "capital del Art Nouveau de Rumanía", [92] pero también en Timișoara, Târgu Mureș y Sibiu. [93] [94] [95]

Stile Liberty en Italia Editar

Cartel de la Exposición de Turín de 1902

Villino Florio en Palermo de Ernesto Basile (1899-1902)

Entrada de la Casa Guazzoni (1904–05) en Milán por Giovanni Battista Bossi (1904–06)

El Art Nouveau en Italia se conocía como arte nuova, estilo floreale, estilo moderno y especialmente estilo Liberty. El estilo Liberty tomó su nombre de Arthur Lasenby Liberty y de la tienda que fundó en 1874 en Londres, Liberty Department Store, que se especializaba en la importación de adornos, textiles y objetos de arte de Japón y el Lejano Oriente, y cuyos coloridos textiles eran particularmente populares en Italia. . Los diseñadores italianos notables en el estilo incluyeron a Galileo Chini, cuyas cerámicas a menudo se inspiraron tanto en patrones de mayólica. Más tarde fue conocido como pintor y diseñador de escenografía teatral; diseñó los decorados para dos célebres óperas de Puccini. Gianni Schicchi y Turandot. [96] [97] [11]

La arquitectura de estilo Liberty varió mucho y, a menudo, siguió estilos históricos, particularmente el barroco. Las fachadas a menudo estaban empapadas de decoración y escultura. Ejemplos del estilo Liberty incluyen el Villino Florio (1899-1902) de Ernesto Basile en Palermo, el Palazzo Castiglioni en Milán de Giuseppe Sommaruga (1901-1903) Milán y la Casa Guazzoni (1904-05) en Milán de Giovanni Battista Bossi ( 1904-06). [98]

Los coloridos frescos, pintados o en cerámica, y la escultura, tanto en el interior como en el exterior, eran una característica popular del estilo Liberty. Se basaron en temas tanto clásicos como florales. como en los baños de Acque della Salute y en la Casa Guazzoni de Milán.

La figura más importante en el diseño de estilo Liberty fue Carlo Bugatti, hijo de un arquitecto y decorador, padre de Rembrandt Bugatti, escultor de Liberty, y de Ettore Bugatti, famoso diseñador de automóviles. Estudió en la Academia Milanesa de Brera y más tarde en la Académie des Beaux-Arts de París. Su trabajo se distinguió por su exotismo y excentricidad, incluidos cubiertos, textiles, cerámica e instrumentos musicales, pero es mejor recordado por sus diseños de muebles innovadores, que se mostraron por primera vez en la Feria de Bellas Artes de Milán de 1888. Sus muebles a menudo presentaban un diseño de ojo de cerradura y tenían revestimientos inusuales, que incluían pergamino y seda, e incrustaciones de hueso y marfil. También a veces tenía formas orgánicas sorprendentes, copiadas de caracoles y cobras. [99]

Modernismo en Cataluña y España Editar

Basílica de la Sagrada Familia en Barcelona de Antoni Gaudí (1883–)

Una variante muy original del estilo surgió en Barcelona, ​​Cataluña, casi al mismo tiempo que apareció el estilo Art Nouveau en Bélgica y Francia. Fue llamado Modernismo en catalán y Modernismo en español. Su creador más famoso fue Antoni Gaudí. Gaudí utilizó formas florales y orgánicas de una manera muy novedosa en Palau Güell (1886-1890). Según la UNESCO, "la arquitectura del parque combinó elementos del movimiento Arts and Crafts, el simbolismo, el expresionismo y el racionalismo, y presagió e influyó en muchas formas y técnicas del modernismo del siglo XX". [101] [102] [103] Integró artesanías como cerámica, vidrieras, forja de hierro forjado y carpintería en su arquitectura. En sus Pabellones Güell (1884-1887) y luego en el Parc Güell (1900-1914) también utilizó una nueva técnica llamada trencadís, que utiliza piezas cerámicas de desecho. Sus diseños de alrededor de 1903, el Casa Batlló (1904-1906) y Casa Milà (1906-1912), [100] están más estrechamente relacionados con los elementos estilísticos del Art Nouveau. [104] Estructuras posteriores como Sagrada Familia combinó elementos Art Nouveau con neogótico revivalista. [104] Casa Batlló, Casa Milà, Pabellones Güell y Parc Güell fueron fruto de su colaboración con Josep Maria Jujol, quien él mismo creó casas en Sant Joan Despí (1913-1926), varias iglesias cercanas a Tarragona (1918 y 1926) y el sinuosa Casa Planells (1924) en Barcelona.

Además de la presencia dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner también utilizó el Art Nouveau en Barcelona en edificios como el Castell dels Tres Dragons (1888), la Casa Lleó Morera, el Palau de la Música Catalana (1905) y el Hospital de Sant Pau (1901–1901–190). 1930). [104] Los dos últimos edificios han sido catalogados por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad. [105]

Otro gran modernista fue Josep Puig i Cadafalch, que diseñó la Casa Martí y su café Els Quatre Gats, la fábrica textil Casimir Casaramona (ahora museo de arte CaixaFòrum), Casa Macaya, Casa Amatller, el Palau del Baró de Quadras (que alberga Casa Àsia durante 10 años hasta 2013) y la Casa de les Punxes ("Casa de los Spikes").

También hubo un movimiento Art Nouveau distintivo en la Comunidad Valenciana.Algunos de los arquitectos destacados fueron Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud y José María Manuel Cortina Pérez. Las características definitorias del Art Nouveau valenciano son un notable uso de la cerámica en la decoración, tanto en la fachada como en la ornamentación, y también el uso de motivos regionales valencianos.

Otra variante destacable es el Art Nouveau madrileño o "Modernismo madrileño", con edificios tan notables como el Palacio Longoria, el Casino de Madrid o el Cementerio de la Almudena, entre otros. Modernistas madrileños de renombre fueron los arquitectos José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti y Francisco Andrés Octavio.

Escultura de terracota policromada de Lambert Escaler [ca]

Techo de vidriera del Palau de la Música Catalana de Antoni Rigalt (1905-1908)

los Modernismo El movimiento dejó un amplio patrimonio artístico que incluía dibujos, pinturas, esculturas, trabajos en vidrio y metal, mosaicos, cerámicas y muebles. Una parte se encuentra en el Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspirado en un café de París llamado Le Chat Noir, donde había trabajado anteriormente, Pere Romeu i Borràs [ca] decidió abrir un café en Barcelona que se llamó Els Quatre Gats (Cuatro gatos en catalán). [106] El café se convirtió en un punto de encuentro central para las figuras más destacadas de Barcelona Modernismo, como Pablo Picasso y Ramon Casas i Carbó que ayudaron a promover el movimiento con sus carteles y postales. Para el café creó un cuadro llamado Ramon Casas y Pere Romeu en un Tándem que fue reemplazado por su otra composición titulada Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil en 1901, que simboliza el nuevo siglo.

Antoni Gaudí diseñó muebles para muchas de las casas que construyó, un ejemplo es un sillón llamado para la Casa de Batalla. Influyó en otro notable diseñador de muebles catalán, Gaspar Homar [ca] (1870-1953), que a menudo combinaba marquetería y mosaicos con su mobiliario. [107]

Arte Nova en Portugal Editar

Fachada de la residencia Major Pessoa en Aveiro (1907-1909) [108]

Atrio de la Residencia Major Pessoa

La librería Livraria Lello en Porto, Portugal (1906)

Detalles de Almirante Reis, 2-2K edificio en Lisboa (1908)

Azulejo de cerámica de Cooperativa Agrícola en Aveiro (1913)

La variante Art Nouveau en Aveiro (Portugal) se llamó Arte Nova, y su principal rasgo característico fue la ostentación: el estilo fue utilizado por la burguesía que quería expresar su riqueza en las fachadas dejando los interiores conservadores. [109] Otro rasgo distintivo de Arte Nova fue el uso de azulejos de producción local con motivos Art Nouveau. [109]

El artista más influyente de Arte Nova fue Francisco Augusto da Silva Rocha. [109] Aunque no se formó como arquitecto, diseñó muchos edificios en Aveiro y en otras ciudades de Portugal. [110] [109] Uno de ellos, la residencia Major Pessoa, tiene una fachada e interior Art Nouveau, y ahora alberga el Museo de Arte Nova. [109]

Hay otros ejemplos de Arte Nova en otras ciudades de Portugal. [111] [112] Algunos de ellos son el Museo-Residencia Dr. Anastácio Gonçalves de Manuel Joaquim Norte Júnior [pt] (1904-1905) en Lisboa, Café Majestic de João Queiroz [pt] (1921) y la librería Livraria Lello de Xavier Esteves [pt] (1906), ambos en Oporto.

Jugendstil en los países nórdicos Editar

Finlandia Editar

Entrada principal del edificio Pohjola Insurance (1899-1901), esculturas de Hilda Flodin

Junto al río de Tuonela (1903) en el estilo romántico nacional finlandés por Akseli Gallen-Kallela

Estatuas en la estación central de trenes de Helsinki por Emil Wikström

El Art Nouveau era popular en los países nórdicos, donde generalmente se lo conocía como Jugendstil, y a menudo se combinaba con el estilo romántico nacional de cada país. El país nórdico con el mayor número de edificios Jugendstil es el Gran Ducado de Finlandia, entonces parte del Imperio Ruso. [113] El período Jugendstil coincidió con la Edad de Oro del arte finlandés y el despertar nacional. Después de la Exposición de París de 1900, el principal artista finlandés fue Akseli Gallen-Kallela. [114] Es conocido por sus ilustraciones del Kalevala, la epopeya nacional finlandesa, así como por pintar numerosos edificios Judendstil en el Ducado.

Los arquitectos del pabellón finlandés en la Exposición fueron Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen. Trabajaron juntos desde 1896 hasta 1905 y crearon muchos edificios notables en Helsinki, incluido el edificio Pohjola Insurance (1899-1901) y el Museo Nacional de Finlandia (1905-1910) [115], así como su residencia conjunta Hvitträsk en Kirkkonummi (1902). Los arquitectos se inspiraron en las leyendas nórdicas y la naturaleza, por lo que la fachada de granito rugoso se convirtió en un símbolo de pertenencia a la nación finlandesa. [116] Después de la disolución de la empresa, Saarinen diseñó la estación de tren de Helsinki (1905-1914) con formas más claras, influenciadas por la arquitectura estadounidense. [116] El escultor que trabajó con Saarinen en la construcción del Museo Nacional de Finlandia y la estación de tren de Helsinki fue Emil Wikström.

Otro arquitecto que creó varias obras notables en Finlandia fue Lars Sonck. Sus principales obras de Jugendstil incluyen la Catedral de Tampere (1902-1907), Ainola, la casa de Jean Sibelius (1903), la Sede de la Asociación Telefónica de Helsinki (1903-1907) y la Iglesia Kallio en Helsinki (1908-1912). Además, Magnus Schjerfbeck, hermano de Helene Schjerfbeck, hizo el sanatorio de tuberculosis conocido como Sanatorio Nummela en 1903 usando el estilo Jugendstil. [117] [118] [119]

Noruega Editar

Silla vikinga Art Nouveau del diseñador noruego Lars Kinsarvik (1900)

Interior del Centro Art Nouveau en Ålesund

Adornos de una puerta en el centro Art Nouveau de Ålesund

Noruega también aspiraba a la independencia (de Suecia) y el Art Nouveau local estaba relacionado con un renacimiento inspirado en el arte y la artesanía populares vikingos. Los diseñadores notables incluyeron a Lars Kisarvik, que diseñó sillas con patrones tradicionales vikingos y celtas, y Gerhard Munthe, que diseñó una silla con un emblema de cabeza de dragón estilizado de antiguos barcos vikingos, así como una amplia variedad de carteles, pinturas y gráficos. [120]

La ciudad noruega de Ålesund está considerada como el principal centro del Art Nouveau en Escandinavia porque fue completamente reconstruida después de un incendio del 23 de enero de 1904. [121] Se construyeron alrededor de 350 edificios entre 1904 y 1907 bajo un plan urbano diseñado por el ingeniero Frederik. Næsser. La fusión de unidad y variedad dio origen a un estilo conocido como Ål Stil. Los edificios del estilo tienen una decoración lineal y ecos tanto del Jugendstil como de los elementos vernáculos, p. Ej. torres de iglesias de madera o los tejados con crestas. [121] Uno de los edificios, Swan Pharmacy, ahora alberga el Centro Art Nouveau.

Suecia y Dinamarca Editar

Jarrón con mora, pintura de Per Algot Eriksson y plata de E. Lefebvre, en el Museo Bröhan (Berlín)

Taza y platillo del servicio 'iris' (1897), en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles

Tintero y caja de sellos, de Jens Dahl-Jensen (c. 1900), en el Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Darmstadt, Alemania)

El Gran Salón de la Biblioteca de la Ciudad de Aarhus por Karl Hansen Reistrup

Las obras maestras del Jugendstil de otros países nórdicos incluyen Engelbrektskyrkan (1914) y el Royal Dramatic Theatre (1901-1908) en Estocolmo, Suecia [122] y la antigua biblioteca municipal (ahora Danish National Business Archives) en Aarhus, Dinamarca (1898-1901). [123] El arquitecto de este último es Hack Kampmann, entonces un defensor del estilo romántico nacional que también creó Custom House, Theatre y Villa Kampen en Aarhus. El diseñador Art Nouveau más notable de Dinamarca fue el platero Georg Jensen. La Exposición del Báltico en Malmö 1914 puede verse como la última gran manifestación del Jugendstil en Suecia. [124]

Moderno en Rusia Editar

Ilustración de la Pájaro de fuego de Ivan Bilibin (1899)

Conjunto para el ballet de Nikolai Rimsky-Korsakov Scheherazade de Léon Bakst (1910)

Diseño de programa para "Tarde de un fauno" de Léon Bakst para Ballets Rusos, (1912)

Sillas de Sergey Malyutin, Talashkino Art Colony

Chimenea de cerámica sobre el tema del folclore ruso de Mikhail Vrubel (1908)

Модерн ("Moderno") fue una variación rusa muy colorida del Art Nouveau que apareció en Moscú y San Petersburgo en 1898 con la publicación de una nueva revista de arte, "Мир искусства" (transliteración: Mir Iskusstva) ("El mundo del arte"), de los artistas rusos Alexandre Benois y Léon Bakst, y el editor jefe Sergei Diaghilev. La revista organizó exposiciones de los principales artistas rusos, incluidos Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan y el ilustrador de libros Ivan Bilibin. El estilo del Mundo del Arte hizo menos uso de las formas vegetales y florales del Art Nouveau francés y se basó en gran medida en los colores brillantes y los diseños exóticos del folclore y los cuentos de hadas rusos. La contribución más influyente del "Mundo del Arte" fue la creación de una nueva compañía de ballet, la Ballets Rusos, encabezada por Diaghilev, con vestuario y decorados diseñados por Bakst y Benois. La nueva compañía de ballet se estrenó en París en 1909 y actuó allí todos los años hasta 1913. Los exóticos y coloridos decorados diseñados por Benois y Bakst tuvieron un gran impacto en el arte y el diseño franceses. El vestuario y la escenografía se reprodujeron en las principales revistas de París, L'Ilustración, La Vie parisienne y Gazette du bon ton, y el estilo ruso se hizo conocido en París como à la Bakst. La compañía quedó varada en París primero por el estallido de la Primera Guerra Mundial, y luego por la Revolución Rusa en 1917, e irónicamente nunca actuó en Rusia. [125]

De los arquitectos rusos, el más destacado en el estilo Art Nouveau puro fue Fyodor Schechtel. El ejemplo más famoso es la Casa Ryabushinsky en Moscú. Fue construido por un empresario ruso y propietario de un periódico y luego, después de la Revolución Rusa, se convirtió en la residencia del escritor Maxim Gorky, y ahora es el Museo Gorky. Su escalera principal, hecha de un agregado pulido de hormigón, mármol y granito, tiene líneas fluidas y rizadas como las olas del mar, y está iluminada por una lámpara en forma de medusa flotante. El interior también cuenta con puertas, ventanas y techo decorados con coloridos frescos de mosaico. [126] Schechtel, quien también es considerado una figura importante en el simbolismo ruso, diseñó varios otros edificios emblemáticos en Moscú, incluida la reconstrucción de la estación de tren de Moscú Yaroslavsky, en un estilo renacentista más tradicional de Moscú. [126]

Escalera principal de la Casa Ryabushinsky Moscú de Fyodor Schechtel (1900)

Casa Teremok en Talashkino, una obra del Renacimiento ruso de Sergey Malyutin (1901-1902)

Cartouche con mascaron, en la fachada de la Singer House, de Pavel Suzor (1904)

Casa Pertsova de Sergey Malyutin en Moscú (1905-1907)

Fachada del Hotel Metropol de Moscú con mosaicos de Mikhail Vrubel (1899-1907)

La Iglesia del Espíritu Santo en Talashkino, por Sergey Malyutin

Otros arquitectos rusos de la época crearon la arquitectura del Renacimiento ruso, que se basó en la arquitectura histórica rusa. Estos edificios se crearon principalmente en madera y se refirieron a la Arquitectura de Kievan Rus '. Un ejemplo es la Casa Teremok en Talashkino (1901-1902) de Sergey Malyutin, y la Casa Pertsova (también conocida como Casa Pertsov) en Moscú (1905-1907). También fue miembro del movimiento Mir iskusstva. El arquitecto de San Petersburgo Nikolai Vasilyev construyó en una variedad de estilos antes de emigrar en 1923. Este edificio es más notable por las tallas de piedra hechas por Sergei Vashkov inspiradas en las tallas de la Catedral de San Demetrio en Vladimir y la Catedral de San Jorge en Yuryev-Polsky de la Siglos XII y XIII. El Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912) de Alexey Shchusev es una versión actualizada de una clásica Iglesia Ortodoxa Rusa. Más tarde, Shchusev diseñó el Mausoleo de Lenin (1924) en Moscú.

Varias colonias de arte en Rusia en este período se construyeron en el estilo del Renacimiento ruso. Las dos colonias más conocidas estaban situadas en Abramtsevo, financiada por Savva Mamontov, y Talashkino, gobernación de Smolensk, financiada por la princesa Maria Tenisheva. Un ejemplo de esta arquitectura del Renacimiento ruso es el Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912), una Iglesia Ortodoxa Rusa actualizada por Alexey Shchusev, quien más tarde, irónicamente, diseñó el Mausoleo de Lenin en Moscú.

Jūgendstils (Art Nouveau en Riga) Editar

Fachada de la casa de Elizabetes ielā, 10b, de Mikhail Eisenstein (1903)

Escalera en la casa Pēkšēns de Konstantīns Pēkšēns (1903) que ahora alberga el museo Jūgendstils de Riga

Decoración romántica nacional en una casa construida por Konstantīns Pēkšēns (1908)

Ministerio de Educación, construido por Edgar Friesendorf (1911)

Riga, la actual capital de Letonia, era en ese momento una de las principales ciudades del Imperio Ruso. Sin embargo, la arquitectura Art Nouveau en Riga se desarrolló de acuerdo con su propia dinámica, y el estilo se volvió abrumadoramente popular en la ciudad. Poco después de la Exposición Etnográfica de Letonia en 1896 y la Exposición Industrial y Artesanal de 1901, el Art Nouveau se convirtió en el estilo dominante en la ciudad. [127] Así, la arquitectura Art Nouveau representa un tercio de todos los edificios en el centro de Riga, lo que la convierte en la ciudad con la mayor concentración de tales edificios en todo el mundo. La cantidad y calidad de la arquitectura Art Nouveau fue uno de los criterios para incluir a Riga en el Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO. [128]

Hubo diferentes variaciones de la arquitectura Art Nouveau en Riga:

  • en el Art Nouveau ecléctico, los elementos florales y otros elementos de decoración inspirados en la naturaleza fueron los más populares. Ejemplos de esa variación son las obras de Mikhail Eisenstein,
  • en el Art Nouveau perpendicular, los ornamentos geométricos se integraron en las composiciones verticales de las fachadas. Se construyeron varios grandes almacenes con este estilo y, a veces, también se lo denomina "estilo de grandes almacenes" o Warenhausstil en alemán,
  • El Art Nouveau Romántico Nacional se inspiró en el arte popular local, los volúmenes monumentales y el uso de materiales de construcción naturales.

Algunos edificios neoclásicos posteriores también contenían detalles Art Nouveau.

Estilo Sapin en La Chaux-de-Fonds, Suiza Editar

Villa Fallet con decoración inspirada en el abeto (1906) de Eduard Jeanneret (Le Corbusier) (1905)

Crematorio (1908–10), interior, con un estilizado diseño de abeto en el techo. Posteriormente se añadieron los murales simbolistas de L'Epplattenier.

Crematorio (1908–10), con detalle estilizado de "sapin" o piña

Crematorio (1908–10), con detalle de piña.

Una variación llamada Estilo Sapin ("Pine Tree Style") surgió en La Chaux-de-Fonds en el cantón de Neuchâtel en Suiza. El estilo fue lanzado por el pintor y artista Charles l’Eplattenier y se inspiró especialmente en el sapin, o pino, y otras plantas y vida silvestre de las montañas del Jura. Una de sus principales obras fue el Crematorio de la ciudad, que presentaba formas triangulares de árboles, piñas y otros temas naturales de la región. El estilo también se mezcló con los elementos estilísticos más geométricos del Jugendstil y la Secesión de Viena. [129]

Otro edificio notable en el estilo es el Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, un chalet diseñado y construido en 1905 por un estudiante de L'Epplattenier, Charles-Édouard Jeanneret (1887-1965), de dieciocho años, más tarde conocido como Le Corbusier, La forma de la La casa era un chalet suizo tradicional, pero la decoración de la fachada incluía árboles triangulares y otras características naturales. Jeanneret construyó dos chalés más en la zona, incluido el Villa Stotzer, en un estilo de chalé más tradicional. [130] [129] [131] [132]

Estilo Tiffany y Louis Sullivan en los Estados Unidos Editar

Capilla Tiffany de la Exposición Colombina de Word de 1893, ahora en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida

Póster Siglo de Louis John Rhead (1894)

Lámpara de glicina de Louis Comfort Tiffany (circa 1902), en el Museo de Bellas Artes de Virginia

Ventana de Tiffany en su casa en Oyster Bay, Nueva York

los Vuelo de almas Window de Louis Comfort Tiffany ganó una medalla de oro en la Exposición de París de 1900

Detalle del edificio Prudential (Guaranty), Nueva York Louis Sullivan (1896)

En los Estados Unidos, la firma de Louis Comfort Tiffany jugó un papel central en el Art Nouveau estadounidense. Nacido en 1848, estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York, comenzó a trabajar con el vidrio a los 24 años, entró en el negocio familiar iniciado por su padre y en 1885 montó su propia empresa dedicada al vidrio fino, y desarrolló nuevas técnicas para su coloración. En 1893, comenzó a hacer jarrones y cuencos de vidrio, nuevamente desarrollando nuevas técnicas que permitían formas y colores más originales, y comenzó a experimentar con vidrios decorativos para ventanas. Se imprimieron, marmolearon y superpusieron capas de vidrio, lo que le dio una riqueza y variedad de color excepcionales. En 1895, sus nuevas obras se presentaron en la galería Art Nouveau de Siegfried Bing, lo que le dio una nueva clientela europea. Después de la muerte de su padre en 1902, se hizo cargo de toda la empresa Tiffany, pero todavía dedicó gran parte de su tiempo al diseño y fabricación de objetos de arte en vidrio. A instancias de Thomas Edison, comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolor en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una realizada con el cuidado de una joya. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany en particular se convirtió en uno de los íconos del Art Nouveau, pero los artesanos de Tiffany (y artesanas) diseñaron e hicieron extraordinarias ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio. El vaso de Tiffany también tuvo un gran éxito en el 1900 Exposición Universal en París su vidriera llamada el Vuelo de almas ganó una medalla de oro. [133] La Exposición Colombina fue un lugar importante para Tiffany, una capilla que él diseñó se mostró en el Pabellón de Arte e Industria. La Capilla Tiffany, junto con una de las ventanas de la casa de Tiffany en Nueva York, ahora se exhiben en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida.

Otra figura importante del Art Nouveau estadounidense fue el arquitecto Louis Sullivan. Sullivan fue un pionero de la arquitectura moderna estadounidense. Fue el fundador de la Escuela de Chicago, el arquitecto de algunos de los primeros rascacielos y el maestro de Frank Lloyd Wright. Su dicho más famoso fue "La forma sigue a la función". Si bien la forma de sus edificios fue determinada por su función, su decoración fue un ejemplo del Art Nouveau estadounidense.En la Exposición Colombina Mundial de 1893 en Chicago, más famosa por la arquitectura neoclásica de su renombrado ciudad Blanca, diseñó una espectacular entrada Art Nouveau para el muy funcional Edificio de Transporte. [134] [135]

Mientras que la arquitectura de su Edificio Carson, Pirie, Scott and Company (1899) (ahora el Centro Sullivan) era sorprendentemente moderno y funcional, rodeó las ventanas con una decoración floral estilizada. Inventó una decoración igualmente original para el National Farmer's Bank of Owatonna, Minnestota (1907-1908) y el Merchants 'National Bank en Grinell, Iowa. Inventó una variedad específicamente estadounidense de Art Nouveau, declarando que las formas decorativas deben oscilar, surgir, mezclarse y derivar sin fin. Creó obras de gran precisión que a veces combinaban temas góticos con Art Nouveau. [136]

Art Nouveau en Argentina Editar

Vidrieras y esculturas de Ercole Pasina en la Casa Calise de Buenos Aires (1911)

Metalistería, cerámica y estatuas en la fachada del edificio del Club Español en Rosario (1912)

Chimenea de cerámica de la Confitería La Europea de Rosario (1916)

Inundada de inmigrantes europeos, Argentina acogió todos los estilos artísticos y arquitectónicos europeos, incluido el Art Nouveau. [137] Las ciudades con el patrimonio Art Nouveau más notable de Argentina son Buenos Aires, Rosario y Mar del Plata. [138]

París fue un prototipo de Buenos Aires con la construcción de grandes bulevares y avenidas en el siglo XIX. [137] El estilo local, junto con la influencia francesa, también siguió a la libertad italiana, ya que muchos arquitectos (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) eran italianos. En las obras de Julián García Núñez se puede notar la influencia catalana, ya que completó sus estudios en Barcelona en 1900. [137] La ​​influencia de la Secesión de Viena se puede encontrar en el edificio Paso y Viamonte. [137]

La introducción del Art Nouveau en Rosario está relacionada con Francisco Roca Simó, que se formó en Barcelona. [139] El edificio His Club Español (1912) cuenta con una de las vidrieras más grandes de América Latina producidas (así como azulejos y cerámica) por la firma local Buxadera, Fornells y Cía. [140] El escultor del edificio es Diego Masana de Barcelona. [140]

La influencia belga en el Art Nouveau argentino está representada por la Villa Ortiz Basualdo, que ahora alberga el Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino en Mar del Plata, donde el mobiliario, los interiores y la iluminación son de Gustave Serrurier-Bovy.

Art Nouveau en el resto del mundo Editar

Palacio de Bellas Artes Art Nouveau / Neoclásico en la Ciudad de México (1904-1934)

Una boda alegórica: Boceto para una alfombra (Tríptico de derecha a izquierda): Exilio, matrimonio, redención de Ephraim Moses Lilien (1906)

Un bistró en Sofitel Legend Metropole Hanoi (1902) con diseños Art Nouveau y coloniales

Como en Argentina, el Art Nouveau en otros países fue influenciado principalmente por artistas extranjeros:

  • Los españoles estaban detrás de los proyectos Art Nouveau en La Habana, Cuba, ni siquiera estaban lo suficientemente calificados para ser llamados arquitectos. [141] Los españoles no participaron directamente en las obras en Ponce, Puerto Rico, pero fueron una inspiración y un tema de estudio para los arquitectos locales en Ponce, Puerto Rico, [142]
  • Los franceses estaban detrás del Art Nouveau en Túnez (que entonces era un protectorado francés),
  • Los alemanes estaban detrás de la herencia Jugendstil de Lüderitz, Namibia [143] Qingdao, China,
  • Los italianos estuvieron detrás del Art Nouveau en Valparaíso, Chile [144] Montevideo, Uruguay Río de Janeiro, Brasil, [145]
  • Los rusos estaban detrás de la herencia Art Nouveau de Harbin, China, [146]
  • Art Nouveau Heritage en Lima consiste en el trabajo de los hermanos italianos Masperi, el arquitecto francés Claude Sahut y los maestros británicos de vidrieras [147] en la Ciudad de México fue el resultado de la cooperación de italianos (arquitecto Adamo Boari y escultor Leonardo Bistolfi), arquitecto local Federico Mariscal, los artistas húngaros Aladár Körösfői-Kriesch, Géza Maróti y Miksa Róth, el escultor catalán Agustí Querol Subirats y el maestro francés Edgar Brandt. [148]

Los motivos Art Nouveau también se pueden encontrar en la arquitectura colonial francesa en toda la Indochina francesa.

Un movimiento artístico notable llamado escuela Bezalel apareció en la región de Palestina en los últimos períodos del mandato otomano y británico. Se ha descrito como "una fusión de arte oriental y Jugendstil". [149] Varios artistas asociados con la escuela Bezalel se destacaron por su estilo Art Nouveau, incluidos Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien y Abel Pann. [150]

Golpe de Fouet o motivo de latigazo, que representa los tallos de las flores de ciclamen, de Hermann Obrist (1895)

Formas vegetales estilizadas Entrada de la estación de metro de Anvers en París por Hector Guimard (1900)

Patrones florales. Lámpara con diseño de glicina de Louis Comfort Tiffany (1899-1900)

Materiales y decoración exóticos. Gabinete de madera de caoba y amourette con decoración de nenúfares de bronce dorado de Louis Majorelle (1905–08)

Diseños florales muy estilizados en balcones y barandas. Escalera de Otto Wagner en Majolica House, Viena (1898)

El Art Nouveau temprano, particularmente en Bélgica y Francia, se caracterizó por formas onduladas y curvas inspiradas en lirios, enredaderas, tallos de flores y otras formas naturales, utilizadas en particular en los interiores de Victor Horta y la decoración de Louis Majorelle y Émile Gallé. [151] También se basó en patrones basados ​​en mariposas y libélulas, tomados del arte japonés, que eran populares en Europa en ese momento. [151]

El Art Nouveau temprano también presentaba a menudo formas más estilizadas que expresaban movimiento, como el golpe de fouet o línea de "latigazo cervical", representada en las plantas de ciclamen dibujadas por el diseñador Hermann Obrist en 1894. Una descripción publicada en Sartén revista del colgante de pared de Hermann Obrist Ciclamen (1894), lo comparó con las "curvas violentas repentinas generadas por el chasquido de un látigo", [152] El término "latigazo", aunque originalmente se usó para ridiculizar el estilo, se aplica con frecuencia a las curvas características empleadas por Art Artistas Nouveau. [152] Estas líneas decorativas onduladas y fluidas en un ritmo sincopado y una forma asimétrica se encuentran a menudo en la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau. [152]

Otras formas florales fueron populares, inspiradas en lirios, glicinas y otras flores, particularmente en las lámparas de Louis Comfort Tiffany y los objetos de vidrio realizados por los artistas de la Escuela de Nancy y Émile Gallé. Otras formas curvas y onduladas tomadas de la naturaleza incluyen mariposas, pavos reales, cisnes y nenúfares. Muchos diseños mostraban el cabello de las mujeres entrelazado con tallos de lirios, lirios y otras flores. [153] Víctor Horta utilizó especialmente formas florales estilizadas en alfombras, balaustradas, ventanas y muebles. Héctor Guimard también las utilizó ampliamente para balaustradas y, lo que es más famoso, para las lámparas y barandas en las entradas del metro de París. Guimard explicó: "Lo que debe evitarse en todo lo que es continuo es el paralelo y la simetría. La naturaleza es el mayor constructor y la naturaleza no hace nada que sea paralelo y nada que sea simétrico". [154]

Los muebles Art Nouveau anteriores, como el de Louis Majorelle y Henry van de Velde, se caracterizaban por el uso de materiales exóticos y costosos, incluida la caoba con incrustaciones de maderas preciosas y molduras, y formas curvas sin ángulos rectos. Dio una sensación de ligereza.

En la segunda fase del Art Nouveau, a partir de 1900, la decoración se vuelve más pura y las líneas más estilizadas. Las líneas y formas curvas evolucionaron en polígonos y luego en cubos y otras formas geométricas. Estas formas geométricas se utilizaron con especial efecto en la arquitectura y el mobiliario de Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser y Josef Hoffmann, especialmente en el Palais Stoclet de Bruselas, que anunciaba la llegada del Art Deco y el modernismo. [76] [77] [78]

Otra característica de la arquitectura Art Nouveau fue el uso de la luz, mediante la apertura de espacios interiores, mediante la eliminación de paredes y el uso extensivo de tragaluces para traer la máxima cantidad de luz al interior. La residencia-estudio de Víctor Horta y otras casas construidas por él tenían amplios tragaluces, apoyados en marcos curvos de hierro. En el Hotel Tassel eliminó los muros tradicionales alrededor de la escalera, de modo que la escalera se convirtió en un elemento central del diseño de interiores.

Como estilo artístico, el Art Nouveau tiene afinidades con los estilos prerrafaelitas y simbolistas, y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt y Jan Toorop podrían clasificarse en más de uno de estos estilos. Sin embargo, a diferencia de la pintura simbolista, el Art Nouveau tiene una apariencia distintiva y, a diferencia del movimiento Arts and Crafts orientado a los artesanos, los artistas del Art Nouveau utilizaron fácilmente nuevos materiales, superficies mecanizadas y abstracción al servicio del diseño puro.

Art Nouveau no evitó el uso de máquinas, como lo hizo el movimiento Arts and Crafts. Para la escultura, los principales materiales empleados fueron el vidrio y el hierro forjado, lo que dio como resultado cualidades escultóricas incluso en la arquitectura. La cerámica también se empleó en la creación de ediciones de esculturas de artistas como Auguste Rodin. [155] aunque su escultura no se considera Art Nouveau.

La arquitectura Art Nouveau hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el uso de hierro expuesto y grandes piezas de vidrio de forma irregular para la arquitectura.

Las tendencias Art Nouveau también fueron absorbidas por los estilos locales. En Dinamarca, por ejemplo, fue un aspecto de Skønvirke ("trabajo estético"), que a su vez se relaciona más estrechamente con el estilo Arts and Crafts. [156] [157] Asimismo, los artistas adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau en la Młoda Polska ("Joven Polonia") estilo en Polonia. [158] Młoda PolskaSin embargo, también incluía otros estilos artísticos y abarcaba un enfoque más amplio del arte, la literatura y el estilo de vida. [159]

El Art Nouveau está representado en la pintura y la escultura, pero es más prominente en la arquitectura y las artes decorativas. Se adaptaba bien a las artes gráficas, especialmente el cartel, el diseño de interiores, el arte en metal y vidrio, la joyería, el diseño de muebles, la cerámica y los textiles.

Carteles y artes gráficas Editar

Primer número de El estudio, con portada de Aubrey Beardsley (1893)

Póster para las galerías Grafton de Eugène Grasset (1893)

La impresora del interior portada de la revista por Will H. Bradley (1894)

Cartel para El libro de capítulos por Will H. Bradley (1895)

Galletas Lefèvre-Utile de Alphonse Mucha (1896)

Calendario del zodíaco de Alphonse Mucha (1896)

Ver Sacrum ilustración de Koloman Moser (1899)

ilustración de Ver Sacrum de Koloman Moser (1900)

Las artes gráficas florecieron en el período Art Nouveau, gracias a las nuevas tecnologías de impresión, en particular la litografía en color, que permitió la producción masiva de carteles en color. El arte ya no se limitaba a galerías, museos y salones, se podía encontrar en las paredes de París y en revistas de arte ilustradas, que circulaban por Europa y Estados Unidos. El tema más popular de los carteles Art Nouveau eran las mujeres que simbolizaban el glamour, la modernidad y la belleza, a menudo rodeadas de flores.

En Gran Bretaña, el principal artista gráfico del estilo Art Nouveau fue Aubrey Beardsley (1872-1898). Comenzó con ilustraciones de libros grabadas para Le Morte d'Arthur, luego ilustraciones en blanco y negro para Salomé de Oscar Wilde (1893), que le dio fama. En el mismo año, comenzó a grabar ilustraciones y carteles para la revista de arte. El estudio, que ayudó a publicitar a artistas europeos como Fernand Khnopff en Gran Bretaña. Las líneas curvas y los intrincados motivos florales atrajeron tanta atención como el texto. [160]

El artista franco-suizo Eugène Grasset (1845-1917) fue uno de los primeros creadores de carteles franceses Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat noir en 1885 e hizo sus primeros carteles para el Fêtes de Paris. Hizo un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890 y una amplia variedad de ilustraciones de libros. Los artistas-diseñadores Jules Chéret, Georges de Feure y el pintor Henri de Toulouse-Lautrec hicieron carteles para teatros, cafés, salas de baile y cabarets de París. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y en 1895 realizó un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt. Durante los siguientes cuatro años, también diseñó decorados, vestuario e incluso joyas para la actriz. [161] [162] Basado en el éxito de sus carteles de teatro, Mucha hizo carteles para una variedad de productos, desde cigarrillos y jabón hasta galletas de cerveza, todos con una figura femenina idealizada con una figura de reloj de arena. Luego pasó a diseñar productos, desde joyas hasta cajas de galletas, con su estilo distintivo. [163]

En Viena, el diseñador de gráficos y carteles más prolífico fue Koloman Moser (1868-1918), quien participó activamente en el movimiento de la Secesión con Gustav Klimt y Josef Hoffmann, y realizó ilustraciones y portadas para la revista del movimiento. Ver Sacrum, así como cuadros, mobiliario y decoración. [164]

Pintura Editar

Pierre Bonnard, Mujeres en el jardín (1890-1891), biombos pintados en japonés kamemono estilo

Le Corsage rayé de Édouard Vuillard (1895), Galería Nacional de Arte

Paul Sérusier, Mujeres en la primavera, Museo de Orsay (1898)

Friso de Beethoven en el Sezessionshaus en Viena de Gustav Klimt (1902)

Acuarela y pintura en tinta de Loïe Fuller Dancing, de Koloman Moser (1902)

Esgrafiado de Paul Cauchie en su residencia y estudio, Bruselas (1905)

Detalle del friso de Gustav Klimt en el Palais Stoclet, Bruselas (1905-1911)

La pintura era otro dominio del Art Nouveau, aunque la mayoría de los pintores asociados con el Art Nouveau se describen principalmente como miembros de otros movimientos, en particular el postimpresionismo y el simbolismo. Alphonse Mucha era famoso por sus carteles Art Nouveau, lo que lo frustraba. Según su hijo y biógrafo, Jiří Mucha, no pensaba mucho en el Art Nouveau. "Qué es, Art Nouveau? preguntó. ". El arte nunca puede ser nuevo". [165] Se enorgullecía de su trabajo como pintor de historia. Su única pintura de inspiración Art-Nouveau, "Slava", es un retrato de la hija de su patrón en traje eslavo, que se inspiró en sus carteles teatrales. [165]

Los pintores más estrechamente asociados con el Art Nouveau fueron Les Nabis, artistas postimpresionistas que estuvieron activos en París desde 1888 hasta 1900. Uno de sus objetivos declarados era romper la barrera entre las bellas artes y las artes decorativas. Pintaron no solo lienzos, sino también biombos y paneles decorativos. Muchas de sus obras estuvieron influenciadas por la estética de los grabados japoneses. Los miembros incluyeron a Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton y Paul Sérusier. [166]

En Bélgica, Fernand Khnopff trabajó tanto en pintura como en diseño gráfico. Los murales de Gustav Klimt se integraron en el esquema decorativo de Josef Hoffmann para el Palais Stoclet. El mural de Klimt para el comedor del Palais Stoclet (1905-1911) se considera una obra maestra del Art Nouveau tardío.

Un tema apareció tanto en la pintura tradicional como en el Art Nouveau: la bailarina estadounidense Loie Fuller, fue interpretada por pintores y carteles de carteles franceses y austriacos. [167]

Un estilo particular que se hizo popular en el período Art Nouveau, especialmente en Bruselas, fue el esgrafiado, una técnica inventada en el Renacimiento para aplicar capas de yeso teñido para hacer murales en las fachadas de las casas. Esto fue utilizado en particular por el arquitecto belga Paul Hankar para las casas que construyó para dos amigos artistas, Paul Cauchie y Albert Ciamberlani.

Arte en vidrio Editar

taza Par une telle nuit de Émile Gallé, Francia, (1894)

Lampe aux ombelles por Émile Gallé, Francia, (alrededor de 1902)

Rosa de Francia taza de Émile Gallé, (1901)

Vitral Veranda de la Salle de Jacques Grüber en Nancy, Francia (1904)

Vidrio soplado con diseño floral de Karl Koepping, Alemania, (1896)

Vidrio diseñado por Otto Prutscher (Austria) (1909)

Ventana para la casa de un amante del arte, de Margaret Macdonald Mackintosh (1901)

Jarrón de gato en el púlpito, Louis Comfort Tiffany, EE. UU. (1910) [168]

Vitral Arquitectura por John La Farge U.S. (1903)

Vidrieras de Koloman Moser para la iglesia de San Leopoldo, Viena (1902–07)

El arte en vidrio fue un medio en el que el Art Nouveau encontró nuevas y variadas formas de expresión. Se llevó a cabo una intensa experimentación, particularmente en Francia, para encontrar nuevos efectos de transparencia y opacidad: en el grabado win cameo, dobles capas y grabado al ácido, una técnica que permitió la producción en serie. La ciudad de Nancy se convirtió en un importante centro de la industria del vidrio francesa, y allí se ubicaron los talleres de Émile Gallé y el estudio Daum, dirigido por Auguste y Antonin Daum. Trabajaron con muchos diseñadores notables, entre ellos Ernest Bussière [fr], Henri Bergé (ilustrador) [fr] y Amalric Walter. Desarrollaron un nuevo método para incrustar vidrio presionando fragmentos de vidrio de diferentes colores en la pieza sin terminar. A menudo colaboraban con el diseñador de muebles Louis Majorelle, cuya casa y talleres estaban en Nancy. Otra característica del Art Nouveau fue el uso de vidrieras con ese estilo de temas florales en salones residenciales, particularmente en las casas Art Nouveau en Nancy. Muchos fueron obra de Jacques Grüber, quien hizo ventanas para la Villa Majorelle y otras casas. [169]

En Bélgica, la firma líder fue la fábrica de vidrio de Val Saint Lambert, que creó jarrones en formas orgánicas y florales, muchas de ellas diseñadas por Philippe Wolfers. Wolfers se destacó particularmente por crear obras de vidrio simbolista, a menudo con adornos de metal adheridos. En Bohemia, entonces una región del Imperio Austro-Húngaro conocida por la fabricación de cristales, las empresas J. & amp L. Lobmeyr y Joh. Loetz Witwe también experimentó con nuevas técnicas de coloración, produciendo colores más vivos y ricos. En Alemania, la experimentación fue dirigida por Karl Köpping, quien usó vidrio soplado para crear vasos extremadamente delicados en forma de flores tan delicadas que pocos sobreviven hoy. [170]

En Viena, los diseños de vidrio del movimiento de la Secesión eran mucho más geométricos que los de Francia o Bélgica. Otto Prutscher fue el diseñador de vidrio más riguroso del movimiento. [170] En Gran Bretaña, Margaret Macdonald Mackintosh creó varios diseños de vidrieras florales para la exhibición arquitectónica llamada "La casa de un amante del arte".

En los Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany y sus diseñadores se hicieron particularmente famosos por sus lámparas, cuyas pantallas de vidrio usaban temas florales comunes intrincadamente ensamblados. Las lámparas de Tiffany ganaron popularidad después de la Exposición Mundial de Columbia en Chicago en 1893, donde Tiffany exhibió sus lámparas en una capilla de estilo bizantino. Tiffany experimentó ampliamente con los procesos de coloración del vidrio, patentando en 1894 el proceso Favrile glass, que utilizaba óxidos metálicos para colorear el interior del vidrio fundido, dándole un efecto iridiscente. Sus talleres produjeron varias series diferentes de la lámpara Tiffany en diferentes diseños florales, junto con vidrieras, biombos, jarrones y una variedad de objetos decorativos. Sus obras fueron importadas primero a Alemania, luego a Francia por Siegfried Bing, y luego se convirtió en una de las sensaciones decorativas de la Exposición de 1900. Un rival estadounidense de Tiffany, Steuben Glass, fue fundado en 1903 en Corning, NY, por Frederick Carder, quien, como Tiffany, utilizó el proceso Fevrile para crear superficies con colores iridiscentes. Otro notable artista del vidrio estadounidense fue John La Farge, quien creó vidrieras intrincadas y coloridas sobre temas religiosos y puramente decorativos. [170]

Se pueden encontrar ejemplos de vidrieras en iglesias en el artículo sobre edificios religiosos Art Nouveau.

Arte en metal Editar

Balcón de Castel Béranger en París, por Hector Guimard (1897-1898)

Barandillas de Louis Majorelle para el Bank Renauld en Nancy

Candelabro tulipán de Fernand Dubois (1899)

Lámpara de mesa de François-Raoul Larche en bronce dorado, con la bailarina Loïe Fuller como modelo (1901)

Rejilla de entrada de la Villa Majorelle en Nancy (1901–02)

Balaustre de hierro fundido de George Grant Elmslie (1899-1904)

Lámpara del arquitecto alemán Friedrich Adler (1903–04)

Lámpara de Ernst Riegel en plata y malaquita (1905)

Puerta del Palais Stoclet de Josef Hoffmann, Brussels (1905-1911)

Puerta de Villa Knopf en Estrasburgo (1905)

El teórico de la arquitectura del siglo XIX Viollet-le-Duc había abogado por mostrar, en lugar de ocultar los marcos de hierro de los edificios modernos, pero los arquitectos Art Nouveau Victor Horta y Hector Guimard fueron un paso más allá: agregaron decoración de hierro en curvas inspiradas en flores y vegetales. formas tanto en el interior como en el exterior de sus edificios. Adoptaron la forma de barandillas de escaleras en el interior, artefactos de iluminación y otros detalles en el interior, y balcones y otros adornos en el exterior. Estos se convirtieron en algunas de las características más distintivas de la arquitectura Art Nouveau. El uso de la decoración metálica en formas vegetales pronto apareció también en cubiertos, lámparas y otros elementos decorativos. [171]

En los Estados Unidos, el diseñador George Grant Elmslie realizó diseños de hierro fundido extremadamente intrincados para las balaustradas y otra decoración interior de los edificios del arquitecto Louis Sullivan de Chicago.

Mientras que los diseñadores franceses y estadounidenses usaban formas florales y vegetales, Joseph Maria Olbrich y los otros artistas de la Secesión diseñaron teteras y otros objetos de metal en un estilo más geométrico y sobrio. [172]

Joyería Editar

Cuerno tallado decorado con perlas, de Louis Aucoc (circa 1900)

Flores de esmalte translúcido con pequeños diamantes en las venas, de Louis Aucoc (circa 1900)

Broche "Flora" de Louis Aucoc (circa 1900)

Un adorno de ramillete de Louis Tiffany (1900)

Broche Dragonfly Lady de René Lalique, hecho de oro, esmalte, crisoprasa, piedra lunar y diamantes (1897-1898)

Broche con mujer de René Lalique

Broche de cuerno con esmalte, oro y aguamarina de Paul Follot (1904-09)

Las características de la joyería Art Nouveau incluyen curvas y líneas sutiles. Su diseño a menudo presenta objetos naturales como flores, animales o pájaros. El cuerpo femenino también es popular y aparece a menudo en camafeos. Con frecuencia incluía collares largos hechos de perlas o cadenas de plata esterlina puntuadas con cuentas de vidrio o terminadas en un colgante de plata u oro, que a menudo se diseñó como un adorno para sostener una sola joya facetada de amatista, peridoto o citrino. [173]

El período Art Nouveau trajo una notable revolución estilística a la industria de la joyería, liderada en gran parte por las principales firmas de París. Durante los dos siglos anteriores, el énfasis en la joyería fina había sido la creación de engastes dramáticos para los diamantes. Durante el reinado del Art Nouveau, los diamantes solían desempeñar un papel secundario. Los joyeros experimentaron con una amplia variedad de otras piedras, incluyendo ágata, granate, ópalo, piedra lunar, aguamarina y otras piedras semipreciosas, y con una amplia variedad de nuevas técnicas, entre otras, esmaltado, y nuevos materiales, incluyendo cuerno, vidrio moldeado, y marfil.

Los primeros joyeros notables de París en el estilo Art Nouveau incluyeron a Louis Aucoc, cuya firma de joyería familiar data de 1821. El diseñador más famoso del período Art Nouveau, René Lalique, cumplió su aprendizaje en el estudio Aucoc desde 1874 hasta 1876. Lalique se convirtió en un centro figura de joyería Art Nouveau y vidrio, utilizando la naturaleza, desde libélulas hasta hierbas, como modelos. Artistas de fuera del mundo tradicional de la joyería, como Paul Follot, más conocido como diseñador de muebles, experimentaron con diseños de joyería. Otros notables diseñadores franceses de joyería Art Nouveau fueron Jules Brateau y Georges Henry. En los Estados Unidos, el diseñador más famoso fue Louis Comfort Tiffany, cuyo trabajo se mostró en la tienda de Siegfried Bing y también en la Exposición de París de 1900.

En Gran Bretaña, la figura más destacada fue el diseñador de Liberty & amp Co. & amp Cymric, Archibald Knox, que hizo una variedad de piezas Art Nouveau, incluidas hebillas de cinturón plateadas. C. R. Ashbee diseñó colgantes en forma de pavos reales. El versátil diseñador de Glasgow Charles Rennie Mackintosh también hizo joyas, utilizando símbolos celtas tradicionales. En Alemania, el centro de Jugendstil joyería era la ciudad de Pforzheim, donde estaban ubicadas la mayoría de las firmas alemanas, incluida Theodor Fahrner. Rápidamente produjeron obras para satisfacer la demanda del nuevo estilo. [173]

Arquitectura y ornamentación Editar

Entrada del Hôtel Solvay en Bruselas por Victor Horta (1898)

Detalle de la fachada de la Villa Majorelle de Henri Sauvage en Nancy (1901–02)

Cardos y mascarons de líneas curvas en la decoración del edificio Les Chardons de Charles Klein en París (1903)

Motivos de latigazo cervical en la estación de tren de Vitebsky por Sima Mihash y Stanislav Brzozowski, San Petersburgo (1904)

Uno de los mascarons hechos por Adamo Boari en la fachada del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, México (1904-1934)

Fachada asimétrica con líneas curvas del edificio De Beck de Gustave Strauven en Bruselas (1905)

Lirios y mascaron en la fachada del edificio Schichtel de Aloys Walter en Estrasburgo, Francia (1905–06)

La arquitectura Art Nouveau fue una reacción contra los estilos eclécticos que dominaron la arquitectura europea en la segunda mitad del siglo XIX. Se expresó a través de la decoración: ornamental (basada en flores y plantas, por ejemplo, cardos, [174] lirios, [175] ciclamen, orquídeas, nenúfares, etc.) o escultórica (ver la sección respectiva más abajo). Si bien los rostros de personas (o mascarons) se refieren a adornos, el uso de personas en diferentes formas de escultura (estatuas y relieves: consulte la sección respectiva a continuación) también fue común en algunas formas de Art Nouveau. Antes de la Secesión de Viena, el Jugendstil y las diversas formas de las fachadas de estilo romántico nacional eran asimétricas y, a menudo, estaban decoradas con baldosas de cerámica policromadas. La decoración generalmente sugería movimiento, no había distinción entre la estructura y el adorno. [176] Un motivo rizado o "latigazo", basado en las formas de plantas y flores, fue ampliamente utilizado en el Art Nouveau temprano, pero la decoración se volvió más abstracta y simétrica en la Secesión de Viena y otras versiones posteriores del estilo, como en el Palais Stoclet en Bruselas (1905-1911). [177]

El estilo apareció por primera vez en la Casa Hankar de Bruselas por Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel (1892–93) de Victor Horta. El Hôtel Tassel recibió la visita de Héctor Guimard, que utilizó el mismo estilo en su primera obra importante, el Castel Béranger (1897-1898). Horta y Guimard también diseñaron el mobiliario y la decoración interior, hasta los pomos de las puertas y la moqueta. En 1899, basándose en la fama del Castel Béranger, Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas de las estaciones del nuevo Metro de París, que se inauguró en 1900. Aunque pocos de los originales sobrevivieron, estos se convirtieron en el símbolo del movimiento Art Nouveau. en París.

En París, el estilo arquitectónico también fue una reacción a las estrictas regulaciones impuestas a las fachadas de los edificios por Georges-Eugène Haussmann, el prefecto de París bajo Napoleón III. Las ventanas de arco finalmente se permitieron en 1903, y los arquitectos Art Nouveau se fueron al extremo opuesto, sobre todo en las casas de Jules Lavirotte, que eran esencialmente grandes obras de escultura, completamente cubiertas de decoración. Un importante barrio de casas Art Nouveau apareció en la ciudad francesa de Nancy, alrededor de la Villa Majorelle (1901–02), la residencia del diseñador de muebles Louis Majorelle. Fue diseñado por Henri Sauvage como escaparate de los diseños de muebles de Majorelle. [176]

Edificios de entrada en el Parc Güell de Antoni Gaudí en Barcelona (1900-1914)

Muchos edificios Art Nouveau se incluyeron en la lista del Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO como parte de sus centros urbanos (en Berna, Budapest, Lviv, París, Oporto, Praga, Riga, San Petersburgo, Estrasburgo (Neustadt), Viena). Junto con ellos, había edificios que se incluyeron en la lista como objetos separados:

  • Bélgica: las obras de Victor Horta (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison y Atelier Horta) [5] y el Palacio Stoclet de Josef Hoffmann en Bruselas
  • España: las obras de Lluís Domènech i Montaner [105] (Palau de la Música Catalana y Hospital de Sant Pau de Barcelona), y las obras de Antoni Gaudí [178] (Park Güell, Palau Güell, Sagrada Família, Casa Batlló, Casa Milá, Casa Vicens en Barcelona Colònia Güell en Santa Coloma de Cervelló).

Escultura Editar

Bailarina con bufanda de Agathon Léonard, realizada para la Manufacture nationale de Sèvres, Francia (1898)

Estatua de terracota policromada de Lambert Escaler [ca] en Barcelona (1901)

Alto relieve de cisnes y estatuas en el interior del Teatro Aarhus por Karl Hansen Reistrup en Aarhus, Dinamarca (1897-1900)

Alto relieve de búhos en Katajanokka de Georg Wasastjerna, Helsinki (1903)

Escultura de Ernest Bussière en Nancy, Francia

Bajorrelieve en Sprudelhof de Heinrich Jobst en Bad Nauheim, Alemania (1905-1911)

Relieve y estatua de cerámica de Stanislav Sucharda en Hradec Kralove, República Checa (1909-1912)

Gárgola de Josep Plantada i Artiga en Tortosa, Cataluña, España (1915)

Atlantes, cariátides en Sankt-Mang-Brunnen por Georg Wrba en Kempten, Alemania (1905)

Putti de cerámica en el Conservatorio de Música de Barcelona de Eusebi Arnau (1916–28)

La escultura fue otra forma de expresión para los artistas del Art Nouveau, cruzando a veces con la cerámica. La figura de porcelana Bailarina con bufanda de Agathon Léonard ganó reconocimiento tanto en cerámica como en escultura en la Exposición de París de 1900. Escultores de otros países también crearon esculturas de cerámica: el bohemio Stanislav Sucharda y Ladislav Šaloun, el belga Charles Van der Stappen y el catalán Lambert Escaler [ca], que crearon estatuas de terracota policromada. Otro escultor notable de esa época fue Agustí Querol Subirats de Cataluña que creó estatuas en España, México, Argentina y Cuba. [179]

En la escultura arquitectónica no solo se utilizaron estatuas sino también relieves. Los arquitectos y escultores Art Nouveau se inspiraron en motivos animales (mariposas, [180] pavos reales, [181] cisnes, [182] búhos, [183] ​​murciélagos, [184] dragones, [185] osos [186]). También se utilizaron Atlantes, [187] cariátides, [188] putti, [189] y gárgolas [190].

Mobiliario Editar

Armario de Richard Riemerschmid, Alemania (1902)

Comedor de Eugène Vallin, Francia (1903)

Conjunto de muebles de Victor Horta en el Hôtel Aubeque de Bruselas (1902-1904)

"Silla de caracol" y otros muebles de Carlo Bugatti, Italia (1902)

Silla de Gaspar Homar, España (1903)

Cama "Dawn and Dusk" de Émile Gallé, Francia (1904)

Sillón ajustable modelo 670 "Sitting Machine" diseñado por Josef Hoffmann, Austria (1904-1906)

Víctor Horta, muebles de Turín (1902), en la colección de la Fundación Rey Balduino.

El diseño de muebles en el período Art Nouveau estuvo estrechamente asociado con la arquitectura de los edificios, los arquitectos a menudo diseñaron los muebles, alfombras, accesorios de iluminación, picaportes y otros detalles decorativos. Los muebles eran a menudo complejos y costosos, un acabado fino, generalmente pulido o barnizado, se consideraba esencial, y los diseños continentales generalmente eran muy complejos, con formas curvas que eran costosas de hacer. También tenía el inconveniente de que el dueño de la casa no podía cambiar los muebles o agregar piezas en un estilo diferente sin interrumpir todo el efecto de la habitación. Por esta razón, cuando la arquitectura Art Nouveau pasó de moda, el estilo de los muebles también desapareció en gran medida.

En Francia, el centro de diseño y fabricación de muebles estaba en Nancy, donde dos grandes diseñadores, Émile Gallé y Louis Majorelle tenían sus estudios y talleres, y donde la Alliance des industries d'art (más tarde llamada Escuela de Nancy) había sido fundada en 1901. Ambos diseñadores basaron su estructura y ornamentación en formas tomadas de la naturaleza, incluidas flores e insectos, como la libélula, un motivo popular en el diseño Art Nouveau. Gallé fue particularmente conocido por su uso de la marquetería en relieve, en forma de paisajes o temas poéticos. Majorelle era conocido por su uso de maderas exóticas y caras, y por pegar bronce esculpido en temas vegetales a sus muebles. Ambos diseñadores utilizaron máquinas para las primeras fases de fabricación, pero todas las piezas se terminaron a mano. Otros diseñadores de muebles notables de la Escuela de Nancy fueron Eugène Vallin y Émile André, ambos arquitectos de formación, y ambos diseñaron muebles que se parecían a los muebles de diseñadores belgas como Horta y Van de Velde, que tenían menos decoración y seguían más de cerca las plantas curvas. y flores. Otros diseñadores franceses notables incluyeron a Henri Bellery-Desfontaines, quien se inspiró en los estilos neogóticos de Viollet-le-Duc y Georges de Feure, Eugène Gaillard y Édouard Colonna, quien trabajó junto con el marchante de arte Siegfried Bing para revitalizar a los franceses. industria del mueble con nuevas temáticas. Su trabajo era conocido por el "naturalismo abstracto", su unidad de líneas rectas y curvas y su influencia rococó. El mobiliario de de Feure en el pabellón Bing ganó una medalla de oro en la Exposición de París de 1900. El diseñador francés más inusual y pintoresco fue François-Rupert Carabin, escultor de formación, cuyos muebles presentaban formas femeninas desnudas esculpidas y animales simbólicos, en particular gatos, que combinaban elementos Art Nouveau con simbolismo. Otros diseñadores de muebles influyentes de París fueron Charles Plumet y Alexandre Charpentier. [191] En muchos sentidos, el antiguo vocabulario y las técnicas de los muebles rococó franceses clásicos del siglo XVIII fueron reinterpretados en un nuevo estilo. [10]

En Bélgica, los arquitectos pioneros de la Movimiento Art Nouveau, Victor Horta y Henry van de Velde, diseñaron muebles para sus casas, con vigorosas líneas curvas y un mínimo de decoración. El diseñador belga Gustave Serrurier-Bovy agregó más decoración, aplicando tiras de latón en formas curvas. En los Países Bajos, donde el estilo se llamó Nieuwe Kunst o Arte Nuevo, H. P. Berlag, Lion Cachet y Theodor Nieuwenhuis siguieron un rumbo diferente, el del movimiento Arts and Crafts inglés, con formas racionales más geométricas.

En Gran Bretaña, el mobiliario de Charles Rennie Mackintosh era puramente artístico, austero y geométrico, con largas líneas rectas y ángulos rectos y un mínimo de decoración. [192] Los diseños de Continental eran mucho más elaborados, a menudo usando formas curvas tanto en las formas básicas de la pieza como en los motivos decorativos aplicados. En Alemania, el mobiliario de Peter Behrens y el Jugendstil era en gran parte racionalista, con líneas rectas geométricas y algo de decoración adherida a la superficie. Su objetivo era exactamente lo contrario de la simplicidad de la estructura y la simplicidad de los materiales del Art Nouveau francés, para muebles que pudieran ser económicos y fáciles de fabricar en masa. Lo mismo ocurrió con el mobiliario de los diseñadores de la Wiener Werkstätte de Viena, encabezados por Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich y Koloman Moser. El mobiliario era geométrico y tenía un mínimo de decoración, aunque en estilo a menudo seguía el precedente histórico nacional, particularmente el estilo Biedemeier. [193]

El diseño de muebles italiano y español se fue en su propia dirección. Carlo Bugatti en Italia diseñó la extraordinaria Silla Snail, de madera recubierta de pergamino pintado y cobre, para la Exposición Internacional de Turín de 1902. En España, siguiendo el ejemplo de Antoni Gaudí y el Modernismo movimiento, el diseñador de muebles Gaspar Homar diseñó obras que se inspiraron en formas naturales con toques de estilos históricos catalanes. [120]

En los Estados Unidos, el diseño de muebles se inspiró más a menudo en el movimiento Arts and Crafts, o en modelos estadounidenses históricos, que en el Art Nouveau. Un diseñador que introdujo los temas Art Nouveau fue Charles Rohlfs en Buffalo, Nueva York, cuyos diseños para muebles de roble blanco americano se vieron influenciados por motivos del arte celta y el arte gótico, con toques de Art Nouveau en los adornos metálicos aplicados a las piezas. [120]


Azulejos en Lisboa

Solo tiene que caminar por las calles para darse cuenta de que hay muchos más tonos en uso con los azulejos en Lisboa que solo el azul y el blanco. Muchos de los edificios residenciales de la ciudad están cubiertos de azulejos estampados, llenos de color, una pared de arte.

El uso de azulejos en el exterior de los edificios fue muy popular en el siglo XVIII y en el XIX y la producción de azulejos en Portugal alcanzó su punto máximo. Se trataba en parte del arte & # 8211, la estética sin duda era apreciada por la población en general & # 8211, pero también se trataba de aspectos prácticos.

Cuando se estaban construyendo los edificios, la gente se dio cuenta de que las baldosas en el exterior ayudaban a proteger contra la humedad, mantenían las casas más frescas en verano e incluso reducían el ruido proveniente de la calle.

Pero, como suele ocurrir, tan pronto como algo se volvió común, perdió su valor. Las élites de Lisboa se interesaron menos en el arte del azulejo porque se veía como una clase baja & # 8211 ya no era algo que adornaba las iglesias sino que cubría las casas de los pobres.

Desde una perspectiva cívica, el azulejo había caído en desgracia a principios del siglo XX.

Hubo algo en la década de 1950 que se atribuye a que los azulejos portugueses en Lisboa volvieron a ser frescos. Algo sobre lo que ya he escrito un poco & # 8211 la construcción del Metro de Lisboa.


Literatura

La literatura portuguesa es rica y variada. Durante los siglos XV y XVI se extendió al resto del mundo como consecuencia de los numerosos viajes marítimos de descubrimiento portugueses. Estas expediciones también resultaron en una rica literatura de viajes y expandieron el idioma portugués a otros países. La literatura portuguesa contiene todos los géneros, desde la poesía lírica, el drama renacentista y las novelas realistas hasta la escritura histórica que documenta los gobernantes y las conquistas de Portugal y rsquos.

La literatura portuguesa en la actualidad se caracteriza por un gran número de escritoras y un resurgimiento de la poesía y la novela. En 1998, uno de los autores portugueses más conocidos, Jos & eacute Saramago, fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura.


Historia del Art Nouveau en América

De 1890 a 1910, el Art Nouveau floreció en toda Europa. Encarnaba un espectro de estilos y tenía muchos nombres (es decir, el estilo de Glasgow en Escocia y Jugendstil en Alemania).

Si bien varió estilísticamente de un país a otro, el movimiento en sí mismo mantuvo las mismas creencias fundamentales. Principalmente, se esforzó por modernizar las prácticas de diseño actuales y evitar los diseños tradicionales.

Además, el objetivo del Art Nouveau era cultivar el aprecio por las artes decorativas basadas en la artesanía frente a las artes liberales tradicionales.

El Art Nouveau refleja los sentimientos del mundo al mismo tiempo que reconcilia las nuevas tecnologías y cambia la sociedad con las viejas tradiciones y costumbres.

Hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial, era el estilo artístico predominante en todo el mundo. Durante el transcurso de la guerra y después de ella, las actitudes sociales cambiaron y el Art Nouveau pasó de moda.

A pesar de su abrupto final, muchos ahora reconocen al Art Nouveau como un vínculo crítico entre el diseño neoclásico y moderno.

Primeras impresiones en América

Estados Unidos conoció el Art Nouveau en 1890 cuando las copias de las revistas de Harper llegaron desde Francia e Inglaterra.

En ese momento, el periódico había contratado a Eugene Grasset para diseñar las portadas de varios números. Sus ilustraciones a menudo mostraban mujeres de estilo Art Nouveau con cabello largo y amplio en medio de elementos naturales.

El trabajo de Grasset resonó en el público estadounidense y pronto los quioscos vendieron revistas y carteles con ilustraciones Art Nouveau.

Las pinturas de Grasset abrieron la puerta para el desarrollo del estilo en los Estados Unidos. Inspiró a Louis Rhead, quien adoptó el estilo de Grasset y se convirtió en un famoso pintor comercial para múltiples publicaciones.

Características del Art Nouveau estadounidense

Los patrones naturales y geométricos, ahora característicos de este estilo, inspiraron a la mayoría de los diseñadores Art Nouveau. Los artistas equilibraron hábilmente los contornos angulares y la utilidad con formas orgánicas fluidas.

Una característica distintiva del Art Nouveau son las líneas asimétricas y fluidas, que a menudo se encuentran en tallos de flores, capullos, enredaderas, alas y formas orgánicas igualmente hermosas.

Las líneas pueden ser pulidas y delicadas o proyectar una apariencia robusta y poderosa. Los contornos lineales tuvieron prioridad sobre el color, que consistía principalmente en verdes, marrones, amarillos y azules apagados.

En casi todos los campos artísticos, pero especialmente la arquitectura, la estructura y el adorno se fusionaron.

Los temas exóticos de Asia, como los estampados japoneses y los efectos de vidriado de cerámica, fueron los favoritos de los diseñadores, específicamente Louis Tiffany.

La naturaleza en todas sus formas se convirtió en figuras dominantes en imágenes y ornamentos:

Además, los personajes femeninos con cabello largo se convirtieron en el foco de muchas ilustraciones.

Mobiliario Art Nouveau

A diferencia de otros países, los muebles Art Nouveau estadounidenses fueron influenciados más por el movimiento Arts and Crafts o los diseños históricos estadounidenses que por el Art Nouveau.

Uno de los primeros diseñadores estadounidenses en fabricar muebles de estilo Art Nouveau fue Charles Rohlfs. También incluyó motivos celtas y góticos en sus numerosos diseños de muebles de roble blanco.

Los fabricantes de muebles y los arquitectos solían utilizar los mismos materiales, como vidrio, cerámica, metal y madera.

El nogal, el roble, la teca y otras maderas duras eran opciones populares para los muebles. Los diseñadores mezclaron caoba y arce con ébano o madera de serpiente y terminaron con un hermoso barniz. Algunas superficies decoradas con incrustaciones o metal curvado y doblado agregado.

Los muebles de Art Nouveau estadounidenses siguieron algunos de los principios de los movimientos de Artesanos y Artes y Oficios en curso.

Por ejemplo, si bien las máquinas construyeron algunas piezas, muchas fueron hechas a mano. El alto grado de habilidad necesario para fabricarlo significó precios altos, lo que en parte condujo a su declive en popularidad alrededor de 1910.

Diseñadores y artesanos

Louis Comfort Tiffany (1848-1933)

Louis Comfort Tiffany, el artista maestro detrás de Tiffany & amp Co., fue una figura fundamental en el Art Nouveau estadounidense.

Estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York y, a los 24 años, comenzó a trabajar con vidrio, pronto ingresando al negocio de su padre.

En 1885, Tiffany estableció su propia empresa de vidrio fino y desarrolló nuevas formas de colorear.

Tiffany produjo jarrones y cuencos en 1893 utilizando métodos innovadores, produciendo formas y colores únicos.

Durante este tiempo, también experimentó con ventanas decorativas

impresión, marmoleado y superposición de capas de vidrio.

Esta técnica le dio a sus ventanas una profundidad y riqueza distintas, así como

coloración diversa. En 1895, la galería Art Nouveau de Siegfried Bing exhibió el trabajo de Tiffany, que atrajo a la clientela europea.

En 1902, Tiffany se convirtió en el director de la empresa después de la muerte de su padre, pero continuó experimentando con técnicas de vidrio decorativo.

Thomas Edison recomendó que Tiffany fabricara lámparas eléctricas y encontró la manera de comercializarlas. Los diseños de Tiffany & # 8217s iconizan el estilo Art Nouveau estadounidense.

Las pantallas presentaban mosaicos de vidrio multicolores enmarcados con bronce o hierro: un equipo de diseñadores y artistas diseñó cada lámpara, así como varias series y ediciones.

No fue solo la lámpara Tiffany la que popularizó el Art Nouveau. Los excepcionales artesanos de la empresa produjeron ventanas, jarrones y otros.

Tiffany y su compañía ganaron más prominencia durante la Exposición de París de 1900, donde su pieza, El vuelo de las almas, ganó una medalla de oro.

Otro momento crítico para Tiffany fue la Exposición Colombina en Chicago, donde debutó la Capilla Tiffany.

Louis Sullivan (1856-1924)

Uno de los arquitectos más importantes del país, Louis Sullivan, abrió el camino en la arquitectura moderna y jugó un papel importante en el surgimiento del Art Nouveau en Estados Unidos.

Sullivan fundó la Escuela de Chicago, diseñó algunos de los primeros rascacielos y enseñó a Frank Lloyd Wright. También creía firmemente que la forma seguía a la función.

Aunque la función dio forma a la forma de las estructuras de Sullivan, las decoró generosamente con elementos Art Nouveau.

Sullivan obtuvo más aclamaciones en la Exposición Colombina de 1893 (sede de la Ciudad Blanca). Allí, creó una elaborada entrada de estilo Art Nouveau para el práctico Edificio de Transporte.

En 1899, diseñó el edificio Carson, Pirie, Scott and Company, ahora el Centro Sullivan. La estructura era claramente moderna y funcional, con ornamentación botánica estilizada alrededor de las ventanas.

Sullivan también desarrolló decoraciones originales para el National Farmer’s Bank of Owatonna en Minnesota (1907-1908), así como para el Merchants 'National Bank en Grinnell, Iowa.

Su obra, que a veces combinaba motivos góticos y art nouveau, le dio un carácter marcadamente americano a este estilo. También sostuvo que no debería haber fin a la mezcla de estilos decorativos.

Charles Rohlfs (1853-1936)

Charles Rohlfs nunca se formó como fabricante de muebles, sin embargo, se convirtió en uno de los primeros diseñadores de muebles Art Nouveau de Estados Unidos. Sus obras son el epítome del movimiento Arts and Crafts.

Rohlfs comenzó a diseñar muebles para su familia en 1888 y comenzó su carrera profesional en 1897. Abrió una tienda e hizo piezas originales que llamó "muebles artísticos" o el "estilo Rohlfs".

En 1899, Rohlfs se asoció brevemente y sin éxito con el minorista Marshall Field. Luego, en 1900, exhibió su trabajo en la Exposición de Artes y Oficios de Nueva York.

Pronto, encontró la fama al año siguiente en la Exposición Panamericana.

En la Exposición Internacional de Artes Decorativas de 1902 en Turín, Rohlfs recibió una exposición significativa. Poco después, se convirtió en miembro de la Royal Society of Arts de Londres.

El estilo de los locos años veinte

La influencia del Art Nouveau se elevó a un nivel global a pesar de su brevedad e impactó drásticamente varias áreas del arte.

Provocó los primeros ejemplos del modernismo y lo incorporó a los diseños tradicionales. Durante un tiempo, este estilo fue evidente en casi todas las facetas de la vida.

A finales del siglo XIX, el Art Nouveau tuvo su apogeo en la arquitectura y el arte gráfico. Pero sigue siendo inmensamente moderno y seguramente se volverá más popular durante esta década.

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